Содержание
Иванов Александр Андреевич (1806 – 1858)
Иванов Александр. Автопортрет
Иванов Александр Андреевич – сын профессора Академии художеств, отмеченный Большой золотой медалью, как и многие другие совершенствовал свое мастерство в Италии.
Иванов написал всего несколько картин, все на библейский сюжет и то в начале своей творческой деятельности. В то время художник писал в стиле классицизм. Всю же оставшуюся жизнь он посвятил одной картине без малого 25 лет.
Сначала искал сюжет, а затем осуществлял замысел. В этой исторической картине Иванов предпринимает решительный шаг к реализму.
Явление Христа народу (1837 – 1857)
Мастер выбрал для своего произведения гигантские размеры: более пяти с половиной в высоту и семь с лишних метров в длину. В этом многоплановом творении живописец хотел показать народ, жаждущий услышать слово свободы.
Образ Христа. Фрагмент картины.
Картина написана на библейский сюжет о иудеях, принимающих крещение на реке Иордан. В этот момент происходит чудо – к народу является Христос, чей приход. как возвещал праведный проповедник Иоанн Креститель, должен будет произвести коренной поворот в жизни человека.
Образ Иоанна Крестителя. Фрагмент картины.
В центре какртины – крупно выделенная фигура Иоанна Крестителя, страстного проповедника, аскета, призывавшего народ покаяться, избавиться от грехов, чтобы приблизить Царствие Небесное. Второй центр картины – Христос. На него указывает Иоанн, к нему обращены взоры людей. Христос – это символ добра, душевной чистоты, высшей справедливости.
Рабы. Фрагмент.
На заднем плане, слева от Иоанна Крестителя – группа будущих учеников Христа, апостолов. Справа – одна из важнейших для философского понимания картины группа – раб и хозяин. Господин сидит спиной к зрителям и одевается после Крещения.
Приняв новую веру, хозяин, однако, не считает нужным обратить в нее раба, поскольку думает, что это необходимо только свободнорожденным людям, а рабу вера, провозгласившая. что все люди братья – ни к чему.
Однако, раб с веревкой на шее, подавая хозяину одежду, прислушивается к словам проповеди, и они проникают в его сердце, и улыбка надежды освещает его болезненное, изборожденное морщинами лицо. Фигура раба в картине – это символ освобождения через духовное озарение.
Старик и юноша, выходящие из воды. Фрагмент
Картина необычайно продумана. Каждый персонаж, каждый предмет несет свой философский смысл. Вот старик и юноша, выходящие из воды – это символ юности и старости. Фигуры “дрожащих” справа – символ душевного трепета, стесненности, Божьего страха. Художник пытается передать религиозный сюжет как реальное событие.
Для этого им было создано к картине более щестисот этюдов с натуры. Всех персонажей он писал также с натуры. Именно поэтому фигуру, замыкающую толпу, он написал, например, со своего друга, Н.В.Гоголя. Этот образ Иванов назвал “кающимся грешником”, в нем он отразил сложные переживания писателя,связанные с религией.
Образ кающегося грешника (Н.В.Гоголь). Фрагмент картины.
Художник всю жизнь работал над картиной и все-таки остался ею недоволен. В 1858 году Иванов выставил картину в Академии художеств, однако успеха у публики она не имела. И лишь по прошествии много лет картина, наконец, оценена по достоинству.
Явление христа Марии Магдалине.
Художник описал библейский сюжет о Марии Магдалине, в христианском предании женщине из Галилеи, последовательнице Иисуса Христа. Согласно библейскому повествованию, она была исцелена Иисусом Христом от одержимости семью бесами. После этого она следовала за Христом, служила ему, делясь всем, что имела, присутствовала на Голгофе при его кончине, была свидетельницей его погребения.
После того, как минул субботний запрет на дела и передвижения, она с другими мироносицами подошла к могиле Христа и увидела, что она пуста. Ангел возвестил о воскресении Иисуса Христа. Когда через некоторое время Мария Магдалина вновь увидела своего воскресшего Учителя, она не узнала его, приняв за садовника.
А после мгновенного узнавания бросилась к нему, но ее остановили слова его:” Не прикасайся ко мне”.
После этого на Марию Магдалину была возложена миссия – возвестить о воскресении Христа апостолам.
Аполлон, Кипарис и Гиацинт, музицирующие
Мальчики на берегу Неаполитанского залива.
Александр Иванов: картины, биография
Портрет художника Александра Андреевича Иванова кисти Постникова Сергея Петровича
Едва ли не полжизни Александра Андреевича Иванова связано с Академией художеств, где он жил, где отец, где он сам учился двенадцать лет. По окончании (1828) — традиционная пенсионерская командировка в Италию (правда, за счет Общества поощрения художеств), которая непредвиденно затягивается. Наконец, почти через три десятка лет, — возвращение на родину, с тем чтобы умереть.
В ряду этих скудных данных затворнической жизни Иванова неожиданны лишь сообщения о встречах с писателями, философами, учеными. Что они не случайны, подтверждается той целеустремленной настойчивостью, с какой художник искал этих встреч. Перед нами свидетельство определенной программности поведения.
На это же указывает и важнейшая проблема, стоявшая перед художественным сознанием Иванова, — соединение «рафаэлевой техники» с идеями современной цивилизации. В этой формулировке, выраженной с характерным для Иванова своеобразием, заключено все содержание его творческой эволюции.
«Рафаэлева техника» подразумевала ориентированность художника на пластическое совершенство и предельную отточенность исполнительского мастерства, присущие гению итальянского Возрождения. В Италии Иванов насыщает свою художническую память подлинным античным и классическим искусством. Но Иванову было свойственно «живое употребление» великого наследия, и к этому он стремился уже в ученические годы.
Так, он наделяет героев повышенной чувствительностью («Приам, испрашивающий у Ахилла тело Гектора», 1824), вводит подчеркнутый психологический аффект («Иосиф, толкующий сны», 1827), усиливает цвето-световую динамику (эскиз к картине «Беллерофонт отправляется в поход против Химеры», 1829).
И попытки расшатать жесткие академические догмы приводят Иванова к созданию собственной живописной системы, включающей в качестве исходных начал не только классические традиции. В процессе работы над большой картиной «Явления Христа народу» (Явление Мессии) он изучает древнеегипетское, восточное, византийское искусство.
Но живоносной основой его творчества являлась работа с натуры.
