Описание картины микеланджело меризи да караваджо «положение во гроб»

Содержание

“Положение во гроб” Караваджо. Почему это шедевр – Дневник живописи

Караваджо. Положение во гроб. 1602-1604 гг. Пинакотека Ватикана

Перед нами тело Христа и 5 фигур. Его тело со стороны головы держит святой Иоанн. Самый молодой ученик Христа. Со стороны же ног его удерживает Никодим. Житель Иудеи, тайный ученик Христа.

В темно-синем одеянии – святая Мария. Она протянула руку к лицу сына. Прощаясь с ним навек. Вытирает от слез лицо Мария Магдалина. А самая дальная фигура – это Мария Клеопова. Скорее всего, она является родственницей Христа.

Фигуры стоят очень тесно. Они словно единый монолит. Выступающий из темноты.

Конечно, это шедевр. Но что делает эту картину такой выдающейся?

Как мы видим, композиция интересна. Но не оригинальна. Мастер воспользовался уже существующей формулой. Примерно в таком же положении Христа изображали и Рафаэль в начале 16 века. И маньеристы* за полвека до Караваджо (1571-1610 гг.)

Слева: Рафаэль. Положение во гроб. 1507 г. Галерея Боргезе, Рим. Справа: Якопо Понтормо. Положение во гроб. 1526-1528 гг. Церковь Санта-Феличиты, Флоренция, Италия

Не стал Караваджо шокировать нас реалистичностью мертвого тела. Как он это сделал в “Успении святой Марии”. Вместо прекрасной, как будто уснувшей святой, мы видим мертвую женщину. Вздутое тело. Босые ноги. Безжизненная бледность кожи.

Не стал Караваджо экспериментировать с расположением и освещением фигур. Как, например, в “Призвании святого Матфея”. Когда фигура Христа находится в самой тёмной и удаленной части картины.

В картине “Положение во гроб” тело Христа не пугает нас своим видом. Оно находится на переднем плане. Весь свет падает именно на него.

Однако есть несколько моментов в картине, которые делают ее шедевром. Хотя эти новаторства Караваджо и не настолько бросаются в глаза.

1. Вовлечение зрителя

Караваджо максимально приближает нас к происходящему. Мы как будто стоим на краю могилы. Край плиты и локоть Никодима словно вот-вот прорвут пространство картины.

А теперь посмотрите на картину учителя Караваджо, Петерцано.

Симоне Петерцано. Оплакивание. 1584 г. Церковь Сан-Фиделе, Милан, Италия

Вам словно демонстрируют тело Христа. Он возлежит так, чтобы его мертвое тело выглядело максимально благородно. Персонажи одеты в красивые атласные ткани. А на заднем плане Вероника держит свою вуаль с ликом Христа. Так, чтобы вам было хорошо ее видно.

В этом всем чувствуется театральность. Вы здесь как сторонний зритель. Перед которым разворачивается представление.

Караваджо преследует в своей картине другие цели. Он хочет вас вовлечь в действие. Поэтому Никодим смотрит в вашу сторону. Как будто следующим порывом он передаст тело Христа вам.

Такого раньше живопись не знала. Это чисто караваджинский приём.

2. Предельная простота

Большинство современников Караваджо следовали моде зарождающегося Барокко. Переполняя свои картины помпезной символикой и пухлыми ангелочками.

Караваджо терпеть не мог аллегорий. Лишних деталей. Он хотел, чтобы его картины мог понять любой. Чтобы чувства персонажей были искренни.

В этом он был полной противоположностью маньеристов*. Чья живопись скорее напоминала ребусы для самых образованных.

Аньоло Бронзино. Аллегория с Венерой и Амуром. 1545 г. Национальная галерея Лондона

Например, не разбираясь в мифологии, не зная языка символов, вы едва ли сможете понять картину Бронзино “Аллегория с Венерой и Амуром”. К чему эта девочка с ногами льва и хвостом змеи? Почему она держит соты в одной руке и жало в другой?

Картины же Караваджо были предельно понятны. В его “Положении во гроб” нет ничего, что бы отвлекало ваше внимание от главного сюжета. Разве что одинокий могильный цветок.

Его персонажи даже одеты очень просто. Никаких шелков. Никакого ультрамарина. И уж тем более милых ангелочков. Да и позировали ему всегда люди с улицы.

Подходящие лица он находил среди простых трудяг и проституток. Так, Мария Клеопова (та, что воздела руки) – это проститутка Филлида. Она же позировала ему и для других его картин. Например, для “Марфы и Марии Магдалины”.

