Содержание
Жизнь и творчество Пабло Пикассо
«There is where it all began…
There is where I understood how far I could go».
Picasso.
Барселона – удивительное место, обладающее поистине уникальной атмосферой, особенность которой сложно передать, её ощущаешь кожей, в первые секунды окинув взором окружающее тебя великолепие. Гауди, Дали, Пикассо, Миро, Тапиес. Они жили и творили здесь, и город вобрал не только их труды, но и энергетику, не теряющую своего магнетизма с годами.
Пабло Пикассо, художник мира с глубокими испанскими корнями, работавший в Испании и Франции, картины которого хранятся в Москве и Нью-Йорке.
О его творчестве можно говорить часами, днями, годами; можно писать статьи и защищать диссертации.
Не претендуя на высокий статус эксперта по живописи, на этой неделе я поделюсь с тобой о работах раннего периода Пикассо, времени, которое он провел в Барселоне, запечатлевая город в его различных проявлениях.
Жизнь Пикассо – его восприятие действительности, любовь, эмоции, Испания, годы жизни во Франции – все это глубоко связано с его творчеством, определяя и насыщая его. Чтобы понять работы художника, нужно проникнуть в его сложный внутренний мир.
Живопись была смыслом жизни Пикассо и доставляла ему наибольшее наслаждение.
«Крыши Барселоны»
Принято считать, что «голубой период», начавшийся в 1901 году, характеризуется грустью в людях и в природе и отражает внутренние переживания Пикассо.
Но я бы сказала, что это скорее созерцание природы и окружающих людей, результатом которого стало это полотно, хранящееся в музее Пикассо в Барселоне.
При взгляде на эту картину кажется, будто улицы средневекового Магриба оживают, и Сантьяго начинает свой путь, ведомый знаками.
«Коррида»
Коррида…. Первая ассоциация, возникающая при произнесении этого слова – Испания. Ныне запрещенная в Барселоне, «Коррида» на полотне Пикассо как и в жизни пугающе завораживает.
Стиль написания – фовизм, жанр живописи, закрепившийся за художниками, выставлявшими свои работы на Осеннем салоне в Париже в 1905 году, и ставший своеобразным вызовом существовавшим на тот период канонам.
Меню кафе «Эльс Куатре Гатс»
«Эльс Куатре Гатс» или «Четыре кота» было популярным местечком, в котором собиралась группа друзей-художников, включая Пикассо. Можно представить какими жаркими были дискуссии представителей богемы, встречавшихся и выставлявших свои работы здесь. Пабло не был исключением, и как завсегдатаю ему доверили оформление меню этого заведения.
Расположенное в Готическом квартале, кафе и в наше время открыто как для представителей творческой среды, так и для обычных людей, туристов и поклонников творчества Пикассо, ведь придуманная 19-летним художником обложка меню и сегодня ждет тебя, призывно расположившись на столиках.
«Пляж»
Еще одна картина из периода раннего творчества уроженца Малаги. На тот момент начинающему художнику и ученику Школы искусств было 14 лет. Проба пера проходила на высоте.
Те, кто был в Барселоне или в любой другой части Испании, пленен ее пейзажами навсегда. Будь то горные хребты, зеленые сады или море, ах это море.
«Парк»
Неповторимый стиль Пикассо, прослеживался уже на начальном этапе становления его как художника. Вечнозелёные платаны и античные статуи настраивают на философский лад, и хочется присесть под сень листвы и подумать над судьбой Джордана и Пабло.
Разная Барселона, разный Пикассо, разная Испания. Эта страна, в которую можно ездить бесконечное множество раз, и вновь и вновь для себя открывать что-то новое. Пикассо – достойный сын своей родины. Сюрреализм, кубизм, импрессионизм, классицизм… каждое новое поколение будет находить в нем нечто, непознанное предыдущими.
Изображения: burusi.wordpress.com art.ayay.co.uk elblogdelgeneralstarling.wordpress.com zhpan.com.cn blistar.net
Пабло Пикассо: хороший мастер, но какой человек?