Для «Явления Христа народу» Ивановым были написаны сотни этюдов, где он точнейшим образом запечатлел прекрасную итальянскую природу, создал галерею образов людей из народа — мальчишек, женщин и умудренных старцев, познавших нужду и лишения простых тружеников. Его этюдный метод говорит о том решающем значении, какое он придавал «сличению» своих «сочиненных» образов с правдой жизни.
Вместе с тем работа с натуры не была для него, отрицавшего бытовой жанр, самоцелью. Она представлялась ему лишь ступенью к осуществлению широкой, общечеловеческой по своим задачам художественной программы. И здесь взгляды Иванова сообщаются с кругом насущных социальных, эстетических и философских проблем его времени.
Еще в Академии дружба с образованнейшим живописцем К. И. Рабусом приобщила его к идеям художественного романтизма, что нашло отражение в раннем творчестве Иванова. У него вызревает тема героя, которому открыт «план» истории, героя-пророка, героя-борца.
В Италии Иванов не только изучает памятники искусства, его впервые глубоко увлекает проблема нравственного и эстетического совершенствования человеческой природы, он задумывается о путях его достижения. Н. М.
Рожалин, представитель русского «любомудрия» (питавшегося идеями немецкого романтизма и прежде всего Шеллинга) в долгих беседах с художником пробудил в нем неослабевавшее на протяжении всей жизни стремление своим трудом приблизить человечество к «золотому веку».
В картине «Аполлон, Гиацинт и Кипарис» (1831—1834) Иванов проводит мысль о преображающей силе искусства, которое способно само создать совершенного человека Однако утопичность этой эстетической программы оказалась слишком очевидной для живописца, и он оставляет картину незавершенной.
Знакомство с главой немецкой художественной группировки назарейцев Ф. Овербеком способствовало тому, что размышления Иванова целиком переключаются на морально-этические проблемы. (Назарейцы в своем творчестве пытались реконструировать средневековое религиозное мировоззрение и обращались к художественным традициям довозрожденческой эпохи).
Начиная творческую деятельность, Иванов кратко определил программу всей своей жизни, сказав, что «в занятиях умственных и практических» он должен показать себя «благодетелем рода человеческого».
Столь многозначительные слова в устах незаметного и немногоречивого человека (чья биография умещается в одной строчке: «он писал картины») кажутся неожиданными.
Но какая преданность искусству звучит в них, какое осознанное принятие на себя нелегкой миссии художника, цель которой — «деяние блага» для человечества! Слова эти высвечивают вдруг ту интенсивную и сосредоточенную духовную работу, которая бывает незаметна на поверхности скупых биографических фактов. Эта духовная работа сообщила искусству Иванова силу активного гуманизма, а его художественному языку — высокую меру духовной и пластической убедительности.
Галерея картин Александра Иванова
Иванов александр андреевич – галерея произведений (420 изображений)
В истории русского искусства есть имя, которое невозможно вместить в какие бы то ни было рамки. в этом художнике многое необычно; прежде всего – уровень его дарования. не отказываясь ни от одной из художественных систем, существовавших в его время, он наполнил жизнью уходящий классицизм, соединив его с романтизмом и реализмом.
в его работах мы встречаем черты разных жанров, которые он соединял так же естественно, как краски на холсте. он оставил большое творческое наследие, хотя в сознании широкой публики он известен как автор одной картины.
речь идет об александре андреевиче иванове.
«явление христа народу» — одно из величайших произведений в мировой живописи. его тайна раскрывается перед зрителем постепенно – вот перед нами разноликая толпа, люди разных возрастов и сословий, которых, кажется, ничто не объединяет.
только смятение… и жест иоанна крестителя. мы следуем за этим жестом – и вздрагиваем, пораженные чудом. чудом явления истины, добра, света. не обещающим немедленного счастья, но требующим тяжелых трудов на пути к себе.
таким тяжелым трудом и веры был исполнен и жизненный путь художника. задумав грандиозное полотно, он напишет не одну сотню этюдов, совершит прорыв в пейзажной живописи, создаст целую галерею портретов. он вложит в эту картину свои самые важные, самые выстраданные мысли о мире и человек.
александр иванов считал, что долг художника – показать дорогу к свету. приблизить своим творчеством золотой век человечества. ответственность этой миссии не подавляла его, но погружала в работу, в которой только и состояла для него настоящая жизнь.
работая над своей главной картиной, иванов все тверже укреплялся в мысли, что художник должен непосредственно участвовать в жизни общества. ища наиболее действенные приёмы просвещения и воспитания, он задумал большой цикл росписей на библейские темы, исполнив сотни эскизов, стремясь (как было всегда для него характерно) достичь наибольшей исторической достоверности.
библейские эскизы александра иванова исследователи называют теперь новым словом в мировом искусстве. трудно даже представить, произведения какой художественной силы мы могли бы увидеть, если бы художнику удалось осуществить свой замысел.
кем он булл, этот человек? строителем новой вавилонской башни, чьим дерзким замыслам сами небеса поставили предел? благим вестником, который ушел, сказав своё слово?
он был величайшим художником – об остальном мы можем только предугадывать.
александр андреевич иванов родился 16 (28) июля 1806 года в с.-петербурге. сын художника академика живописи а.и.иванова. состоял «посторонним» учеником иах (1817-1828) в историческом классе. награжден малой и большой золотой медалями и в 1828 получил звание классного художника.
в 1830 году иванов был отправлен в италию пенсионером общества поощрения художников. по дороге в рим посетил германию, австрию, города северной италии, флоренцию. неоднократно совершал поездки по италии, с целью изучения искусства возрождения и эпохи барокко.
в 1836 за картину «явление христа марии магдалине после воскресения» (грм) удостоен звания академика. в 1837 после четырехлетней разработки в эскизах иванов приступил к работе над картиной «явление христа народу» (гтг), длившейся с перерывами до конца 1840-х – начала 1850-х. в этот период художник создал более 400 этюдов для картины.
иванов был знаком со многими выдающимися людьми своего времени, приезжавшими в рим, в их числе с ф.овербеком – главой немецких художников-назарейцев. в 1838 состоялось его знакомство с н.в.гоголем, перешедшее в тесную дружбу. в 1847 познакомился с а.и.герценом, посвятившему художнику главу в своих «былое и думы.
в 1851 иванов ознакомился с книгой д.штрауса «жизнь христа», послужившую основополагающим источником в разработке плана и системы росписей на библейские сюжеты на стенах задуманного им особого храма. разработка этого замысла получила воплощение в грандиозной серии «библейских эскизов» (гтг).
в конце мая 1858 иванов возвратился в с.-петербург, где состоялась выставка его картины «явление христа народу» вместе с этюдами. 3 (15) июля 1858 художник скоропостижно скончался.
