Описание картины пабло пикассо «дружба»

Анализ картины П.Пикассо «Дружба»

Анализ картины П.Пикассо  «Дружба»

Картина Пабло Пикассо  «Дружба» была написана весной 1908 года. Её написанию  предшествовал целый ряд больших  и маленьких этюдов. Наряду с такими работами, как «Фермерша», «Дриада», «Три женщины», «Две обнаженные фигуры» она была создана в период формирования стиля абстрактный кубизм.

Даже если более конкретно, стилистика «Дружбы» характерна для первого периода абстрактного кубизма, который иногда называют «сезанновским» кубизмом, иногда – африканским, из-за явного влияния на поиски Пикассо нового художественного языка  африканской и полинезийской скульптуры.

  Для стиля абстрактного кубизма более позднего периода творчества Пикассо характерно разложение формы цельного предмета на мелкие разнородные детали. Вспомним портрет Амбруаза Воллара, в котором именно цвет подчеркивает объемы и изображаемый объект, словно бы, выплывает из смешения граней. Несколько иная манера в картине «Дружба».

Грубоватые, упрощенные, скульптурные и четко выписанные фигуры ясно выделяются на более темном фоне картины.

Сейчас полотно «Дружба» Пикассо  хранится в Эрмитаже. В России она  оказалась, благодаря купцу Щукину, известному поклоннику  и коллекционеру  модернистского искусства. Это полотно  было одним из пятидесяти картин Пабло  Пикассо, которые Щукин приобрел в Париже.

Щукин часто  приезжал в Париж с целью приобретения новых картин. В конце концов, его усилия коллекционера привели  к воплощению в жизнь великолепной идеи. В 1914 году Щукин создал в Москве картинную галерею, в которой хранилась лучшая в Европе коллекция современной французской живописи.

В его собрании картин были прекрасные  образцы творчества Ван Гога, Моне, Тулуз-Лотрека, Дега, Гогена. Щукин был знаком с Матиссом, приобретал у него множество картин. С работами Пикассо, да и с самим художником  Щукина познакомил  именно Матисс.

Со времени своего знакомства с Пикассо и до вскоре разгоревшейся мировой войны Щукин часто посещал мастерскую Пикассо, следил за эволюцией его творчества, приобретал полотна художника.

Щукин был не только коллекционером и любителем живописи, он был авторитетным знатоком и ценителем творчества  художников и, кстати, считал Пикассо и Матисса наиболее выдающимися художниками начала ХХ века. Так что любоваться полотном Пикассо «Дружба» в Эрмитаже мы можем, благодаря усилиям и Матисса, и Щукина.

Картина «Дружба» представляет собой  композицию из двух обнаженных женских  фигур. Теплые, насыщенные тона картины  словно бы хранят аромат земли. Цветовая гамма полотна очень характерна для «африканского периода» Пикассо: коричневые, терракотовые, золотистые, грязно-зеленые тона.

  Женские фигуры угловаты, скульптурны, массивны, кажется, что они сложены из деревянных блоков. Как и многие картины Пикассо периода абстрактного кубизма, женские фигуры напоминают одновременно и негритянскую скульптуру, и полинезийское, и иберийское искусство.

Они мощны и естественны, как сама Земля, лишены всего привнесенного цивилизацией, просты и безыскусственны и кажутся воплощением варварской силы. Человеческие формы тела сведены к простым геометрическим формам, что также типично для абстрактного кубизма. Абстракция и упрощение форм доводятся до предела.

Фигуры не разделены на несколько планов,  а сведены к основным геометрическим формам, подчеркнутым густыми тенями. Ритм композиции построен на контрасте углов и округлых линий. Известно, что в этот период творчества Пикассо особенно интересовал ритм композиции картины. И мы в полотне «Дружба» явно ощущаем ритм линий, форм, цвета.

Например, стоит обратить внимание: при взгляде на картину глаз зрителя движется от более темного правого верхнего угла  полотна, до более светлого – переброшенной через руку светлой ткани в левом нижнем углу полотна.

Явно чувствуется состояние доверия, отсутствия напряжения, даже расслабленности у двух фигур, плоскости которых словно бы входят друг в друга. Пикассо отказался от изображения геометрической перспективы, пространственные планы на этом полотне смещены и создается впечатление, что они проникают друг в друга.

Анализ произведения с положительной  точки зрения.

Начало ХХ века, когда и формировался кубизм, было временем научных открытий, изменивших привычную картину мира, временем начала индустриальной эпохи, изменившей образ жизни и временем, когда наиболее тонкие художественные натуры предчувствовали грядущие потрясения, несмотря на внешнюю безмятежность и благополучие общества.

Каноны и традиции изобразительного искусства, созданные в эпоху Возрождения были подвергнуты сомнению.

Прежде всего, следствием изменившейся картины мира был вопрос, который ставили перед собой далеко не только художники, а и многие мыслители: воспринимаем ли мы мир таким, каков он есть на самом деле? Или человечество воспринимает всего лишь иллюзию, интерпретацию окружающего, созданного мозгом на основе далеко не самых точных данных органов восприятия? В таком случае, цель живописи, отразить не предметный мир, а суть мира, при помощи цвета, линий, формы. Так полагали абстракционисты. В основе же художественных экспериментов кубистов лежало стремление постигнуть и изобразить суть окружающего предметного мира, преодолев чувственную видимость. Именно поэтому в живописи у художников-кубистов концепция важнее, чем зрительное восприятие мира, а математическая интуиция – внешней очевидности. У кубистов было свое философское обоснование особенностей стиля, и в их философских спорах активное участие принимал математик Прансе.

Кубисты изображали мир не таким, каким  они его видят, а таким, каким  они его знают. Они полагали, что  настоящий мир – это мир  чистых геометрических форм. Его необходимо постигать умом, а не воспринимать глазом, поскольку то, что мы видим – это искаженное нашим воображением отклонение от чистой формы.