Караваджо. Марфа и Мария Магдалина. 1598 г. Музей искусств, Детройт, США

Это, кстати, очень многих раздражало. Что в образе святых они видели знакомых им проституток. Но это тема другого разговора. Об этом читайте в статье о тайной гибели Караваджо.

3. Реалистичность людей

Караваджо изобразил святую Марию лет 55. Кажется, что она выглядит старше своих лет из-за постигшего ее горя. Приглядитесь к ее лицу. Это не старуха, как часто ее обозначают на этой картине. Это женщина за 50, убитая горем.

Караваджо. Положение во гроб. Фрагмент. 1603-1605 гг. Пинакотека Ватикана

Ее возраст реалистичен. Именно так и могла выглядеть женщина, сыну которой 33 года.

Дело в том, что до Караваджо святую Марию изображали молодой. Тем самым максимально идеализируя ее образ.

Аннибале Карраччи. Пьета. 1600 г. Музей Каподимонте, г. Неаполь, Италия

Например, Карраччи, немного-немало основатель первой художественной академии, следовал той же тенденции. Его святая Мария и Христос на картине “Пьета” – примерно одного возраста.

4. Ощущение динамики

Караваджо изображает момент, когда мужчины находятся в сильном напряжении. Святому Иоанну тяжело удерживать тело. Ему не легко. Он неловко прикоснулся пальцами к ране на груди Христа.

Никодим также на пределе своих сил. Вены на его ногах вздулись. Видно, что он держит свою ношу из последних сил.

Мы словно видим, как они медленно опускают тело Христа. Такая необычная динамика делает картину ещё более реалистичной.

Караваджо. Положение во гроб. Фрагмент. 1603-1605 гг. Пинакотека Ватикана

5. Знаменитое тенебросо Караваджо

Караваджо использует приём тенебросо. На заднем фоне – кромешная тьма. А фигуры словно вырисовываются направленным на них неярким светом.

Многие современники критиковали Караваджо за такую манеру. Называли ее “подвальной”. Но именно эта техника является одной из самых характерных черт творчества Караваджо. Он смог максимально раскрыть все ее преимущества.

Фигуры приобретают необычайную рельефность. Эмоции героев становятся предельно выражены. Композиция ещё более цельной.

Такая манера стала очень популярной благодаря Караваджо. Среди его последователей можно выделить испанского художника Сурбарана.

Посмотрите на его знаменитую картину “Агнец Божий”. Именно тенебросо создаёт иллюзию реальности. Ягненок словно живой лежит перед нами. Освещённый тусклым светом.

Франсиско де Сурбаран. Агнец Божий. 1635-1640 гг. Музей Прадо, Мадрид

***

Караваджо был реформатором живописи. Он основатель реализма. И “Положение во гроб” одно из величайших его творений.

Его копировали самые крупные мастера. Что также подтверждает его ценность для мирового искусства. Одна из самых известных копий принадлежит Рубенсу.

Питер Пауль Рубенс. Положение во гроб. 1612-1614 гг. Национальная галерея Канады, г. Оттава

“Положение во гроб” – сюжет очень печальный. Но именно за такие сюжеты Караваджо и брался чаще всего.

Думаю, это связано с детской психологической травмой. В 6 лет он наблюдал, как в муках умирал его отец и дед от бубонной чумы. После чего его мать сошла с ума от горя. С детства он усвоил, что жизнь полна страданий.

Но это не помешало ему стать величайшим художником. Правда прожил он всего 39 лет. Он погиб. Бесследно исчезло его тело. Предположительно его останки нашли лишь 400 лет спустя! В 2010 году. Об этом читайте в статье “Караваджо. 5 невероятных фактов о жизни и творчестве”.

* маньеристы – художники, работающие в стиле маньеризм (100-летняя эпоха между Ренессансом и Барокко, 16 век). Характерные черты: перенасыщенность композиции деталями, удлиненные, часто закрученные тела, аллегорические сюжеты, повышенный эротизм. Яркие представители: Джорджо Вазари, Джулио Романо, Эль Греко, Аньоло Бронзино.

Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и Вы первыми будете узнавать о новых статьях в моем блоге.

Картина «Положение во гроб»

Дата написания: 1602–1604 годы.
Тип: Холст, масло, 300*203 см.

Положение во гроб (Погребение Христа)

Портрет художника

О жизни большинства художников и других известных личностях мы узнаем из записок и книг, написанных современниками, историками и друзьями. В случае с Микеланджело Меризи да Караваджо, однако, эти знания мы получаем, в основном, из полицейских сводок.

Из них легко понять, что у художника был сложный характер. Так же агрессивный Караваджо мог проявлять жестокость, и арестовывался за нападение. Помимо участия в кровавых драках, в полицейских архивах сохранились записи о незаконном ношении оружия.