1. Иванов Александр «Приам, испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора» 1824 Холст, масло 119х124,7 Государственная Третьяковская галерея2. Иванов Александр «Иосиф, толкующий сны заключенным с ним в темнице виночерпию и хлебодару» 1827 Холст, масло 178,5х213 Государственный Русский музей3. Иванов Александр «Автопортрет» 1828 Бумага, масло 43,2х33,2 Государственная Третьяковская галерея4. Иванов Александр «Портрет мальчика» Конец 1820-х Бумага на холсте, масло 40,2х30,9 Государственная Третьяковская галерея5. Иванов Александр «Беллерофонт отправляется в поход против Химеры. Первоначальный эскиз» 1829 Холст, масло 39,2х30 Государственный Русский музей6. Иванов Александр «Беллерофонт отправляется в поход против Химеры» 1829 Холст, масло 130,5х113 Государственный Русский музей7. Иванов Александр «Братья Иосифа находят чашу в мешке Вениамина. Эскиз неосуществленной картины» 1831-1833 Холст, масло 49,5х62,7 Государственная Третьяковская галерея8. Иванов Александр «Братья Иосифа находят чашу в мешке Вениамина. Окончательный эскиз неосуществленной картины» 1831-1833 Холст, масло 36х55 Государственная Третьяковская галерея9. Иванов Александр «Иосиф открывается братьям. Эскиз» 1831-1833 Картон, масло 23х38,5 Государственная Третьяковская галерея10. Иванов Александр «Давид играет на арфе перед Саулом. Эскиз» 1831 Бумага на картоне, масло 8,5х13,5 Государственная Третьяковская галерея11. Иванов Александр «Две сидящие натурщицы на фоне зелени. Этюд» Начало 1830-х Холст, масло 74х61,5 Государственный Русский музей12. Иванов Александр «Полулежащая обнаженная женщина. Этюд» Начало 1830-х Бумага на холсте, масло 61,5х57,3 Государственная Третьяковская галерея13. Иванов Александр «Портрет Виттории Кальдони» 1834 Холст, масло 25,2х23,2 Государственный Русский музей14. Иванов Александр «Сон Иакова. Эскиз» Начало 1830-х Бумага на картоне, масло 20,5х32,5 Государственная Третьяковская галерея15. Иванов Александр «Девочка-альбанка в дверях» Начало 1830-х Холст, масло 43х31 Государственная Третьяковская галерея16. Иванов Александр «Убиение Петра Мученика. Уменьшенная копия с картины Тициана» 1839(?) Бумага на холсте, масло 75х76 Государственный Русский музей17. Иванов Александр «Голова Апостола с книгой. Копия фрагмента картины Рафаэля «Преображение» 1830-е Бумага на холсте, масло 36,3х45,8 Государственный Русский музей18. Иванов Александр «Меркурий и три Грации. Уменьшенная копия картины Тинторетто» 1839(?) Бумага на холсте, масло 31,5х36,5 Государственный Русский музей19. Иванов Александр «Головы бесноватого и женщины. Копия фрагмента картины Рафаэля «Преображение» 1830-е Бумага на холсте, масло 36х46 Государственный Русский музей20. Иванов Александр «Аполлон, Гиацинт и Кипарис, занимающиеся музыкой и пением» 1831-1834 Холст, масло 100х139,9 Государственная Третьяковская галереяСтраницы: 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21
Александр Иванов — художник одной картины
В наш век блестящих скороспелок,Промышленных и всяких сделок,
Как добросовестен твой труд!
П.А.Вяземский, Александру Андреевичу Иванову
Когда в 1830 году 24-летний выпускник Академии художеств Александр Иванов уезжал в Италию для продолжения обучения, он еще не знал темы своего будущего большого полотна.
Александр Иванов. Автопортрет
Академические правила требовали картины на историческую или библейскую тему. Перебирая в уме великие события
прошлого, Иванов в конце концов остановился на евангельском сюжете о явлении Мессии. Художника увлекла задача показать великий нравственный переворот, духовное перерождение людей при соприкосновении с личностью и учением Христа.
Первоначальный эскиз картиныВ «Явлении Христа народу» А.
Иванов соединил три эпизода из Евангелия: обличение Иоанном Крестителем фарисеев, крещение народа в Иордане и встречу страждущей толпы с Иисусом Христом.
Художник изобразил момент, когда Иоанн возглашает: «Я только Предтеча!», и властным движением руки отсылает народ навстречу Сыну Божьему: «Вот истинный Спаситель мира!»Тогда Иванов ещё верил, что именно в эту минуту начался истинный День Человечества.20 лет ушло на подготовительные работы.
Стремясь к максимальной исторической точности, Иванов тщательно изучал Евангелие и археологическую литературу о Палестине, делал портретные зарисовки в синагогах и пейзажные этюды в разных областях Италии, где природа напоминала палестинскую.
Фигуры для своей картины Иванов писал с натурщиков на Испанской лестнице, а лица персонажей выискивал в закоулках бедняцких кварталов Рима. Затем, комбинируя торсы профессионалов с портретными головами бродяг, крестьян и ремесленников, преображал их в евангельских фарисеев, рабов и пророков.Однажды русскую колонию в Италии посетил император Николай I.
В мастерской Иванова государь с изумлением вгляделся в необъятное полотно, с которого навстречу ему шел Христос, прогремел: «Хорошо начал!», и добавил: «Кончит это, пусть напишет Великое Крещение русских в Днепре». Иванову была назначена «бессрочная пенсия».Однако картина так и осталась неоконченной.
В конце 1840-х годов с Александром Андреевичем произошёл душевный переворот. Он был влюблён в девушку из аристократической семьи и надеялся по окончании картины жениться на ней. Но она вышла замуж за другого, и художник впал в мрачную депрессию. Им овладела мания преследования: ему казалось, что его хотят отравить. Он прекратил почти все знакомства, не выходил из мастерской и только по понедельникам, в виде отдыха, бродил по Ватикану, изучая портреты мастеров Возрождения и античные бюсты.
Групповой портрет русских художников (А.А.Иванов в центре)
17 февраля 1846 г.
Тургенев, познакомившись с художником, был потрясен: обед Иванова состоял из сухарей, которые он запивал водой. Писатель оставил портрет пятидесятилетнего Иванова: «Он всюду расхаживал в простой крестьянской блузе. А “роскошная” шляпа а-ля Ван Дик смахивала на головной убор итальянских погонщиков мулов. Под широкими разбойничьими полями светились кроткие глаза».