Какой смысл изображать так называемый «реальный мир», гораздо более  интересная и  достойная задача для  настоящего творца передать свои идеи, мысли, ощущения при помощи средств живописи. Ведь функцию  отображения реальности в начале ХХ века взяла на себя  недавно изобретенная фотография.  На мой взгляд, это очень интересная и достойная одобрения позиция.

 Рассматривая с таких позиций  картину Пикассо «Дружба» мы находим в ней множество достоинств. Обращение к первобытным, природным, естественным образам африканского, полинезийского, иберийского искусства было своего рода антитезой изломанному, полному фальши и условностей цивилизованному миру. Пикассо пытался вернуться к истокам мира.

Полотно выделяется  особой геометричностью и монументальностью изображения. Заложенная здесь художником созидательная энергия передается зрителю, приобщая его к акту творения. В пластическом и цветовом строе картины есть отзвуки негритянского искусства, под знаком которого проходит в это время все творчество Пикассо.

Образы художника заставляют вспомнить африканских идолов, полных магической и устрашающей жизненной силы. Пикассо подчеркивает монументальную устойчивость женских фигур. Это не просто женщины, это архетипические образы, олицетворяющие стихию Земли. В этой работе есть атмосфера особой гармонии, спокойствия, доверия и безмятежности.

А что как не спокойное доверие может служить основой для дружбы? Интересно обратить внимание на черты лица женщин.

Тяжелая линия носа, пересекающая щеку и соприкасающаяся с линией губ, полузакрытые глаза, по утверждению критиков, такая манера писать лица происходят от масок, привезенных с Берега Слоновой Кости (теперь Кот-д'Ивуар).

Даже в несколько раздражающей европейский взгляд  необычности  картины есть свои положительные  моменты: полезно посмотреть на окружающий мир с непривычной точки зрения, это способствует развитию креативного  мышления.  

Анализ произведения с отрицательной точки зрения.

В основе мира лежит гармония и  красота. Причем, это вполне объективные  понятия. Все, что кажется мертвым, дисгармоничным, безобразным, словно бы разъединенным на иллюзорные составные  части не может быть ни гармоничным, ни прекрасным.

Человечество не для того прошло длительный путь развития морали, нравственности, духовности, развития и совершенствования искусства, чтобы вернуться к грубому и примитивному первобытному искусству. Н.

Бердяев видел в живописи кубистов  явные признаки глубокого кризиса общества, он писал «Кризис живописи ведет к выходу из физической, материальной плоти в иной, высший план». А Плеханов высказывался гораздо более категорично, называя кубизм «кризисом безобразия».

Кстати, неплохо бы вспомнить, что знаменитые «Авиньонские девицы» были задуманы, как смешная пародия на вывеску дома терпимости.

С этой точки зрения полотно «Дружба» просто неуклюжее изображения двух грубых фигур, в которых трудно угадать, женские  они или мужские. Грязные  оттенки коричневатых тонов могут только спровоцировать депрессию у зрителей.

Вывод:

Вольтер сказал: «Я могу быть не согласен с вашим мнением, но я отдам жизнь за ваше право высказывать его».

Я не буду столь категоричной, в смысле самопожертвования, но думаю, что чем больше самых разнообразных стилей живописи и вообще искусства, тем богаче человечество.

Свобода самовыражения в искусстве – вещь необходимая, а мнения о произведениях искусства могут быть разными, что ни в коей мере не должно препятствовать творчеству художников.

Портреты Пабло Пикасссо

Автопортрет, 1896
Автопортрет, 1906
Автопортрет, 1907

Автопортрет, 1938
Автопортрет, 1972
Дали, Портрет Пикассо

Руис Пабло Пикàссо (Picasso), (1881-1973), французский живописец. По происхождению испанец. Пикассо — изобретатель новых форм живописи, новатор стилей и методов, и один из наиболее плодовитых художников в истории. Он создал более чем 20 тысяч работ.

Пабло Пикассо — не просто один из самых известных художников XX столетия. В его творчестве, как в зеркале, отразились почти все тенденции искусства новейшего времени.
Пикассо родился 25 октября 1881 года на юге Испании, в Малаге.

Его отец, Хосе Руис,происходил из старинного, но обедневшего рода, был учителем рисования и одновре­менно исполнял декоративные росписи интерьеров. Пикассо — фамилия матери, которая происходила из Италии, возможно, у нее были цыганские или иудейские корни.Первым, кто начал учить Пабло рисовать, был отец.

Из первых работ Пикассо сохранились портреты отца, на которых он похож на Дон Кихота. С самого детства, как и все испанцы, Пикассо ходил смотреть тавромахию (бой быков). Яркий, выразительный образ корриды в будущем не раз появлялся в его произведениях, как и в произведениях других всемирно известных испанцев — Гойи, Хемингуэя.

Гений Пикассо обнаружил себя рано: в возрасте 10 лет он написал свои первые картины, а в 15 блестяще сдал приемный экзамен в барселонскую Школу Изящных Искусств (за день нарисовав обнаженного натурщика; это было задание, на которое отводился месяц). Пикассо совершил три поездки в Париж и обосновался там в 1904 году.

Стили французских художников-импрессионистов, особенно Дега и Тулуз-Лотрека оказали влияние на формирование творческой манеры Пикассо в этот период.

«Синяя Комната» Пикассо отражает влияние этих художников и показывает эволюцию творчества Пикассо в «голубой период», который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение нескольких лет. Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко.

Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали. Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен». Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску.

Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых и прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона.

После произведений «голубого периода», картины «розового периода» представляют мир циркачей и бродяг («Семья акробатов с обезьяной», «Девочка на шаре», «Семейство комедиантов»). В «розовых» работах Пикассо чаще изображает не просто одного или двух людей, а целые семьи, людей, связанных не только кровными, но и духовными узами.