В конце концов живописец совершил убийство и провел несколько лет в бегах от закона.

Сюжет

После несения креста на Голгофу и распятия, некоторые из последователей Христа (Никодим, Иосиф Аримафейский, Мария Магдалина) снимают тело с креста и помещают его в гроб.

Свет и тень

Одна из первых вещей, которую можно заметить в стиле Караваджо — гробовая темнота. Это так называемый темный стиль (тенебризм). Художник пытался сделать сцену, события которой происходят ночью, фигуры будто освещены гигантским прожектором, что находит отражение и в других картинах.

Положение во гроб. Фрагмент.

У картины буквально нет фона. Только темнота. Нет архитектурных творений, пейзажа, в результате чего зритель сосредоточен на фигурах переднего плана. Световые эффекты работают на драматизм, мы можем видеть очень выразительные контрасты светлого и темного. Другими словами, темные тени находятся в непосредственной близости от области яркого освещения, без плавного перехода.

Пространство

Все персонажи расположены максимально близко. Посмотрите на тело Христа, мы буквально ощущаем, что оно может прикоснуться к нам. Выступ гробницы укорочен, кажется, что он входит в наше «пространство».

Аналогичный эффект можно наблюдать на локте, принадлежащем фигуре, держащей Иисуса ха ноги.

Одна из особенностей искусства барокко — тонкая грань между нашим миром и картиной, достигаемая использованием специфичных ракурсов и игрой света.

Давид с головой Голиафа. 1607.

Композиция

Фигуры на картине образуют диагональную линию, которая также является распространенной особенностью стиля барокко. В искусстве Высокого Возрождения мы можем найти композиции в форме пирамиды. Но тут мы видим диагонали, которые иногда пересекаются в форме буквы «Х».

Падение Фаэтона. Рубенс.

Одна из важнейших задач барокко — вовлечение зрителя. С ней Караваджо отлично справляется, организовывая композицию так, чтобы тело Христово «врывалось» в нашу реальность.

Реализм

Искусство барокко также имеет тенденцию быть очень реалистичной. Тело Христово выглядит действительно мертвым, а фигуры тратят все силы держа этот груз.

Караваджо. Положение во гроб

Караваджо. Положение во гроб. 1602-1604

Здравствуйте, дорогие гости! В Государственном музее изобразительных искусств (ГМИИ) имени Пушкина открыта выставка итальянского художника 16-17 веков Микеланджело Меризи да Караваджо. Мы продолжаем наше повествование. С 1597 года Караваджо является личным художником известного коллекционера и мецената кардинала Дель Монто и живет у него во дворце.

Караваджо — личный художник кардинала Дель Монто

Кардинал Дель Монто являлся одновремено и светским человеком, был галантным и обладал тонким вкусом. Опираясь на эти сведения, некоторые исследователи считают его, как и Караваджо, гомосексуалистом. Но сохранилось много свидетельств, в которых упоминается о связях Микеланджело с женщинами, в основном, с проститутками.

Торговля телом и преступность были распространены в Риме в то время. Часто случались драки из-за женщин, и именно с ними связаны передряги, в которые ввязывался Караваджо, обладавший вспыльчивым характером. Эти женщины были вхожи во дворец кардинала, и иногда они служили моделью для живописца.

Особенно отличалась своей красотой Филлида Малендрони. Ее портрет был написан художником в 1600 году, но в 1945 году картина погибла в Берлине. Более тесные отношения связывали караваджо и Лену, Маддалену Антоньетти, которую в одном судебном документе назвали «женщиной Микеланджело».

Именно эту красивую девушку изобразил художник в «Мадонне ди Лорето» и в некоторых других картинах.

Живя во дворце кардинала, Караваджо получил заметные преимущества, например, он мог ходить по городу, вооружившись шпагой, несмотря на государственные запреты. Для Микеланджело это было необходимо при его вспыльчивом характере, который не позволял художнику долго наслаждаться спокойной жизнью.

С начала 17-го века живописец не знает отбоя от заказчиков. Кардиналы, юристы, банкиры, представители знати и даже религиозные братства желают иметь картины, написанные Караваджо. Главной отличительной чертой религиозной живописи художника является мощный контраст между светом и тьмой. Караваджо превращает зрителя в участника изображенной сцены.

Картина «Положение во гроб» предназначалась церкви Санта Мария ин Валичелла. Долгое время она считалась самым главным шедевром художника. В 1797 году французы увезли ее в Париж в музей Наполеона. В 1815 году полотно было возвращено и с 1820 года оно находится в Пинакотеке в Ватикане.