Портрет А. А. Иванова работы С. П. ПостниковаНо самое главное — изменилось его мировоззрение. Говоря просто, Иванов потерял веру. «А писать без веры религиозные картины, — считал он, — это безнравственно, это грешно… Лучше остаться бедняком и не брать кисти в руки».
Мучимый такими вот чувствами, он в 1857 году решил больше не касаться картины, а отправить ее в Петербург такой, какой она к тому времени была.Русская публика приняла полотно холодно. «Затмение Христа народом», — язвительно переиначивали остряки его название.
Впрочем, император Александр II выразил желание приобрести картину за 10 000 рублей; кроме того, художнику было предложено 2 000 рублей ежегодной пенсии. Но переговоры прервала внезапная смерть Иванова: 3 июля 1858 года он скончался от холеры.
Могила А.А.
Иванова в Некрополе мастеров искусств
(Тихвинское кладбище Александро-Невской лавры, Санкт-Петербург)
Гроб с телом художника проводили в последний путь лишь горстка родственников и студентов-художников. Один из них задал риторический вопрос: «Что дала Россия Иванову?». Сам же ответил: «Могилу».
Зинаида Серебрякова. Автопортрет с дочерьми. Описание одной картины
Зинаида Евгеньевна Серебрякова (1884-1967) занимает в истории русской живописи совершенно особое место, как, впрочем, все выдающиеся русские художники, Айвазовский или Шишкин, Левитан или Коровин, Серов или Врубель.
Каждый из них ни на кого не похож.
Она выбрала свою дорогу, не подпадая под влияние ни мирискусников, ни других групп и направлений начала XX века, и – самое удивительное – не подпадая под общее умонастроение эпохи с мотивами декаданса.
Она родилась в имении своего отца Евгения Александровича Лансере, известного скульптора, а ее мать Екатерина Николаевна была из семьи Николая Леонтьевича Бенуа, известного архитектора, в доме которого она вновь поселилась с детьми после ранней смерти мужа. С 1898 года семья Лансере каждое лето, а иногда и зиму жила в имении Нескучном. Дети подросли, и им привольно жилось в деревне.
На другой стороне речки Муромки хутор, который принадлежал сестре Евгения Александровича, по мужу Серебряковой. В семнадцать лет, уже закончив гимназию в Петербурге, Зина Лансере писала из Нескучного домой: «Дорогая мамуля, как здесь чудно, как хорошо.
Вчера мы сорвали первую зацветшую ветку вишни и черемухи, а скоро весь сад будет белый и душистый; за эту ночь (шел теплый дождичек) весь сад оделся в зелень, все луга усеяны цветами, а поля ярко-зеленые, всходы чудесные.
По вечерам мы ходим слушать соловьев, которые заливаются в обоих садах».
Второй сад находился, видимо, у хутора, где рос ее кузен Борис Серебряков, за которого она вышла замуж в 1905 году.
Теперь она взрослая и уезжает в Париж с намерением получить более систематические навыки к рисованию, хотя с детства и постоянно только рисовала все, что привлекает ее внимание, – поля, крестьянок и т. п.
Муж – еще студент, но занятий нет из-за революционных событий, и он приезжает в Париж. Через полгода Зинаида Серебрякова возвращается в Россию – у нее вскоре родится сын, через год второй сын, в 1912 году дочь Татьяна, в 1913 году – дочь Екатерина.
Первое появление в VII выставке картин «Союза русских художников» автопортрета «За туалетом» в 1910 году производит фурор.
Александр Бенуа находит нужным не просто похвалить племянницу, которая росла вне его исканий, а выступить в печати: «Зинаида Серебрякова выставляется в первый раз… Ныне она одарила публику таким прекрасным даром, такой «улыбкой во весь рот», что нельзя не благодарить ее… Здесь полная непосредственность и простота: истинный художественный темперамент, что-то звонкое, молодое, смеющееся, солнечное и ясное, что-то абсолютно художественное…»
Следовало сказать, и было бы это точно: «что-то абсолютно классическое», то есть верность природе и женской природе во всей ее трепетной жизнерадостности, без изломов новейших приемов и исканий.
События революции обернулись утратой имения, а вскоре умер муж, и это случилось в Харькове, откуда Зинаида Евгеньевна с детьми возвращается в Петроград в 1920 году, и ей удается поселиться с детьми в доме деда Н. Л.
Бенуа, в квартире, в которой росла, с семьей Александра Бенуа, а поскольку нужно потесниться, первое время с хорошими знакомыми.
Это возвращение было устроено не без помощи новой власти, с которой сотрудничал Александр Бенуа; Серебряковой вообще было предложено место профессора в Академии художеств, но она, по характеру скромная и робкая, всецело занятая детьми и творчеством, так и не решилась.
В эти-то трудные годы она пишет постоянно детей своих, подрастающих мальчиков и еще совсем юных Тату и Катю, и «Автопортрет с дочерьми» (1921), и снова натюрморт «На кухне» с Катей, перебирающей яйца в корзине, на столе свекла с ботвой и рыба, и «Тата с овощами» (1923). И самое насущное превращается в предмет искусства. Но и праздники не исчезли. «Катя в голубом у елки» (1922), или «Тата в танцевальном костюме» (1924). И серия картин, связанная с миром театра.
«Автопортрет с дочерьми». Выписаны с легкостью, как по волшебству, только головы матери и двух девочек, прильнувших к ней, улучив момент, когда она в рабочей блузе с кистями в руках сделала паузу в работе, и они предстали на миг в зеркале.
Выписаны волосы, лица, глаза, руки – нельзя сказать тщательно, но гладко, с полным впечатлением живых лиц, как у старых мастеров, а одежда обозначена мазками и даже небрежно, как и фон, мол, пусть здесь будет, как ныне пишут, здесь неважно.
Девочкам 9 и 8 лет; они в «тельняшках», – вчера с платформы видел, как мимо старинного здания вокзала во Мге на велосипеде проехали две девочки, старшая вела, младшая сидела сзади на багажнике, она была в тельняшке, что делало ее, как ни странно, модно-нарядной.
Матери 37 лет, но лицо ее молодо, даже юно – под стать юным лицам, прильнувшим к ней, – вопреки всем невзгодам времени.
Жизнь такова, если моральная рефлексия не нарушает зрения художника, его миросозерцание, что станет отличительной чертой искусства в XX веке, всех модернистских и постмодернистских течений.
Зинаида Серебрякова не подпала под общие поветрия и изыски, поскольку с юности припала к первоисточникам – к природе, к деревне и к классике эпохи Возрождения.