Кубизм. В 1907 году Пикассо создает большое панно «Авиньонские девицы», персонажи которого, девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон, предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. В произведении сочетаются разные стилистические манеры: розовые фигуры персонажей геометризированы, лики отдельных из них написаны в штриховой манере, имитирующей приемы африканских скульпторов. «Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам. Вкус к резкой, разрушительной деформации оказался знаменем нового века.В 1907-1914 годах Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком, что не всегда возможно установить его вклад на разных этапах кубистической революции. После периода сезаннизма, он уделяет внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве. Перспектива исчезает, картины Пикассо зачастую сводятся к ребусам. Появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Художник использует кубистические приемы до 1923 года («Женщины, бегущие по берегу»). «Портрет Амбруаза Воллара» (владельца галереи, коллекционера) выполнен в формах аналитического кубизма. Портрет был приобретен И. А. Морозовым в 1913 году у самого Воллара.

Женитьба Пикассо на балерине Ольге Хохловой, успех художника в обществе — все это объясняет этот возврат к фигуративности, при этом Пикассо продолжает писать и кубистические натюрморты.

Наряду с циклом великанш и купальщиц, многочисленные портреты жены и сына Поля являют собой одни из самых пленительных произведений, написанных художником.
Контакты с сюрреализмом. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Мы попадаем в атмосферу конвульсий и истерии, в ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, создавало монстров, неких разорванных на части существ, раздутых до абсурда и бесформенных или воплощающих агрессивно-эротические образы.
Гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия и Аристофану свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Тема быков возникла в творчестве Пикассо во время двух поездок в Испанию: образ Минотавра возникает в красивой серии гравюр, исполненных в 1935 году («Минотавромахия»). Образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет тему картины «Герника», самого знаменитого его произведения, которое он пишет вскоре после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, страх перед войной и фашизмом, художник не выражал прямо, но придавал своим картинам тревожную тональность и мрачность. Картина «Бойня» — последнее трагическое произведение Пикассо.Осенью 1944 года он вступает в коммунистическую партию. Голубь, который стал символом движения за мир (изображен на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже), — наиболее действенное проявление политических убеждений художника. Кроме того, эта работа способствовала тому, что Пикассо стал легендарной, всемирно известной личностью.

Послевоенное творчество Пикассо можно назвать счастливым; он сближается с молодой Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 году и которая подарит ему еще двоих детей, дав таким образом темы для его многочисленных семейных картин, мощных и очаровательных. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря.

Произведения, созданные в 1945-1953 годах, среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой идиллии и возвращением античных настроений. Франсуаз Жилло на протяжении десяти лет была женой Пикассо и потом написала книгу «Жизнь с Пикассо». В 1955 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся.

Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, который эхом отдается в его произведениях.

В 1956 году он встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 году станет его женой и вдохновит его на серию очень красивых портретов. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству.
Пикассо умер на своей вилле Notre-Dame-de-Vie восьмого апреля 1973 года.

Картины Пабло Пикассо на мифологические сюжеты:

Минотавр и его жена, 1937
Минотавр, 1934

Три грации, 1925
Умирающий Минотавр, 1936

Дриада, 1908
Волынка Пана, 1923

Другие картины Пабло Пикассо:

Менины, 1957,Музей Пикассо, Барселона

Первое причастие, 1895,Музей Пикассо, Барселона
Танец с вуалью, 1907,Эрмитаж, Санкт-Петербург

Акробат и юныйАрлекин,1905
Арлекин, 1901,Метрополитен,Нью-Йорк

Трагедия, 1903, Национальнаягалерея, Вашингтон
Жизнь, 1903

Девочка на шаре,1905, ГМИИ, Москва
Дама с веером, 1905,Национальная галерея, Вашингтон

Пьеро, 1918, Музейсовременного искусства, Нью-Йорк
Дружба, 1908,Эрмитаж, Санкт-Петербург

Натюрморт с цветами, 1908,Эрмитаж, Санкт-Петербург
Стол в кафе, 1912,Эрмитаж, Санкт-Петербург

Скрипка, 1912,ГМИИ, Москва
Скрипка и гитара, 1913,Эрмитаж, Санкт-Петербург

Похищение сабинянок, 1962

Минотавр, 1958

Три грации, 1908

Наука и милосердие, 1897,
Музей Пикассо, Барселона

Любительница абсента, 1901,Эрмитаж, Санкт-Петербург

Арлекин, 1915, Музейсовременного искусства,Нью-Йорк

Нищий старик с мальчиком,1903, ГМИИ, Москва

Дама с веером, 1909,ГМИИ, Москва

Портрет Фернарды, 1909

Натюрморт, 1908,Эрмитаж, Санкт-Петербург

Инструменты, 1912,Эрмитаж, Санкт-Петербург

Летом 1912 года Пикассо создает серию изображений музыкальных инструментов. В его творчестве происходят значительные перемены, которые приведут художника к следующему этапу кубизма — синтетическому кубизму. В музыкальных натюрмортах Пикассо заметно влияние Поля Сезанна.

Художник разлагает музыкальные инструменты на отдельные составляющие элементы, показывает их зрителю одновременно с разных точек зрения. По замыслу автора, зритель сам должен проделать определенную аналитическую работу по воссозданию образа музыкального инструмента.

Среди самых красивых ранних натюрмортов художника — небольшая овальная картина «Музыкальные инструменты». Ее декоративная форма, популярная во французском искусстве XVII и XVIII веков, обладает внутренней гармонией, которая придает ей еще большее изящество.

В натюрморте Пикассо использует музыкальную метафору, согласно которой струнные инструменты являлись символом совершенства искусства. Кубистические формы натюрморта напоминают мандолину, лютню или гитару. Несомненно, что это живописная игра пародирует скучный диспут итальянских академиков о том, какое из искусств самое лучшее.