Не отличался Пикассо мужеством и в более зрелом возрасте. Долгое время, например, он боялся стричься, причем не в юном возрасте, а будучи уже седым человеком. Месяцами он носил слишком длинные волосы и не решался пойти к парикмахеру. Стоило кому-то заговорить об этом, как он впадал в настоящую панику.
Чем длиннее отрастали волосы, тем больше страшила его необходимость стричься. Как правило, дело заканчивалось тем, что он просил близких укоротить ему волосы, а то запирался в маленькую комнату и тщетно пытался отрезать волосы сам.
При этом он не расставался ни с обрезками волос, ни с обрезками остриженных ногтей:
Пабло Пикассо, «Портрет матери художника», 1896 г.Источник: artchive.
ru
Боящийся несчастий… Абсолютно равнодушный к чужим страданиям, он крайне эмоционально воспринимал собственные недомогания, даже самые пустяковые.
Больше всего он боялся заболеть раком. Франсуаза Жило, одна из его близких спутниц, рассказывала, что каждое утро его приходилось убеждать, что он ничем не болен:
Франсуаза Жило была просто потрясена, увидев, насколько суеверен Пикассо:
…и портных. Пикассо никогда не дарил кому-либо свои вещи: опасался превратиться в того, кому он отдаст свою одежду. Поэтому все свои брюки и свитера он изнашивал буквально до дыр. И даже после этого не торопился их выбрасывать — а вдруг понадобятся!
Купить новый костюм для него была такая же трагедия, как необходимость время от времени стричься.
Мало того, что за это нужно будет платить, так еще придется идти в примерочную, которых он всегда боялся! Почему боялся? Наверное, потому, что готовые костюмы ему не подходили — при маленьком росте у него были мощная грудь и плечи, а он из-за своего обостренного чувства самолюбия не мог позволить, чтобы кто-то мог посмеяться над его не совсем пропорциональной фигурой.
Однажды он все-таки выбрался к портному. После мучительных примерок Пикассо заказал себе сразу три костюма, чтобы на какое-то время избавиться от «унизительной» пытки. Но когда костюмы принесли, он не стал их носить, а запер в шкафу, где они и сделались добычей моли.
Пабло Пикассо, «Автопортрет», 1896 г.Источник: artchive.ru
Сексуально озабоченный
Что касается последних, то он стал их постоянным посетителем уже с 14 лет. Удивительно, но, не смотря на свой маленький рост (158 см) и непривлекательные черты лица (особенно если учесть, что Пикассо всю жизнь одевался «как чистильщик сапог» и, к тому же, от него постоянно «несло чесноком»), гениальный испанец обладал необыкновенным сексуальным магнетизмом и умело пользовался этим.
И действительно, этот лупоглазый коротышка, как называли его в парижских борделях, испробовал на себе едва ли не все виды сексуального разврата. Сожительствуя и с женщинами и с мужчинами, он уступал своих партнеров и партнерш друзьям, а иногда «пользовал» их общей компанией… Одно время «секс на троих» (например, жена Пикассо, он сам и его друг) — был одним из его любимейших развлечений.
Групповые оргии и регулярное общение со шлюхами не могли не сказаться на здоровье. Пикассо получил то, чего больше всего боялся — импотенцию и сифилис. И это — в 20 лет! Он обращается к самым лучшим врачам, (а тогда лечение сифилиса было крайне болезненным и достаточно продолжительным), стараясь заполнить свободное время отчаянной, до изнеможения, работой. Позднее он скажет:
Венерическая болезнь привела к зарождению в нем некоего подобия сексуальной мании.
Именно в это время он стал писать на полях рисунков, изображавших «ню»: «Cuando tengas ganas a joder, jode» («Когда хочешь заняться сексом, займись» — перевод смягченный, в оригинале использована нецензурная лексика) — изречение, которое многие биографы трактуют как девиз и жизненный принцип вечно сексуально озабоченного и неразборчивого Пикассо.