После первых лет экспериментов в русле русского авангарда советское искусство повернулось к классике – к опыту великой русской литературы, мировой литературы и искусства.
Как ни удивительно, это был путь, на который вступила Зинаида Серебрякова изначально, еще до революции, путь, по которому пойдут новые поколения художников советской эпохи.
Достоинство и простота, веселость и скромность, что наглядно демонстрирует живопись Зинаиды Серебряковой, мы узнаем и в фильмах 30-50-х годов, и в советской песне.
Хотя Серебрякова уехала из России в 1924 году, думала ненадолго, путь обратно ей никогда не был закрыт, но она прожила еще целую жизнь в Париже, с постоянными поездками по странам Европы и в Африку, искусство ее не изменилось – в верности поэтической правде жизни.
В 1965 году персональные выставки Зинаиды Серебряковой прошли в Москве, Ленинграде и в Киеве.
Она писала из Парижа: «Не представляю себе, что из моих вещей может привлечь внимание публики в СССР? Так как, конечно, – сужу по здешней прессе и вкусам, – в моем искусстве нет ведь никакой оригинальности ни в сюжетах, ни в манере рисования и прочем…» Кроме естественной скромности, здесь сомнения связаны и с изменениями в советской живописи, особенно с новым поворотом к авангарду группы художников, активно поддержанных в «здешней прессе».
Ныне, в исторической перспективе, видно, живопись Зинаиды Серебряковой, явившись в начале XX века, вопреки общему умонастроению эпохи, классически ясной и жизнеутверждающей, обладала всеми основными чертами советского искусства в его развитии, что говорит об уникальной гениальности художника.
Эстетика Зинаиды Серебряковой – та же эстетика отрадного, черты которой мы видели в искусстве Серова, Левитана, Врубеля, сколь они ни различны, и у мирискусников, но у нее баснословно непосредственная, наивная, веселая и чистая. При этом близость к природе, к натуре и буквально к обнаженному женскому телу, что воплощает красоту, или что и есть любовь к красоте, прообраз рождения в красоте, когда женщина в ее наготе божественна, как сама Афродита.
Иван Константинович Айвазовский
Великий художник-маринист Иван Константинович Айвазовский родился 17 июля 1817 года в семье рыночного старосты и мастерицы-вышивальщицы.
До появления самого младшего сына в семье Константина и Рипсиме Айвазовских уже воспитывалось четверо отпрысков: три девочки и мальчик, названный Саргисом.
При крещении будущей знаменитости было дано имя Ованес, которое впоследствии приобрело славянский вариант Иван.
Дом, в котором родился Айвазовский
Детство художника
Первые годы жизни мальчика в солнечной Феодосии прошли радостно и беззаботно. Семья торговца считалась довольно зажиточной, и в детстве маленький Ваня не знал ни в чем отказа.
Счастье оборвалось внезапно: в 1812 году эпидемия чумы стала причиной разорения Константина. Теперь положение спасало мастерство матери семейства, производящей чудесные вышивки на заказ.
Может быть, искусство Рипсиме и сформировало художественный вкус и мастерство будущего художника?
Коренной житель портового города, Иван был без ума от моря. Морские пейзажи в любое время суток и при любой погоде просто завораживали мальчика. И немудрено, что, едва проснувшись, он мчался на берег, чтобы полюбоваться очередным шедевром природы.
Ведь море никогда не бывает одинаковым! Конечно, рука сама тянулась к хворостине, чтобы тут же, на песке запечатлеть чудесную картину. Через мгновение безжалостные волны слизывали набросок.
Но Ваня не унывал: его неуемная фантазия и естественная натура не знали предела.
Автопортрет. 1874 год.
Первые уроки художественного мастерства Иван получил от архитектора Якова Христиановича Коха. Познакомился юный Ованес с меценатом во время своей службы в греческой кофейне, куда его устроил отец.
Несмелые наброски десятилетнего мальчика заворожили Коха недюжинным талантом автора. Вскоре он представляет юное дарование градоначальнику Феодосии А. И.
Казначееву, ставшему впоследствии ярым поклонником произведений Ивана Константиновича Айвазовского.
С тех пор жизнь и судьба гения кардинально изменились: в 1831 году по ходатайству Казначеева, который к тому времени стал губернатором Тавриды, юноша зачислен в Таврическую гимназию, а в 1833 отправляется на учебу в Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге.
Здесь куратором Айвазовского стал профессор Максим Воробьев, который привил художнику тонкое понимание природы. Обожающий музыку, учитель был чрезвычайно обрадован тем фактом, что его ученик владеет игрой на скрипке.
Скрипка, по мнению Воробьева, как никакой другой музыкальный инструмент, владела невесомой связью с художественными полотнами.
Начало учебы
Воздух над морем. 1935 год.
Мастерскую индивидуальность Айвазовского формировали произведения европейских художников, которые без устали копировал юный Ованес. Именно срисовывание известных полотен и оттачивало мастерство Ивана.
Первый успех и серебряную медаль второго достоинства получил в 1835 году этюд художника «Воздух над морем».
Смелые мазки и необычная колористика картины очаровали зрителей и немного испугали маститых художников того времени: до Айвазовского еще никто не отображал такую концепцию моря. Впоследствии одаренность Айвазовского приобрела новых известных поклонников – А.С.
Пушкина, В.А. Жуковского, К.П. Брюллова, М.И. Глинки. Дружба с ними наложила большой отпечаток на развитие личности и таланта Ивана Константиновича.
В 1837 году состоялась первая презентация полотен Ивана Константиновича Айвазовского. На академической выставке было представлено шесть морских пейзажей, за которые молодой человек удостоился золотой медали первой степени.
К тому же, высшая оценка сулила художнику поездку на два года за границу с целью приобретения опыта. Однако, по причине малолетства Айвазовский был отправлен в Крым, где и продолжил самостоятельно оттачивать мастерство.
Натуры Ялты, Гурзуфа, Феодосии, Керчи были запечатлены в картинах навечно.
Цель похода – военная разведка. Цель художника – новые впечатления. Славные русские флотоводцы и будущие герои Севастополя М.П. Лазарев, В.А. Корнилов, П.С. Нахимов, В.Н. Истомин остались друзьями Айвазовского на долгие годы.
Их доблесть потрясла юношу. В свою очередь, Ованес привел в изумление опытных морских волков: при высадке десанта в Субаше он проявил смелость и отвагу как настоящий моряк.
Отвага Айвазовского была отмечена высшими чинами в Петербурге.