На картине «Положение во гроб» изображены святой Иоанн и Никодим, поддерживающие тело Христа, позади них стоят охваченные отчаянием три Марии. Светом божественной благодати озарено мертвенно-бледное тело Христа. Благодаря углу зрения зритель как бы включен в картину. Контраст яркого потока света и темной части картины подчеркивает скорбную выразительность всего полотна.

Музеи Ватикана, Пинакотека

Дорогие друзья! Предлагаю вам почитать 2 увлекательные книги известной писательницы Дины Рубиной:

1. Синдикат (роман-комикс)
2. Во вратах твоих

Выбор директора Третьяковки: 5 шедевров Пинакотеки Ватикана, к которым стоит присмотреться

Джованни Беллини, “Оплакивание Христа св. Иосифом Аримафейским, Никодимом и Марией Магдалиной” (1471 год)

«Это та самая работа, которую мы воспроизводим на афишах выставки, потому что «Оплакивание Христа», выполненное на дереве, – один из главных шедевров этого венецианского художника.

Произведение оказалось в собрании музеев Ватикана в конце XVIII века, а потом в 1797 году было отправлено во Францию, где и пробыло два десятка лет, пока после Венского конгресса сокровища не вернули их прежним владельцам.

Как известно, Наполеон Бонапарт стремился создать в Париже величайший музей всех времен и народов, для чего свозил шедевры из всех завоеванных им стран, в том числе и Ватикана.

«Оплакивание Христа», изображающее один из самых трагический эпизодов Евангелие, – часть главного алтаря, написанного Беллини для церкви Сан-Франческо в Пезаро, по заказу знаменитой венецианской семьи Пезаро.

Это совершенно особенное, по глубине восприятия, произведение, вещь невероятного эмоционального накала, очень искусно выстроенная: все в этой композиции тяготеет и к лику Христа, и к той чаше, которая изображена в центре картины, между мертвым Христом и Марией Магдалиной. Эта работа наполнена глубочайшим смыслом и обращается к любому человеку, вне зависимости от его вероисповедания, вызывая в зрителе концентрированное ощущение мистической драмы».

Микеланджело Меризи да Караваджо, «Положение во гроб» (1603 год)

««Положение во гроб» – одна из самых знаменитых картин в истории мировой живописи. Да и Караваджо относится к числу тех редких художников, ради которых люди отправляются в далекие путешествия, изучают все церкви Рима, едут на Мальту. Эта работа, как и произведение Беллини, была отправлена в Париж, откуда в 1816 году вернулась в Рим, а в 1820 году была передана в Пинакотеку Ватикана.

В этой картине Караваджо апеллирует к самым различным художественным традициям, и к античной, и к ренессансной, к тому же, он изображает сцену положения во гроб так, если бы смотрящие стояли внизу и смотрели бы снизу вверх.

Подобный ракурс придает и без того тяжелым фигурам еще большую значимость.

Страшная трагедия смерти Христа отражается в экстатически возведенных руках к небесам одной из Марий, а на первом плане доминирует мощная фигура согбенного Никодима, который поддерживает и опускает в могилу тело Христа.

Эта работа насыщена невероятным драматизмом, зритель оказывается перед произведением, далеким от канонической интерпретации этого сюжета, созданным одним из величайших мастеров живописи, в творчестве которого очень много нераскрытого и неисследованного. Не случайно, что Караваджо привлекает такое внимание.»

Никола Пуссен, «Мученичество Святого Эразма»

«Пуссен – единственный французский художник на выставке. Это огромное, высотой более трех метров полотно было написано для собора Святого Петра в Риме, позже его заменили мозаикой, и отправили в Пинакотеку. Наряду с другими произведениями его также вывезли в Париж по приказу Наполеона.

Я не специально подбирала работы, которые привлекли внимание Бонапарта, видимо, наши с Наполеоном вкусы совпали. И он, и мы отбирали самые знаковые имена. Невероятное полото, необычное для Пуссена, мастера французского классицизма.

Здесь все построено на диагонали, этому подчинено и тело Эразма, и рука всадника, показывающая на умирающего. Это страшное полотно, на котором изображена мученическая смерть Святого Эразма, которого казнили, вспоров живот и намотав внутренности на лебедку.

Но, в отличие от художников круга Караваджо, которые фиксировались на ужасающих подробностях страданий, у Пуссена эта картина приобретает абсолютно вневременной и нематериальный характер, лишенный интереса к физиологическим подробностями.