Пикассо словно расширяет параметры этого спора. Живопись Пикассо как будто приобретает качества музыки.

Художник стремится и к передаче фактуры дерева, из которого сделаны эти музыкальные инструменты. Отсюда пролегал прямой путь к искусству коллажа, широко используемого Пикассо в последующие периоды творчества.

Мать и дитя, 1921
Чтение письма, 1921,Музей Пикассо, Париж

Купальщицы, 1918,Музей Пикассо, Париж
Три тацовщицы, 1919

Сидящий Арлекин,1923
Классическая голова, 1923,Национальная галерея, Вашингтон

Портрет Ольги Хохловой(первой жены Пикассо), 1923,Национальная галерея, Вашингтон
Портрет Ольги Хохловой(первой жены Пикассо), 1923

Портрет Поля (сына Пикассо)в костюме Арлекина, 1924
Портрет Поля(сына Пикассо), 1923

Девочка передзеркалом, 1932
Портрет Марии-ТерезыВальтер, 1937

Обнаженная в кресле, 1932
Портрет девушки, 1938

Портрет Майи (дочериПикассо) с куклой, 1938,Музей Пикассо, Париж
Портрет Франсуазы, 1946,Музей Пикассо, Париж

Портрет Клода и Паломы(детей Пикассо), 1950
Портрет Клода(сына Пикассо), 1948

Эль Бобо
Портрет Жаклин Рокю

Эскиз занавеса, 1917

Juan-les-Pins, 1920

Поцелуй, 1969, Музей Пикассо, Париж

Влюбленные, 1923,Национальная галерея, Вашингтон

Торреро, 1919

Портрет матери Пикассо,1923

Портрет Ольги Хохловой(первой жены Пикассо)в кресле, 1917

Портрет Поля (сына Пикассо)в костюме Пьеро, 1925

Портрет Марии-ТерезыВальтер, 1937

Портрет девушки, 1938

Портрет Франсуазы,Клода и Паломы, 1951

Портрет Паломы(дочери Пикассо), 1956

Портрет Жаклин Рокю

Спящие крестьяне, 1919

Бегущие по берегу женщины, 1922

Герника, 1937, Прадо, Мадрид

Почти всю свою жизнь прожив во Франции, Пабло Пикассо всегда оставался испанцем. Именно кровная связь со своей родиной — Испанией — дала ему возможность так остро почувствовать и так убедительно, яростно передать на полотне весь ужас трагедии 26 апреля 1937 года, когда в одну ночь фашисты уничтожили город Гернику в Стране Басков.

В 1936 году Народный фронт дал Стране Басков автономию. Пришедший к власти Франко отменил ее. Город, в котором сохранились уникальные памятники старины, истории, город с двумя тысячами жителей в одну ночь был превращен в руины…

Именно трагедия Герники стала темой грандиозного панно для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже, которое заказало Пикассо республиканское правительство. Панно размером 3,5 метра в высоту и около 8 метров в длину художник исполнил за невероятно короткий срок — меньше чем за месяц.

В начале июня панно, выставленное в Париже, получило мировую славу.«Герника» — это Апокалипсис XX века, в страшных сумерках которого высвечивается растерзанная лошадь, поверженный всадник, бык, мать с убитым ребенком и женщина, которая держит в руке светильник.

Это не только констатация страшной трагедии, но и предчувствие новых, которые принесет Вторая мировая война. Панно вытянуто в длину и построено как триптих. В центре его треугольник, вершиной которого является светильник. Композиция точна по архитектонике, которая на наших глазах рушится, превращается в ничто, в хаос.

Вместо солнца Пикассо изобразил электрическую лампочку. А полнозвучие земных красок заменил строгой гаммой черного, серого и белого. Образы «Герники» напоминают вневременные фантомы, галлюцинации. Это сгусток боли и страданий.

Пикассо, который досконально знал принципы изобразительных систем, использовал в «Гернике» и элементы линейной перспективы, и принятые в кубизме наложения прозрачных плоскостей, и расчлененность объемов, которую любили сюрреалисты.

«Герника» — пророческая картина, но в ней есть не только предчувствие страшных катастроф, но и светоч веры. Глядя на это панно, вспоминаются слова Поля Элюара: «Отчаяние раздувает огонь надежды».

Портрет Амбруаза Валлора, 1910, ГМИИ, Москва/ (Амбруаз Воллар — владелец галереи, коллекционер, знаток искусства,
друг художников. Портрет выполнен в формах аналитического кубизма и был приобретен И. А. Морозовым в 1913 году у самого Воллара.)

Скажи мне, кто твой друг, и я скажу тебе, кто ты: Пабло Пикассо

В жизни великого художника ХХ века Пабло Пикассо было все, что принято считать “замашками” настоящего гения: много женщин, друзей, хаос, беспорядок, стремление к свободе, депрессии. Как и все его современники, Пикассо стремился попасть в Париж. Мечта сбылась в 1900 году, в возрасте 19 лет.

 Это была его первая поездка за границу. Художник быстро вошел в круг авангардистов и был бесконечно очарован городом.

Через четыре года Пикассо окончательно обосновался в Париже и хранил дружбу до конца своих дней с такими великими творцами как Макс Жакоб, Гийом Аполлинер, Жан Кокто, Жорж Брак, Гертруда Стайн и другие.

Пикассо переехал в Париж вместе со своим давним другом-поэтом Карлосом Касагемасом. В культурной столице художник открывает для себя всю прелесть голубого цвета, которым можно обозначить первый этап в творчестве Пикассо. На его восприятие живописи влияет не только маленькая мастерская с голубыми стенами на улице Клиши, 130, но и самоубийство его лучшего друга Касагемаса.

Когда художник переехал во Францию, он практически не знал французского языка. Знакомство с Максом Жакобом не было случайностью. Французский поэт стал его наставником и другом всей  жизни. «Что касается Пикассо и меня, то мы до утра разговаривали на языке символов» — писал Жакоб позднее.