Поездка вместе с другими пансионерами в Рим сулила продолжение образования и усовершенствование в пейзажной живописи. Изучая произведения классического искусства в музеях Рима, Венеции, Флоренции и Неаполя, Ованес перенимает опыт великих мастеров. Посещение музеев европейских городов отложили неизгладимый отпечаток в сознании юного художника.
В Италии Айвазовский посещает своего брата Гарика, живущего в монастыре. Изучая история своего рода, старший брат узнал, что фамилия предков – Айвазян. В итоге братьями было принято решение убрать из своей фамилии букву «Г». С тех пор Ованес Гайвазовский (а именно так юноша подписывал свои полотна) стал Иваном Айвазовским. Случилось это в 1841 году на 24 году жизни мастера.
Итальянский период
Свои пятьдесят знаменитых пейзажей Иван Константинович Айвазовский написал, воодушевленный природой Италии. Выставки в Неаполе и Риме вызвали огромное внимание как со стороны критиков, так и со стороны простых зрителей. Достоверное изображение моря и воздуха вызывало настоящий ажиотаж.
Большую популярность приобрели картины, написаны в период 1841-1843 годов: «Вид на венецианскую лагуну», «Неаполитанский залив», «Побережье Амальфи», «Хаос. Сотворение мира.», «Неаполитанский залив в лунном свете», «Побережье. Штиль.» и другие. Успех полотен принесли автору европейскую славу.
В Италии Айвазовский работал и встречался со знаменитыми земляками, жившими в то время за границей: Н.В. Гоголем, художником А.А. Ивановым, профессором Академии художеств Петербурга Ф.И. Иордан. Оставили в душе мариниста и незабываемые встречи с английским коллегой Дж. Тернером.
Вид Амальфи. 1865 год.
В 1844 году автор произведений Иван Константинович Айвазовский возвращается на родину известным мастером и академиком Римской и Амстердамской Академии художеств. В России он сразу был назначен академиком пейзажной живописи Петербуржской Академии художеств.
Итогом полученного звания стал большой заказ от правительства – изобразить все русские военные порты в Балтийском море. Исполнение заказа послужило поводом причисления мастера к Главному морскому штабу. Звание живописца и право ношения адмиралтейского мундира стало приятным завершением Итальянского периода творчества.
Изображения морских баталий
Будучи свидетелем и активным участником военно-морских походов, маринист не мог обойти вниманием изображения батальных сцен. Среди известных картин на данную тему можно выделить «Кронштадский рейд», «Десант Н.Н. Раневского у Субаши», «Петр І при Красной Горке», «Морское сражение при Ревеле», «Наваринский бой» и многие другие.
Произведения Ивана Константиновича Айвазовского отображают доблесть российских моряков в разные исторические периоды.
Вдохновленный очередным подвигом или героической историей, автор тут же брался за кисть, и писал до тех пор, пока картина не приобретала величественное совершенство. Рассматривая батальные сцены, зритель как бы погружается в процесс завоевания очередной вершины.
Для достижения подобного эффекта не требуется 3D системы: мазки, красочная палитра и глубокое исполнение полностью поглощают созерцателя.
Библейские мотивы
Хождение по водам. 1890-е годы.
Будучи глубоко верующим, Айвазовский написал ряд полотен на библейскую тему. Одухотворенный Святым Писанием и рассказами своего брата-священнослужителя Гавриила, Иван Константинович олицетворял в своих картинах наиболее значимые священные моменты. Однако, на всех шедеврах присутствовала водная стихия – лейтмотив работ мастера.
Презентация Иваном Константиновичем Айвазовским сотворения мира величественно и незабываемо. Написанная в 1864 году картина представляет собой сплошной водно-небесный хаос. Полотно притягивает необъяснимой энергией. Перед картиной «Сотворение мира» можно стоять долго – и отойти, так и не поняв до конца ее мистической глубины.
Полотно «Всемирный потоп» иллюстрирует первую в мире глобальную катастрофу. Мертвые тела, низвергающиеся в бездну, навевают ужас и священный трепет. В такие моменты невольно задумываешься о смысле бренного бытия.
К библейским мотивам относятся также и картины «Сошествие Ноя с горы Арарат», «Переход евреев через Красное море», «Хождение по водам». И все полотна неразрывно связаны с водной стихией.
Пирамиды. 1895 год.
Не только море
Пейзажист-маринист Иван Константинович Айвазовский рисовал не только морские пейзажи. Красочны и необычны изображения художником видов дагестанского аула Гуниб, афинского Акрополя, большой пирамиды в Гизе, фонтана и дворца в Петергофе, Воробьевых гор в Москве.
Интересные решения иллюстраций украинских пейзажей отображены в шедеврах «Жатва на Украине», «Зимний вид в Малороссии», «Волы на берегу» и многие другие. Свободная душа мариниста не могла пройти мимо широких степных просторов, безграничности небесного приволья.
Чумаки на волах, мельницы находят сходство с далекими кораблями и скалами, а колыхающиеся от ветра душистые растения – с непокорными морскими волнами. Украинский период творчества живописца отмечен романтизмом и оптимистичным настроем.
Жены и дети
Иван Айвазовский, Юлия Гревс и их дочери. Слева направо: Елена, Александра, Мария, на коленях — Жанна.
За всю свою жизнь Иван Константинович Айвазовский был женат дважды. Первая супруга, дочь лейб-медика, простая гувернантка в доме богатой вдовы. До роковой встречи у 31-летнего мужчины не было никаких романтических отношений.
Неискушенный в любовных играх, художник влюбился в строгую девушку в закрытом платье. Две недели ухаживаний – и избранница проронила вожделенное «да». А в положенный срок через девять месяцев на свет появилась первая дочь Елена.
С первой женой мастер прожил 12 не совсем счастливых лет. Любительница светской жизни, Джулия не желала всю жизнь прозябать в скромной Феодосии. На 13 годе совместной жизни супруга, забрав четырех дочек – Елену, Александру, Марию и Жанну, уезжает в Одессу. Развод Айвазовский получил спустя долгие двадцать лет супружества.
Второй брак настиг живописца в преклонные 65 лет. Избранницей гения стала вдова купца из Феодосии Анна Саркизова. Примечательно, что супругов разделяла разница в 40 лет. Однако, это не помешало супругам прожить в мире и согласии до самого конца мариниста.
Взрыв турецкого корабля. 1900 год.
Последняя картина
На протяжении долгой жизни Иван Константинович Айвазовский создал более шести тысяч картин. Многие полотна он писал с натуры.
Но истинным мастерством художник считал умение творить шедевры по памяти. Именно по памяти была сотворена и последняя картина живописца «Взрыв корабля».