Художник использует необычную для таких сюжетов цветовую гамму, основанную на его любимых желтых, голубых, зеленых тонах. На нашей выставке «Положение во гроб» Караваджо и «Мученичество святого Эразма» Пуссена представлены друг на против друга, и воспринимаются, как два важнейших художественных манифеста».

Людовико Карраччи, «Троица с мертвым Христом» (1590 год)

«Этот художник, представитель болонского академизма, не входит в первую десятку самых известных живописцев мира, но при жизни он был знаменит и много работал по заказам католической церкви. Картина написана в самый яркий период творчества этого художника.

Он выбрал сложный для изображения сюжет: все построено на каком-то невероятном градусе эмоционального восприятия евангельского сюжета.

Карраччи эффектно обыгрывает контрасты света и тени, как и Караваджо, поражает виртуозной техникой и сложнейшей композицией, благодаря которой зритель воспринимает образ соединения Троицы с оплакиванием (когда мертвое тело Христа принимает в объятия не Дева Мария, а Бог-Отец). Это трагическое, трансцендентное изображение сюжета».

Эрколе де Роберти, «Чудо Святого Винченцо Феррер»

«Эрколе де Роберти, художник феррарской школы, создал пределлу (нижнюю часть алтаря) церкви Сан Петронио в Болонье для «Полиптиха Гриффони». Этим объясняются и необычные размеры произведения 30 сантиметров на два метра.

Пределла, написанная на дереве, соединяет в себе готику и ренессанс, и посвящена деянием святого Винченцо Ферерра (исцеление роженицы, воскрешение богатого иудея, исцеление хромого, воскрешение ребенка, убитого безумной матерью и другие сюжеты).

Это сложное повествование, одно из самых изощренных и интеллектуальных произведений Ренессанса, которое развертывается на невероятном фоне с архитектурными видами и руинами. Художник демонстрирует свою эрудицию, воспроизводя огромное количество античных памятников.

Эта работа, кстати, была одной из любимых работ художника Джорджа де Кирико, выставку которого ГТГ готовит весной 2017 года».

Караваджо – биография и картины художника в жанре Барокко – Art Challenge

Караваджо Микеланджело (Caravaggio). Собственно, полное имя Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio). Итальянский живописец. Родился 28 сентября 1573 года. Учился в Милане (1584-1588); работал в Риме (до 1606), Неаполе (1607 и 1609-1610), на островах Мальта и Сицилия (1608-1609).

Караваджо, не принадлежавший к определенной художественной школе, уже в ранних произведениях противопоставил индивидуальную выразительность модели, простые бытовые мотивы (“Маленький больной Вакх”, “Юноша с корзиной фруктов” – оба в галерее Боргезе, Рим) идеализации образов и аллегорическому истолкованию сюжета, свойственным искусству маньеризма и академизма.

Совершенно новую, интимно-психологическую интерпретацию получили у него традиционные религиозные темы (“Отдых на пути в Египет”, галерея Дориа-Памфили, Рим). Художник внес большой вклад в становление бытового жанра (“Гадалка”, Лувр, Париж и другие).

Зрелые произведения художника Караваджо – это монументальные полотна, обладающие исключительной драматической силой (“Призвание апостола Матфея” и “Мученичество апостола Матфея”, 1599-1600, церковь Сан-Луиджи деи Франчези в Риме; “Положение во гроб”, 1602-1604, Пинакотека, Ватикан; “Смерть Марии”, около 1605-1606, Лувр, Париж).

Живописная манера Караваджо в этот период основана на мощных контрастах света и тени, выразительной простоте жестов, энергичной лепке объемов, насыщенности колорита – приемах, создающих эмоциональное напряжение, острую аффектацию чувств.

Подчеркнутая “простонародность” типажей, утверждение идеалов демократизма поставили Караваджо в оппозицию по отношению к современному искусству, обрекли его в последние годы жизни на скитания по югу Италии.

В поздних произведениях Караваджо обращается к теме одиночества человека во враждебном ему мире, его привлекает образ небольшого содружества людей, объединенных родственной близостью и душевным теплом (“Погребение Святой Лючии”, 1608, церковь Санта-Лучия, Сиракузы).

Свет в его картинах становится мягким и подвижным, колорит тяготеет к тональному единству, манера письма приобретает характер свободной импровизационности. События биографии Караваджо поражают своим драматизмом. Караваджо обладал очень вспыльчивым, неуравновешенным и сложным характером.

Начиная с 1600 года, времени наивысшего творческого подъема Караваджо, его имя стало постоянно появляться в протоколах римской полиции. Сначала Караваджо с друзьями совершал незначительные противоправные действия (угрозы, непристойные стихи, оскорбления), за которые привлекался к суду.