Пабло Пикассо, «Обнаженная в красном кресле», 1929 г.Источник: artchive.ru
Менял он женщин как перчатки…
Если эта формула знаменитого французского поэта хоть в какой-то мере верна, то великого художника Пабло Пикассо можно с уверенностью отнести к разряду «палачей».
Он с равной легкостью вычеркивал своих жен и любовниц из собственной жизни, не считаясь, в каком состоянии он их оставляет. А когда те обвиняли его в вероломстве и неблагодарности, он заявлял:
В 1942 году Поль Элюар провел анализ почерка Пикассо. В своем заключении о его характере он написал и такую фразу:
Пикассо однажды объявил:
Поначалу все, в кого он влюблялся, представлялись ему «богинями». Но таковыми они оставались в его воображении весьма непродолжительное время. Он моментально терял к очередной «небожительнице» свое расположение, стоило той только забеременеть или даже заболеть. Франсуазу Жило, родившую ему сына Клода и дочь Палому, когда та заболела, он методично добивал, повторяя ей:
Объясняя другим свое поведение, он говорил:
И действительно: Пикассо прожил 91 год, сохранив до конца дней свой необыкновенный сексуальный пыл и работоспособность. Видимо, Богу очень нравились его картины, если он позволил такому человеку прожить столь долгую жизнь!
Пабло Пикассо, «Девочка на шаре», 1905 г.Источник: artchive.ru
Чем меньше совести, тем больше всего остального. Каждый год Пикассо зарабатывал миллионы долларов.
Благодаря необычайной работоспособности он создал 14000 полотен, 100000 гравюр и 34000 книжных иллюстраций. После своей смерти — а это случилось в 1973 году, — он оставил недвижимость, которая была оценена в 1,1 миллиарда долларов.
Едва ли не всю свою творческую жизнь (а успех к нему пришел уже в 13 лет!) Пикассо наслаждался богатством и славой.
И не хотел их ни с кем делить. Даже с самыми близкими. Будучи человеком более чем состоятельным, он никому не одалживал денег, не подавал милостыню, не помогал материально ни родителям, ни собственным детям, даже когда те остро в этом нуждались, например, во время болезней. Впрочем, иногда его удавалось уговорить, вернее сказать, усовестить.
Марина Пикассо, внучка художника, в своей книге «Пикассо. Мой дедушка» вспоминала:
Список жертв. Садизм и безразличие, жестокость, нищета и бесконечные унижения — так описывает внучка Пабло Пикассо атмосферу, царившую в семье великого художника. Она обвиняет знаменитейшего деда во всех мыслимых и немыслимых грехах. Представленный ею список лиц, пострадавших от «синдрома Пикассо», на самом деле впечатляет.
Список жертв Пабло Пикассо начинается с перечисления женщин, живших с гением. Первая жена Ольга Хохлова, бабушка Марины, закончила свои дни «униженной, опозоренной и оскорбленной многочисленными изменами своего мужа, который никогда не просил у нее прощения, даже когда она лежала на смертном одре».
Красивейшая и блистательнейшая Дора Маар умерла в нищете.
Пабло Пикассо, «Обнаженная, зеленые листья и бюст», 1932 г. Изображена Мария Тереза Вальтер. Картина продана в 2010 году за 106 482 500 долларов СШАИсточник: artchive.ru
Мария Тереза Вальтер повесилась в своем гараже. Последняя женщина в жизни художника, Жаклин Рок, застрелилась… Список заканчивается именами ближайших родственников.
Марина преувеличивает? Не похоже:
Автор книги сравнивает Пабло Пикассо с компьютерным вирусом «I love you», тонким и губительным, и описывает его как «существо дьявольское и снобистское; как деспота, разрушителя, вампира, жившего в золотой клетке, как человека, неспособного любить. Он, как человек, страдающий булимией, пожирал жизнь, вещи и людей».