Но Пикассо быстро обучался и вскоре умел абсолютно свободно выражать свои мысли на французском.

Смерть Касагемаса, 1901 г.

Долгое время Макс Жакоб был сожителем мастера живописи. Бедность товарищей в этот период достигает невероятной степени, они делят комнату и спят по очереди. Писатель – ночью, а Пикассо – днем. «Мы оба были потерянными детьми…» — говорил Макс Жакоб.

Среди людей, которые оказали поддержку подающему надежды художнику, была американская писательница Гертруда Стайн.

В своих воспоминаниях о его творчестве она пишет: «Грандиозность XX века принадлежит только ему одному, а Пикассо принадлежит XX веку, он обладает странным свойством видеть землю такой, какой ее никто не видел, а разрушенные вещи такими, словно их никто не разрушал.

Значит, Пикассо грандиозен… Но не нужно забывать, что реальность двадцатого века отличалась от реальности века девятнадцатого. Пикассо был единственным художником, почувствовавшим это, в самом деле, единственным… Матисс и остальные смотрели на двадцатый век, а видели то, что было в девятнадцатом».

В 1908 году, Пикассо знакомится с живописцем Жоржем Браком, который позже описывает  их дружбу как «связку альпинистов, поднимающихся в горы».

Художники вместе писали картины и изобретали новое направление в искусстве, которое позже  получило название «аналитический кубизм».

Друзья настолько дорожили друг другом, что часто не подписывали картины, отрицая таким образом индивидуальный вклад как отдельных личностей.

Судьбоносной встречей стало знакомство Пикассо с французским драматургом Жаном Кокто, который восхищался творчеством художника: «Во фразе «Картины Пикассо – это мазня» – о Пикассо не сказано ничего, зато о говорящем – все». Кокто сотрудничает с Сергеем Дягилевым – директором труппы русского балета.

В 1916 году творческий тандем посвящает художника в свои планы и заказывает у него декорации для постановки «Парад» и эскизы к костюмам. Увлеченность работой влияет также на его дальнейшее творчество. На смену кубизму приходят модернистские тенденции.

Художник пишет классические портреты, на которые его вдохновляет Ольга Хохлова – русская балерина из труппы Дягилева. Жан Кокто писал о художнике: «Отправляясь в дорогу, он никогда не знает, куда придет, но его путь всегда завершается триумфом».

Поэтому Пикассо отправляется в гастроли по Европе с русским театром, так как он больше не скрывает своих чувств к балерине. Влюбленные общаются исключительно на французском  языке, который становится их собственным языком любви.

Нельзя не упомянуть творческое взаимодействие Гийома Аполлинера и Пикассо. Жан Кокто определил этот союз так: «Имена Аполлинера и Пикассо неразделимы. Никто не рисует лучше Пикассо. Никто не писал лучше Аполлинера». Поэт издавал сборники, а художник писал иллюстрации. Их дружба продолжалась больше 10 лет.

Ольга Хохлова, Жан Котко, Пабло Пикассо, Игорь Стравински

Пабло Пикассо был верным другом и хорошо разбирался в людях. Он говорил, что среди людей больше копий, чем оригиналов.

Со своими товарищами он оставался всегда откровенным и переживал все радости и горести жизни.

Даже когда Пикассо стал всемирно известным богатым художником, он не продолжал забывать о друзьях и до конца своих дней оставался молодым душой, ведь «творчество смывает пыль повседневности с души».

Самые известные картины Пабло Пикассо

Самая первая серьезная картина Пикассао , написанная им  в возрасте 8 лет.Находится в частной коллекции

В настоящее время хранится в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина

Коллекция: Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж

Коллекция: Вашингтон, Национальная художественная галерея

Коллекция: Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина

Коллекция: Буффало, США, Галерея Олбрайт-НоксИнтересный факт- эта картина была написана Пикассо поверх еще одного шедевра “Последние мгновения”.

Коллекция: Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж

Коллекция: Нью-Йорк, Музей искусства Метрополитен

Коллекция: Мэрион, США, Линкольнский университет, Фонд Барнса

Коллекция: Чикаго. Институт искусств

Коллекция: Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхейма

Коллекция: Нью-Йорк, Музей искусства Метрополитен

Коллекция: Лондон, Галерея Тейт

Коллекция: Штутгарт. Государственная галерея

Коллекция: Вашингтон, Национальная художественная галерея.Эта картина отличается грандиозностью замысла художника- ее площадь 4 кв.м 

Коллекция: Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина

Коллекция: Нью-Йорк, Музей современного искусства

Коллекция: Буффало, США, Галерея Олбрайт-Нокс

Коллекция: Мэрион, США, Линкольнский университет, Фонд Барнса

Коллекция: Нью-Йорк, Музей искусства МетрополитенЭто полотно можно считать первым шагом в направлении деформации формы. 

Коллекция: Нью-Йорк, Музей современного искусства

Коллекция: Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж

Коллекция: Мэрион, США, Линкольнский университет, Фонд Барнса

Коллекция: Прага, Народная галерея

Коллекция: Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж

Коллекция: Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж

Коллекция: Дюссельдорф, Художественные собрания земли Северный Рейн-Вестфалия

Коллекция: Базель. Швейцария. Художественная галерея

Коллекция: Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж

Коллекция: Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина

Коллекция: Филадельфия, США, Художественный музей Филадельфии

Частная коллекция

Коллекция: Париж, Музей Пикассо

Коллекция: Париж, Национальный музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду

Коллекция: Нью-Йорк, Музей современного искусства

Коллекция: Париж, Музей Пикассо

Коллекция: Нью-Йорк, Музей современного искусства

Коллекция: Частная коллекция

Коллекция: Париж, Музей Пикассо

Коллекция: Нью-Йорк, Семейное собрание Алекса Хилмена

Коллекция: Париж, Музей Пикассо

Коллекция: Базель. Швейцария. Художественная галерея

Коллекция: Вашингтон, Национальная художественная галерея

Коллекция: Париж, Музей Пикассо

Пабло Пикассо: произведения, картины, биография, фото

• Home
• Художники
• Пабло Пикассо

Гений своего времени, новатор, неординарная личность, многогранный человек – слова, описывающие Пабло Пикассо. Как и произведения, биография Пабло Пикассо является крайне скандальной.