Но в 1606 году художник в пылу ссоры во время игры в мяч совершил убийство и с тех пор был вынужден скрываться от полиции.

После убийства художник бежал из Рима в Неаполь. Там он продолжал работать над крупными заказами; его искусство оказало решающее влияние на развитие неаполитанской школы живописи. В 1608 Караваджо переехал на Мальту, где написал портрет магистра мальтийского ордена и сам вступил в орден.

Но вскоре и оттуда Караваджо пришлось бежать на Сицилию из-за своего вспыльчивого характера. Прожив на Сицилии некоторое время, художник в 1609 возвратился в Неаполь, где подвергся нападению в портовой таверне и был изуродован. В это время Караваджо уже был болен малярией, от приступа которой и умер 18 июля 1610 года.

Суровый реализм Караваджо не был понят его современниками, приверженцами «высокого искусства». Обращение к натуре, которую он сделал непосредственным объектом изображения в своих произведениях, и правдивость ее трактовки вызвали множество нападок на художника со стороны духовенства и официальных лиц.

Тем не менее, в самой Италии нашлось много его последователей, получивших название караваджистов.

Творческая манера Караваджо оказала непосредственное влияние на сложение течения караваджизма – самостоятельного направления в европейском искусстве 17 века.

Для караваджизма характерны демократизм образной системы, повышенное чувство реальной предметности, материальности изображения, активная роль светотеневых контрастов в живописно-пластическом решении картины, монументализация жанрово-бытовых мотивов.

В Италии, где тенденции караваджизма сохраняли свою актуальность до конца 17 века и особенно сказались в живописи Рима, Генуи и Неаполя, наиболее сильное и оригинальное истолкование наследие Караваджо получило в творчестве итальянского художника Орацио Джентилески и его дочери Артемизии.

Но еще значительнее было влияние творчества Караваджо за пределами Италии. Ни один крупный живописец того времени не прошел мимо увлечения караваджизмом, явившимся важным этапом на пути европейского реалистического искусства.

Среди европейских мастеров караваджизма вне Италии наиболее значительно творчество утрехтских караваджистов в Голландии (Геррит ван Хонтхорст, Хендрик Тербрюгген и др.), а также Хусепе де Риберы в Испании и Адама Эльсхаймера в Германии. Через этап караваджизма прошли Питер Пауль Рубенс, Диего Веласкес, Рембрандт ван Рейн, Жорж де Латур.

Воздействие отдельных приемов караваджизма ощутимо также в работах некоторых мастеров академизма (Гвидо Рени, Себастьяно Риччи в Италии и Вильям-Адольф Бугеро во Франции) и барокко (Карел Шкрет в Чехии и другие)

Караваджо – крупнейший мастер эпохи барокко

ПодробностиКатегория: Изобразительное искусство и архитектура конца XVI-XVIII вековОпубликовано 03.02.2017 13:38Просмотров: 1236

Он создал свой собственный художественный стиль – караваджизм; в своих картинах и в жизни отличался необыкновенной энергией. Не имея учителей в живописи, стал величайшим художником своего времени…

Итальянский художник Микела́нджело Меризи да Карава́джо (1571-1610) стал просто Караваджопо месту своего рождения в местечке Караваджио близ Милана. Так было с Веронезе, Корреджо и другими итальянскими художниками того времени, которые получали прозвище по месту своего рождения.

Жизненный путь художника

Оттавио Леони «Портрет Караваджо» (1621)

Караваджо был простым каменщиком. Рано потерял отца (будущему художнику было всего 5 лет). Его отец служил управляющим у маркиза Франческо Сфорца да Караваджо. Возможно, поэтому Караваджо имел достаточно влиятельных покровителей, первыми из которых были герцог и герцогиня Колонна. Коло́нна, римский род – древняя итальянская фамилия. Род существует до сих пор.

А покровители Караваджо были очень нужны, т.к. он отличался буйным темпераментом, вспыльчивым характером, его жизнь постоянно омрачалась скандалами, драками и тюремными заключениями. В 1591 г. он вынужден был бежать из Милана после ссоры за карточной игрой, завершившейся убийством.

Сначала Караваджо отправился в Венецию, затем в Рим, потом снова была тюрьма – и так, в постоянных переменах обстоятельств, места жительства протекала вся его жизнь.

При этом он много работал, получал заказы от влиятельных лиц того времени, знакомился при разных обстоятельствах с выдающимися личностями своего времени: в мастерской д'Арпино он познакомился с меценатами и художниками, в частности, Яном Брейгелем Старшим; в тюрьме Тор ди Нона, куда он попал после очередной драки, происходит его встреча с Джордано Бруно; осенью 1594 г.