Художник задался целью еще раз пересмотреть легендарный подвиг греческого повстанца Канариса при взрыве корабля адмирала.
С самого утра 19 апреля 1900 года Айвазовский сел за работу. К вечеру полотно было почти готово. Наклоненный корабль, оторванные части мачт и рей свидетельствуют о только что прозвучавшем взрыве. Греческие повстанцы, спешно покидающие место происшествия, еле виднеются вдали.
Для большей достоверности оставалось наложить только несколько завершающих мазков. Уставший живописец решил перенести окончание картины на завтра.
Но шедевру суждено было остаться неоконченным: ночью сердце художника Главного морского штаба, адмирала Ивана Константиновича Айвазовского остановилось во сне.
Похоронен великий живописец в родной Феодосии во дворе армянской церкви святого Сергия. На саркофаге выгравирована символическая эпитафия: «Родившись смертным – оставил по себе бессмертную память».
Зинаида Серебрякова. Автопортрет с дочерьми. Описание одной картины
peter_kiele
Зинаида Евгеньевна Серебрякова (1884-1967) занимает в истории русской живописи совершенно особое место, как, впрочем, все выдающиеся русские художники, Айвазовский или Шишкин, Левитан или Коровин, Серов или Врубель.
Каждый из них ни на кого не похож. Она выбрала свою дорогу, не подпадая под влияние ни мирискусников, ни других групп и направлений начала XX века, и – самое удивительное – не подпадая под общее умонастроение эпохи с мотивами декаданса.
Она родилась в имении своего отца Евгения Александровича Лансере, известного скульптора, а ее мать Екатерина Николаевна была из семьи Николая Леонтьевича Бенуа, известного архитектора, в доме которого она вновь поселилась с детьми после ранней смерти мужа. С 1898 года семья Лансере каждое лето, а иногда и зиму жила в имении Нескучном.
Дети подросли, и им привольно жилось в деревне.На другой стороне речки Муромки хутор, который принадлежал сестре Евгения Александровича, по мужу Серебряковой. В семнадцать лет, уже закончив гимназию в Петербурге, Зина Лансере писала из Нескучного домой: «Дорогая мамуля, как здесь чудно, как хорошо.
Вчера мы сорвали первую зацветшую ветку вишни и черемухи, а скоро весь сад будет белый и душистый; за эту ночь (шел теплый дождичек) весь сад оделся в зелень, все луга усеяны цветами, а поля ярко-зеленые, всходы чудесные. По вечерам мы ходим слушать соловьев, которые заливаются в обоих садах».
Второй сад находился, видимо, у хутора, где рос ее кузен Борис Серебряков, за которого она вышла замуж в 1905 году. Теперь она взрослая и уезжает в Париж с намерением получить более систематические навыки к рисованию, хотя с детства и постоянно только рисовала все, что привлекает ее внимание, – поля, крестьянок и т.п.
Муж – еще студент, но занятий нет из-за революционных событий, и он приезжает в Париж. Через полгода Зинаида Серебрякова возвращается в Россию – у нее вскоре родится сын, через год второй сын, в 1912 году дочь Татьяна, в 1913 году – дочь Екатерина.
Первое появление в VII выставке картин «Союза русских художников» автопортрета «За туалетом» в 1910 году производит фурор. Александр Бенуа находит нужным не просто похвалить племянницу, которая росла вне его исканий, а выступить в печати: «Зинаида Серебрякова выставляется в первый раз…
Ныне она одарила публику таким прекрасным даром, такой «улыбкой во весь рот», что нельзя не благодарить ее… Здесь полная непосредственность и простота: истинный художественный темперамент, что-то звонкое, молодое, смеющееся, солнечное и ясное, что-то абсолютно художественное…
»Следовало сказать, и было бы это точно: «что-то абсолютно классическое», то есть верность природе и женской природе во всей ее трепетной жизнерадостности, без изломов новейших приемов и исканий.
События революции обернулись утратой имения, а вскоре умер муж, и это случилось в Харькове, откуда Зинаида Евгеньевна с детьми возвращается в Петроград в 1920 году, и ей удается поселиться с детьми в доме деда Н.Л.Бенуа, в квартире, в которой росла, с семьей Александра Бенуа, а поскольку нужно потесниться, первое время с хорошими знакомыми. Это возвращение было устроено не без помощи новой власти, с которой сотрудничал Александр Бенуа; Серебряковой вообще было предложено место профессора в Академии художеств, но она, по характеру скромная и робкая, всецело занятая детьми и творчеством, так и не решилась.
В эти-то трудные годы она пишет постоянно детей своих, подрастающих мальчиков и еще совсем юных Тату и Катю, и «Автопортрет с дочерьми» (1921), и снова натюрморт «На кухне» с Катей, перебирающей яйца в корзине, на столе свекла с ботвой и рыба, и «Тата с овощами» (1923). И самое насущное превращается в предмет искусства.
Но и праздники не исчезли. «Катя в голубом у елки» (1922), или «Тата в танцевальном костюме» (1924). И серия картин, связанная с миром театра.«Автопортрет с дочерьми».
Выписаны с легкостью, как по волшебству, только головы матери и двух девочек, прильнувших к ней, улучив момент, когда она в рабочей блузе с кистями в руках сделала паузу в работе, и они предстали на миг в зеркале.
Выписаны волосы, лица, глаза, руки – нельзя сказать тщательно, но гладко, с полным впечатлением живых лиц, как у старых мастеров, а одежда обозначена мазками и даже небрежно, как и фон, мол, пусть здесь будет, как ныне пишут, здесь неважно.
Девочкам 9 и 8 лет; они в «тельняшках», – вчера с платформы видел, как мимо старинного здания вокзала во Мге на велосипеде проехали две девочки, старшая вела, младшая сидела сзади на багажнике, она была в тельняшке, что делало ее, как ни странно, модно-нарядной.
Матери 37 лет, но лицо ее молодо, даже юно – под стать юным лицам, прильнувшим к ней, – вопреки всем невзгодам времени. Жизнь такова, если моральная рефлексия не нарушает зрения художника, его миросозерцание, что станет отличительной чертой искусства в XX веке, всех модернистских и постмодернистских течений.
Зинаида Серебрякова не подпала под общие поветрия и изыски, поскольку с юности припала к первоисточникам – к природе, к деревне и к классике эпохи Возрождения. После первых лет экспериментов в русле русского авангарда советское искусство повернулось к классике – к опыту великой русской литературы, мировой литературы и искусства. Как ни удивительно, это был путь, на который вступила Зинаида Серебрякова изначально, еще до революции, путь, по которому пойдут новые поколения художников советской эпохи.