Годы жизни Пабло Пикассо – 25.10.1881-08.04.1973

Где родился Пабло Пикассо: первые шаги гения

Родился художник 25 октября 1881-го в провинции Андалузии Малага. Отец был учителем рисования, мать – домохозяйкой. Пикассо рано проявил талант. Пабло однажды закончил натюрморт отца. Хосе Руис был настолько поражен техникой отпрыска, что забросил кисть.

Детские фото художника

Родители приняли решение отдать Пабло в Барселонскую Академию художеств, куда последний блестяще сдал экзамены. Талант художника поразил экзаменационную комиссию. Учителя приняли юное дарование, несмотря на маленький возраст.

В 1897-ом семейный совет принял решение оплатить обучение Пикассо в престижной школе художников – Мадридской академии «Сан Фернандо». Слишком классический подход, отсутствие возможности проявить незаурядное видение давили на юного гения. Пабло начал прогуливать занятия, полностью посвятив время богемной жизни Мадрида, изучению работ кумиров (Эль Греко, Франсиско Гойи, Диего Веласкеса).

Творческие скитания привели молодого художника в бар «Четыре Кота» — приют для известных деятелей искусства.

Харизматичность, очарование, чувство юмора позволили творцу завести множество знакомств. Единомышленники помогли организовать первую выставку (1901). Они были успешными.

Юному Пикассо нужно двигаться дальше, открывать талант миру. С такими мыслями Пабло уезжает в Париж.

Фото в молодости

Творчество

Творчество Пабло Пикассо, его периоды неразрывно связаны с личной жизнью, историческими событиями. Творческий путь художника делят на несколько периодов:

В 1952-м перебирается в Валлорис, посвящая время керамике. Сейчас в этом районе Франции существуют мастерские, продолжающие выпускать изделия, придуманные мастером. Пикассо создает «Падение Икара» специально для ЮНЕСКО (1958.) Остаток своей жизни творец проводит с Жаклин Рок. Он женился в 80-летнем возрасте.

Женщины, дети Пабло Пикассо

Он был любвеобильным, увлекающимся мужчиной. Личная жизнь Пабло Пикассо подвергается исследованию не меньше, чем полотна. У Пикассо было 7 женщин, с которыми художник состоял в длительных отношениях:

• Фернанда Оливье;
• Марсель Умбер;
• Ольга Хохлова (сын Пауло);
• Мария-Тереза Вальтер (дочь Майя);
• Дора Маар;
• Франсуаза Жило (сын Клод и дочь Палома);
• Жаклин Рок (приёмная дочь Катрин Ютен-Бле).

Скольким он разбил сердца, скольких осчастливил, остается загадкой. Пикассо признавал, что его сердце по-настоящему принадлежит искусству. Женщины знали об этом, но были счастливы пройти небольшой отрывок пути вместе с гением.

Интересные факты

О нем написано множество книг, снято фильмов. За 91 год жизни Пикассо многое совершил. Мне кажется, рассказать все в одной статье попросту невозможно. Я постарался собрать самые интересные факты о жизни, творениях Пабло Пикассо:

Известные картины

Ниже представлены любимые картины Пабло Пикассо с названиями:

The MackerelДевочка на шареОльгаDora MaarАвиньонские девицыАлжирские женщиныLa vieСонМальчик ведущий лошадьАвтопортрет

Пабло Пикассо: произведения, особенности стиля. Кубизм Пабло Пикассо

Искусство и развлечения 13 марта 2016

Вряд ли найдется человек на планете, которому не знакомо имя Пабло Пикассо. Основатель кубизма и художник множества стилей повлиял в 20 веке на изобразительное искусство не только Европы, но и всего мира.

Художник Пабло Пикассо: детство и годы обучения

Один из ярчайших художников 20 века родился в Малаге, в доме на площади Мерсед, в 1881 году, 25 октября. Ныне там располагается музей и фонд имени П. Пикассо. Следуя испанской традиции при крещении, родители дали мальчику достаточно длинное имя, которое представляет собой чередование имен святых и самых близких и почитаемых в семье родственников.

В конечном счете его знают по самому первому и последнему. Фамилию Пабло решил взять материнскую, посчитав отцовскую слишком простой. Талант и тяга к рисованию у мальчика проявились с самого раннего детства. Первые и очень ценные уроки ему преподнес отец, который тоже был художником. Звали его Хосе Руис. Свою первую серьезную картину он написал в восемь лет – «Пикадор».

Можно смело утверждать, что именно с нее началось творчество Пабло Пикассо. Отец будущего художника получил предложение о работе преподавателя в Ла-Корунье в 1891 году, и вскоре семья переехала на север Испании. Там же Пабло в течение года проходил обучение в местной школе искусств. Затем семья перебралась в один из красивейших городов – Барселону.

Юному Пикассо на тот момент было 14 лет, и он был слишком молод для того, чтобы учиться в Ла-Лонху (школа изящных искусств). Однако отец смог добиться того, чтобы его допустили к вступительным экзаменам на конкурсной основе, с которыми он справился блестяще.

Спустя еще четыре года родители приняли решение устроить его в лучшую на тот момент передовую школу искусств – «Сан Фернандо» в Мадриде. Учеба в академии быстро наскучила юному дарованию, в ее классических канонах и правилах ему было тесно и даже скучно. Поэтому больше времени он посвящал Музею Прадо и изучению его коллекций, а спустя год вернулся в Барселону.