он начинает работать на кардинала Франческо дель Монте, перебирается в его виллу Мадама и встречается здесь с итальянским физиком, механиком, астрономом, философом и математиком, оказавший значительное влияние на науку своего времени – Галилеем; итальянским философом и писателем, одним из первых представителей утопического социализма – Кампанеллой; итальянским архитектором и скульптором Джакомо делла Порта, поэтами Марино и Милези.В 1606 г. спор на площадке для игры в мяч перерос в драку, в ходе которой был убит Рануччо Томассони. В убийстве был обвинён Караваджо. Художник был объявлен «вне закона», его теперь мог убить любой человек и даже получить за это вознаграждение – он снова скрывался в имении Колонна.

В 1610 г. во время своих очередных приключенческих странствий и в ожидании помилования от папы Павла V он умер в Порто-Эрколе. 31 июля 1610 г. в Риме был обнародован папский указ о помиловании Караваджо и опубликовано сообщение о его смерти.

Творчество Караваджо

Первые миланские работы Караваджо не сохранились. А первой сохранившейся до наших дней картиной было полотно «Мальчик, чистящий фрукт» (1593). Существует два варианта этой картины – 1592 и 1593 гг.

Караваджо «Мальчик, чистящий фрукт» (1592)

Вскоре Караваджо создаёт многофигурные картины: «Шулеры», «Гадалка».

Караваджо «Шулеры» (1594)

Караваджо «Музыканты» (1595). Холст, масло. 92х118,5 см. Метрополитен-музей. Нью-Йорк (США)

Картина была создана для украшения кабинета одного из первых меценатов молодого Караваджо, кардинала Франческо дель Монте.
Музыканты готовятся к репетиции. Один подтягивает струны лютни, скрипач внимательно вглядывается в ноты, третий с рожком – Караваджо, это своеобразный автопортрет.

Слева изображён Амур со стрелами за спиной, занятый виноградом. Существует несколько названий этой картины: «Музыка», «Музыканты», «Концерт», хотя более подходящее название – «Репетиция». Одновременно с «Музыкантами» Караваджо написал еще и «Юношу с лютней». Эта картина существует в трёх вариантах.

Один из них находится в Эрмитаже.

Караваджо «Лютнист» (ок. 1596). Холст, масло. 94х119 см. Эрмитаж (Петербург)

Считается, что для этой картины (а также для некоторых других) позировал любимец художника Марио Миннити. Сам Караваджо считал «Лютниста» наиболее удавшимся ему образом.

На всех трёх версиях картины изображён очень молодой человек, почти мальчик, с мягкими чертами лица и густыми каштановыми волосами, аккомпанирующий себе на лютне.

Караваджо точно передал эффект взаимного влияния освещенных предметов: на щёку лютниста падает отблеск его белой рубашки, а на тыльную сторону лютни – свет от страниц нотной тетради.

Караваджизм

Караваджо одним из первых применил манеру письма «кьяроскуро» – резкое противопоставление света и тени. Художник был основоположником этого стиля европейской живописи эпохи барокко.

Для караваджизма характерен интерес к точной передаче особенностей натуры, подчёркнутый реализм в изображении предметов.

Важная роль уделяется свету и тени, которые помогают создать объём: фигуры помещаются на переднем плане, освещение их контрастное (например, тёмное помещение и луч света в нём, освещающий лица и фигуры персонажей картины).

Крупнейшими представителями караваджизма являются О. Джентилески и М. Де Фьори в Италии; «утрехтские караваджисты» (Д. Бабюрен, Х. Тербрюгген и др.) в Нидерландах; Х. Рибера в Испании. Через этап караваджизма прошли П. П. Рубенс, Д. Веласкес, Рембрандт, Ж. де Латур.

Картины на библейские сюжеты

Картины на библейские сюжеты принесли Караваджо подлинную славу, хотя некоторые из них отвергались духовенством.

Караваджо «Отдых на пути в Египет» (ок. 1597). Холст, масло. 133,5х166,5 см. Галерея Дориа-Памфили (Рим)

Святое семейство утомилось на пути в Египет – Дева Мария и младенец уснули под музыку ангела, а Иосиф держит ноты. Световоздушная среда создаёт атмосферу поэтичности и покоя. Скромный пейзаж дополняет картину, но это, скорее, милый сердцу художника ломбардский пейзаж, а не ближневосточный.
На библейскую тему написаны картины «Экстаз св.