Достоинство и простота, веселость и скромность, что наглядно демонстрирует живопись Зинаиды Серебряковой, мы узнаем и в фильмах 30-50-х годов, и в советской песне.
Хотя Серебрякова уехала из России в 1924 году, думала ненадолго, путь обратно ей никогда не был закрыт, но она прожила еще целую жизнь в Париже, с постоянными поездками по странам Европы и в Африку, искусство ее не изменилось – в верности поэтической правде жизни.
В 1965 году персональные выставки Зинаиды Серебряковой прошли в Москве, Ленинграде и в Киеве.
Она писала из Парижа: «Не представляю себе, что из моих вещей может привлечь внимание публики в СССР? Так как, конечно, – сужу по здешней прессе и вкусам, – в моем искусстве нет ведь никакой оригинальности ни в сюжетах, ни в манере рисования и прочем…
» Кроме естественной скромности, здесь сомнения связаны и с изменениями в советской живописи, особенно с новым поворотом к авангарду группы художников, активно поддержанных в «здешней прессе».
Ныне, в исторической перспективе, видно, живопись Зинаиды Серебряковой, явившись в начале XX века, вопреки общему умонастроению эпохи, классически ясной и жизнеутверждающей, обладала всеми основными чертами советского искусства в его развитии, что говорит об уникальной гениальности художника.
Сочинение по картине Брюллова Автопортрет
С картины на зрителя смотрит мужчина лет 48. Смотрит пронзительно, как будто тебе в душу заглядывает, видит тебя насквозь.
В глазах его стоит печаль, белки глаз немного красноваты, а их роговица блестит тусклым светом, это создает впечатление, что человек вот-вот заплачет, но он держится, оставляя слезы внутри.
Веки глаз немного припущены, брови и лоб нахмурен, но не злобно, а в серьезной задумчивости. Видны мешки под глазами, такие, которые обычно возникают у людей при болезнях почек и проблемах с водным обменом в организме.
У автора портрета красивый ровный нос, высокий умный лоб, на худых, впалых щеках виднеется небольшой румянец.
Губы человека находятся в полуоткрытом состоянии, но не так, когда человек хочет что-то сказать, а когда он глубоко задумался, или быть может, у него проблемы с дыханием.
Нижняя челюсть выдвинута вперед, что говорит о том, что человек находится в настроении сражения с чем-то, преодоления каких-то трудностей.
Волосы у человека волнистые и длинные, они не уложены аккуратно и выглядят так, как будто их давно не мыли, а потому они стоят густой копной, как будто дыбом.
Это придает человеку вид некоторой небрежности и не ухоженности, но в то же время это делает мужчину каким-то необычным и от этого привлекательным.
По картине видно, что за своим усам и бороде мужчина уделял гораздо больше внимания, чем волосам на голове, поэтому они выглядят ухоженными и делают его похожим на одного из храбрых и отважных мушкетеров или рыцарей.
Автор облокотился на ручку кожаного, почти красного кресла и мы можем разглядеть его красивую руку, худую, с длинными пальцами и крупными, выделяющимися через тонкую кожу венами.
Нельзя не обратить внимания на ногти человека, они выглядят красивыми, чистыми ухоженными.
По ним можно сказать, что этот человек никогда не занимался тяжелым физическим трудом, но общий вид художника говорит о его большом уме и неординарности.
По данной картине легко можно понять, что человек этот болеет и находится в состоянии глубокой печали. Эта картина манит к себе, призывает зрителя погрузиться в те раздумья, в которые погружен автор, смотрящий на нас с полотна этого произведения искусства.
Описание 2
Карл Павлович Брюллов – выдающийся русский художник, автор многих замечательных портретов, с раннего детства был очень болезненным ребенком. Несмотря на это, он с помощью отца, обучался живописи, осваивал навыки необходимые для рисования.
По увещеваниям врачей живописец продолжительное время был прикован к постели. В четырех стенах вынужден был обитать Брюллов, и никому не разрешали нарушать его покой.
Однажды, в яркий весенний день, когда на улице всё оживает, веет приятным, теплым ветром, недуг, так долго мучивший Карла Брюллова покинул его. Живописец немедленно потребовал мольберт и краски, получив последнее, он воодушевленно принялся творить свой портрет. Современники говорят что сотворил портрет художник всего за каких-то пару часов. Картина словно подводится итог жизни Брюллова.
Долго сдерживаемый творческий потенциал во всей красе отразился в портрете. Было передано состояние сильнейшего вдохновения, видна вся красота, недюжинные способности, так долго ждавшие своего проявления.
На картине художник сидя, опирается рукой на кушетку из красной ткани.
Красный цвет тут не случайно, он являлся любимым цветом художника, помимо этого благодаря цвету создается некий контраст, между стареющим и увядающим стариком, и полным энергии красным цветом, символизирующем яркие краски жизни.
На картине мы видим грустные глаза выражающее утомление, кричащие об усталости и страданиях. Невообразимая печаль отражается в умных глазах художника. Волосы кудрявые и взъерошенные. Болезненное, восково-бледное лицо, истощенная рука в бессилии лежащая на кушетке, напряженные, утомленные веки – детали, ярко характеризующие Брюллова в тот период.
Прожил талантливый живописец всего полстолетия. Этот портрет, который по праву можно назвать вершиной его творчества – завершение его жизни, сравниваемой со свечой, которая угасла в 1952 году.
Описание настроения картины Автопортрет
Популярные сегодня темы
- Поленов
Родители художника были очень образованными людьми, они много занимались со своими детьми, особенно мать. К живописи тяга у Василия Поленова была с раннего детства.
- Сочинение по картине Левитана Владимирка описание
Художественное творение живописца посвящено пути, по которому двигались на каторжные работы в Сибирь приговоренные к наказанию.
- Сочинение по картине За чаепитием Морозова (Коваленко) 8 класс
На картине мы можем узреть сцену чаепития, которая очень четко демонстрирует нам, весь русский дух и его культуру. Все детали на картине, повествуют нам, что-то безграничное, и доброе
- Сочинение по картине Первая зелень Никонова 7 класс
Первая зелень – очень красивая картина известного во всём мире художника Никонова Владимира Глебовича. Эта картина как – будто веет свежестью, весной
- Сочинение по картине Письмо дедушке Поповича 5 класс
На картине озорной мальчуган сидит перед портретом старого и уважаемого мужчины в котелке. Рядом с мальчуганом уселся не менее озорной рыжий кот, хитро поглядывающий на хозяина.