К раннему периоду его творчества относятся картины, написанные в 1986 году: «Автопортрет» Пикассо, «Первое причастие» (на ней изображена сестра художника Лола), «Портрет матери» (на фото ниже).

Во время пребывания в Мадриде он впервые совершил поездку в Париж, где изучил все музеи и живопись самых великих мастеров. Впоследствии он приедет в этот центр мирового искусства неоднократно, а в 1904 году переберется окончательно.

«Голубой» период

Этот временной промежуток можно рассматривать как лакмусовую бумажку, именно в это время начинает проявляться в творчестве Пикассо его индивидуальность, все еще подверженная постороннему влиянию. Известный факт: талант творческих натур проявляет себя максимально ярко в сложных жизненных ситуация.

Именно так и случилось с Пабло Пикассо, произведения которого теперь известны всему миру. Взлет был спровоцирован и произошел после продолжительной депрессии, вызванной смертью близкого друга Карлоса Касагемаса.

В 1901 году на выставке, организованной Волларом, были представлены 64 работы художника, однако на тот момент они еще были полны чувственности и яркости, явно ощущалось влияние импрессионистов.

В свои законные права «голубой» период его творчества вступал постепенно, проявляя себя жесткими контурами фигур и утерей трехмерности изображения, уходом от классических законов художественной перспективы. Палитра красок на его полотнах становится все более однообразной, акцент делается на синий цвет. Началом периода можно считать “Портрет Хайме Сабартеса” и автопортрет Пикассо, написанные в 1901 году.

Видео по теме

Картины «голубого» периода

Ключевыми в этот период для мастера стали такие слова, как одиночество, страх, вина, боль. В 1902 года он вновь вернется в Барселону, однако остаться в ней так и не сможет.

Напряженная обстановка в столице Каталонии, нищета со всех сторон и социальная несправедливость выливаются в народные волнения, постепенно охватившие не только всю Испанию, но и Европу. Вероятно, такое положение дел оказало влияние и на художника, который в этот год работает плодотворно и чрезвычайно много.

На Родине создаются шедевры «голубого» периода: «Две сестры (Свидание)», «Старый еврей с мальчиком», «Трагедия» (фото полотна выше), «Жизнь», где еще раз возникает образ погибшего Касагемаса. В 1901 году была также написана картина «Любительница абсента».

В ней прослеживается влияние популярного на тот момент увлечения «порочными» персонажами, характерного для французского искусства. Тема абсента звучит во многих картинах. Работа Пикассо, помимо всего прочего, полна драматизма.

Особенно явно в глаза бросается гипертрофированная рука женщины, которой она словно старается защититься. В настоящее время «Любительница абсента» хранится в Эрмитаже, попав туда из частной и весьма внушительной коллекции работ Пикассо (51 произведение) С. И. Щукина после революции.

Как только появляется возможность вновь отправиться в Париж, художник без колебаний решает ею воспользоваться и уезжает из Испании весной 1904 года. Именно там он столкнется с новыми интересами, ощущениями и впечатлениями, что даст начало новому этапу его творчества.

«Розовый» период

В творчестве Пикассо этот этап длился относительно долго – с 1904 г. (осень) до окончания 1906-го – и был не совсем однородным. Большая часть картин периода отмечена светлой гаммой красок, появлением охристых, жемчужно-серых, красно-розовых тонов.

Характерно появление и в последующем доминирование новых для творчества художника тем – актеры, циркачи и акробаты, атлеты. Безусловно, подавляющее большинство материала ему предоставлял цирк Медрано, который в те годы располагался у подножия Монмартра.

Яркая театральная обстановка, костюмы, поведение, разнообразие типажей словно вернули П. Пикассо в мир, пусть и преображенных, но реальных форм и объемов, естественного пространства.

Образы на его картинах вновь стали чувственными и наполнились жизнью, яркостью в противовес персонажам «голубого» этапа творчества.

Пабло Пикассо: произведения «розового» периода

Картины, ознаменовавшие начало нового периода, впервые были выставлены в конце зимы 1905 году в галерее Серюрье – это «Сидящая обнаженная» и «Актер». Один из признанных шедевров «розового» периода – «Семейство комедиантов» (на фото выше). Полотно имеет внушительные размеры – в высоту и ширину более двух метров.

Фигуры циркачей изображены на фоне синего неба, принято считать, что арлекин с правой стороны – это сам Пикассо. Все персонажи находятся в статике, и между ними не наблюдается какой-либо внутренней близости, каждого сковало внутреннее одиночество – тема всего «розового» периода.

Кроме того, стоит отметить следующие работы Пабло Пикассо: «Женщина в рубашке», «Туалет», «Мальчик, ведущий лошадь», «Акробаты. Мать и сын», «Девочка с козлом». Все они демонстрируют зрителю красоту и редкую для картин художника безмятежность.

Новый толчок в творчестве случился в конце 1906 года, когда Пикассо путешествовал по Испании и оказался в небольшой деревне в Пиренеях.

Африканский период творчества

С архаичным африканским искусством П. Пикассо впервые столкнулся на тематической выставке музея Трокадеро. Его впечатлили языческие идолы примитивной формы, экзотические маски и статуэтки, воплощавшие в себе великую силу природы и дистанцированные от мельчайших деталей.

Идеология художника совпала с этим мощным посылом, и в результате он стал упрощать своих героев, делая их подобными каменным истуканам, монументальными и резкими. Однако первая работа в направлении данной стилистики появилась еще в 1906 году – это портрет работы Пабло Пикассо писательницы Гертруды Стайн.

Он переписывал картину 80 раз и уже совершенно разуверился в возможности воплотить ее образ в классическом стиле. Этот момент можно по праву назвать переходным от следования за натурой к деформации формы.

Достаточно взглянуть на такие полотна, как «Обнаженная женщина», «Танец с покрывалами», «Дриада», «Дружба», «Бюст моряка», «Автопортрет».