Франциска» (1595), «Жертвоприношение Исаака» (1598), «Кающаяся Мария Магдалина» (1597), «Святая Екатерина Александрийская» (1598), «Марфа и Мария» (1598), «Иоанн Креститель» (1598), «Давид и Голиаф» (1599), «Призвание апостола Матфея» (ок. 1600), «Мученичество святого Матфея» (ок.

1600), «Обращение Савла» (1600), «Распятие святого Петра» (1601), «Неверие апостола Фомы» (1600-1602), «Поцелуй Иуды» (1602) и др.

Караваджо «Призвание апостола Матфея». Холст, масло. 322х340 см. Сан-Луиджи-деи-Франчези (Рим)

Эту картину Караваджо исполнил для капеллы Контарелли римской церкви Сан-Луиджи-деи-Франчези.Сюжет картины взят из Евангелия от Матфея – Иисус увидел мытаря Левия (Матфея) у ворот Капернаума и призвал его на апостольское служение: «…Иисус увидел человека, сидящего у сбора пошлин, по имени Матфея, и говорит ему: следуй за Мною. И он встал и последовал за Ним».

Караваджо изобразил этот сюжет как сцену из современной ему жизни. В тени за столом мытарь (сборщик налогов) Левий ведёт подсчёт выручки, ему помогает старик в очках.

Вооружённые охранники повернули головы в сторону вновь прибывших. Одежда мытаря свидетельствует о его состоянии. Из всех присутствующих лишь Левий понял, кто стоит перед ним.

В изумлении он вопросительно указывает на себя, ожидая подтверждения.

Поток света, падающий с той стороны, где стоят Иисус и апостол Пётр, прорывает мрак. Он символизирует свет веры, ворвавшийся в суетный, тщеславный мир Левия. Фигуру Иисуса почти полностью закрывает Пётр – лишь голова и рука ярко выделены на тёмном фоне.

Караваджо «Положение во гроб» (1603)

Изобразительный язык Караваджо был ясен и неподготовленному зрителю, поэтому его картины на библейские сюжеты не требовали дополнительного толкования, что создало огромную популярность его картинам, хотя церковники некоторые из этих картин не принимали, например, картину «Положение во гроб» и др.

Караваджо «Неверие апостола Фомы». Холст, масло. 107х146 см. Сан-Суси (Потсдам, Германия)

Сюжет картины взят из Евангелия от Иоанна. Апостол Фома не присутствовал при явлениях Христа после воскресения и выразил сомнение в достоверности рассказов других учеников. Он заявил, что уверует, только если собственноручно удостоверится в наличии ран на теле воскресшего учителя. Через неделю Фома получил эту возможность и, вложив пальцы в рану Христа, уверовал.

Фигура Христа в левой части картины хорошо освещена светом, падающим на правую часть Его тела, и фокусируется на Его открытой груди с зияющей раной. Освещены и склонившиеся фигуры трёх апостолов в правой части картины. Фон тёмный и недетализованный, что является характерной чертой манеры Караваджо.

Удивлённо-недоверчивый взгляд Фомы направлен на рану на груди Иисуса, который своей рукой направляет кисть апостола. Пристальное внимание, с которым на тело Иисуса смотрят два других апостола, сходно с эмоциональной реакцией Фомы, что говорит о нетривиальной интерпретации евангельского сюжета: не только Фома нуждается в подтверждении чуда.

Отсутствие нимба над головой Иисуса говорит о том, что он выступает здесь в своей телесной ипостаси.

Караваджо «Поцелуй Иуды». Холст, масло. !33х169 см. Национальная галерея Ирландии (Дублин)

Сюжет картины основан на сообщениях евангелистов о последних днях земной жизни Иисуса Христа.

Иуда Искариот, один из учеников Иисуса, предал его, раскрыв место пребывания и указав на него страже, когда Христос выходил из Гефсиманского сада.
Все лица персонажей ярко освещены.

Иисус, знавший о предающем Его, как бы старается уклониться от предательского поцелуя, но в то же время принимает его как неизбежность. Рука стражника уже занесена, чтобы взять преданного Иудой.

Автопортреты

Автопортреты Караваджо довольно необычны. Он изображает себя в качестве персонажей своих картин. Вот несколько примеров.

Караваджо «Больной Вакх» (1593). Полотно, масло. 67х53 см. Галерея Боргезе (Рим)

В 1593 г. художник заболел римской лихорадкой (малярия) и 6 месяцев находился в госпитале на грани жизни и смерти. Под впечатлением от болезни создаёт картину «Больной Вакх» – первый свой автопортрет.
На уже рассмотренной нами картине «Музыканты» Караваджо изобразил себя третьим музыкантом с рожком.

Фрагмент картины

На картине «Мученичество апостола Матфея» собственное изображение художник поместил в глубине слева.