Но, пожалуй, самым ярким образцом африканского этапа творчества Пикассо является картина «Авиньонские девицы» (на фото выше), над которой мастер трудился около года. Она венчала данный этап творческого пути художника и во многом определила судьбу искусства в целом.

Впервые полотно увидело свет лишь спустя тридцать лет после его написания и стало открытой дверью в мир авангарда. Богемный круг Парижа буквально раскололся на два лагеря: «за» и «против».

В настоящий момент картина хранится в Музее современного искусства города Нью-Йорка.

Кубизм в творчестве Пикассо

Проблема уникальности и точности изображения оставалась на первом месте в европейском изобразительном искусстве вплоть до того момента, когда в него ворвался кубизм.

Стимулом к его развитию многие считают вопрос, возникший среди художников: «Зачем рисовать?» Достоверному изображению того, что видишь, в начале 20 века можно было научить практически любого, к тому же буквально на пятки наступала фотография, которая грозила целиком и полностью вытеснить все остальное.

Зрительные образы становятся не только правдоподобными, но и доступными, легко тиражируются. Кубизм Пабло Пикассо в данном случае отражает индивидуальность творца, отказываясь от правдоподобного изображения внешнего мира и открывая совершенно новые возможности, границы восприятия.

К ранним работам относятся: «Горшок, бокал и книга», «Купание», «Букет цветов в сером кувшине», «Хлеб и ваза с фруктами на столе» и т. д. В полотнах четко прослеживается, как меняется стиль художника и приобретает все более абстрактные черты к концу периода (1918-1919 годы).

Например, «Арлекин», «Три музыканта», «Натюрморт с гитарой» (на фото выше). Ассоциирование зрителями творчества мастера с абстракционизмом совершенно не устраивало Пикассо, ему был важен сам эмоциональный посыл картин, их скрытый смысл.

В конечном итоге созданный им же самим стиль кубизм перестал постепенно вдохновлять художника и интересовать, открыв дорогу новым веяниям в творчестве.

Классический период

Второе десятилетие 20 века было для Пикассо достаточно сложным. Так, 1911 год ознаменовался историей с украденными статуэтками из Лувра, которая выставила художника не в лучшем свете. В 1914 г.

выяснилось, что, даже прожив столько лет в стране, за Францию Пикассо сражаться в Первой мировой войне не готов, что развело его с многими друзьями.

А в следующем году умерла его возлюбленная Марсель Умбер.

На возвращение более реалистичного в творчестве Пабло Пикассо, произведения которого наполнились вновь читаемостью, фигурностью и художественной логикой, повлияли и многие внешние факторы.

В том числе поездка в Рим, где он проникся античным искусством, а также общение с балетной труппой Дягилева и знакомство с балериной Ольгой Хохловой, которая вскоре стала второй женой художника.

Началом нового периода можно считать ее портрет 1917 года, который в некотором роде носил экспериментальный характер. Русский балет Пабло Пикассо не только вдохновил на создание новых шедевров, но и подарил возлюбленную и долгожданного сына.

Самые известные работы периода: «Ольга Хохлова» (на фотографии выше), «Пьеро», «Натюрморт с кувшином и яблоками», «Спящие крестьяне», «Мать и ребенок», «Женщины, бегущие по пляжу», «Три грации».

Сюрреализм

Разделение творчества есть не что иное, как желание разложить по полочкам и втиснуть его в определенные (стилистические, временные) рамки. Однако к творчеству Пабло Пикассо, известные картины которого украшают самые лучшие музеи и галереи мира, такой подход можно назвать весьма условным.

Если следовать хронологии, то период, когда художник был близок к сюрреализму, выпадает на 1925-1932 годы. Совершенно неудивительно, что на каждом этапе творчества мастера кисти посещала муза, и, когда О. Хохлова пожелала узнавать себя на его полотнах, он обратился к неоклассицизму.

Однако творческие люди непостоянны, и вскоре в жизнь Пикассо вошла юная и очень красивая Мария Тереза Вальтер, которой на момент знакомства исполнилось всего 17 лет. Ей была уготована роль любовницы, а в 1930 году художник купил замок в Нормандии, который для нее стал домом, а для него – мастерской.

Мария Тереза была верной спутницей, стойко перенося творческие и любовные метания творца, поддерживая дружескую переписку вплоть до смерти Пабло Пикассо. Произведения периода сюрреализма: «Танец», «Женщина в кресле» (на фотографии ниже), «Купальщица», «Обнаженная на пляже», «Сон» и т. д.

Период Второй мировой войны

Симпатия Пикассо во времена военных действий в Испании в 1937 году принадлежала республиканцам.

Когда в этом же году итальянская и немецкая авиация разрушила Гернику – политический и культурный центр басков – Пабло Пикассо город, лежащий в руинах, изобразил на огромном одноименном полотне буквально за два месяца.

Его буквально охватил ужас от угрозы, которая нависла над всей Европой, что не могло не отразиться на творчестве. Эмоции выражались не прямо, а воплотились в тональности, ее мрачности, горечи и сарказме.

После того как отгремели войны, и мир пришел в относительное равновесие, восстанавливая все, что было разрушено, творчество Пикассо тоже обрело более счастливые и яркие краски.

Его полотна, написанные в 1945-1955 годах, обладают средиземноморским колоритом, очень атмосферны и отчасти идеалистичны. В это же время он начинает работать с керамикой, создавая множество декоративных кувшинов, блюд, тарелок, статуэток (фото представлено выше).

Произведения, которые были созданы в последние 15 лет жизни, весьма неравномерны по стилистике и качеству.

Один из крупнейших художников двадцатого века – Пабло Пикассо – умер в возрасте 91 года на своей вилле во Франции. Похоронен вблизи принадлежавшего ему замка Вовенарт.

Query failed: connection to localhost:9312 failed (errno=111, msg=Connection refused).