Пабло Пикассо, «Автопортрет. 30 июня 1972», 1972 г.Источник: artchive.ru
«Хороший мастер, но плохой человек». Говорят, от трусости до предательства — один шаг. Однажды Пикассо возьмет на душу и этот грех: предаст близкого друга — Гийома Аполлинера, когда обоих заподозрят в краже знаменитой картины «Мона Лиза».
И тому и другому будет грозить, по меньшей мере, высылка из Франции. Когда Пикассо вызовут в полицию на допрос, он свалит всю вину на Аполлинера. Вскоре картину найдут, и тогда выяснится, что Аполлинер к краже совершенно непричастен… Однажды цыганка нагадала ему: «Ты никому не принесешь счастья».
Похоже, он и не старался разубедить в этом ни судьбу, ни людей.
Чувство вины не было знакомо Пикассо. Люди для него могли быть или полезными, или — создающими помехи на его пути. Был он на самом деле бессердечным или только старался казаться таковым — теперь уже не важно.
Он достиг поставленной цели: стал богатым и знаменитым, прожил долгую, насыщенную и, вероятно, интересную жизнь (интересную, предположим, с его точки зрения).
Конечно, эгоизм — не самый смертный из грехов.
Да и кто может с полной уверенностью сказать, что лучше: «хороший человек, но плохой мастер», или «хороший мастер, но плохой человек»? Для кого-то он был домашним тираном и подлецом, а для кого-то — великим художником.
Заканчивая этот небольшой биографический очерк о Пикассо, мне хотелось бы привести еще одну цитату. На этот раз из Виссариона Белинского, знаменитого русского критика. Эти слова могли бы подвести черту всему вышесказанному:
Распятие — 1930 Пабло Пикассо
Декабрь 03, 2012
Распятие
1930; 51,5х66,5 см; фанера, масло
Музей Пикассо, Париж
В центре картины изображены распятый Христос и Мария, фигура которой минимизирована до раскрытых в скорбном вскрике уст и длинной накидки.
Вокруг главных героев, для воплощения которых на полотне Пикассо выбирает всего два цвета — в равной степени самодостаточные и аскетичные черный и белый, расположены второстепенные персонажа.
Их фигуры выглядят яркими всполохами желтого, красного, голубого и зеленого цветов, которые выглядят неуместно и потому особенно вызывающе, что, в некотором смысле, соответствует устоявшейся иконографической традиции.
Ярко-красная лестница устремляет взгляд зрителя к исполненной в том же цвете фигуре палача, забивающего гвоздь в ладонь Иисуса. Справа можно заметить фигуры двух солдат, разыгрывающих в кости одежду Христа. Удлиненные, распластанные, расплывающиеся формы призваны раскрыть внутренний мир персонажей, их скрытые эмоции, их жестокое, бескомпромиссное «эго»…
Фигура, расположенная справа от Христа, по мнению исследователей, представляет собой Митру — бога солнца в древневосточных религиях, одного из главных индоиранских богов, бога договора, согласия, покровителя мирных, доброжелательных отношений между людьми. В левой части картины Митре соответствует парящий в воздухе зеленый пористый камень — элемент, позаимствованный Пикассо у сюрреалистов.
Художник был глубоко убежден, что коррида есть символом распятия Христова: на картине именно пикадор наносит Иисусу смертельный удар пикой.
Бой быков: смерть тореадора
Бой быков: смерть тореадора
1933; 31х40 см; дерево, масло
Музей Пикассо, Париж
Картина «Бой быков: смерть тореадора» представляет еще одну драматическую сцену. Тореадор, которого несет на себе огромный бык, словно видит собственную смерть.
Его лицо, представленное одновременно в трехчетвертном повороте и в профиль, показывается из красной ткани, которая может служить как накидкой героя — если он еще жив и борется, так и кровавым покровом — если название картины действительно оправдано.
Возможность двойственного представления героев настолько захватывает Пикассо, что даже быка он представляет в образе жертвы и палача.
Творчество Пикассо
Поделиться ссылкой в социальных сетях
«Философия Жизни» — это познавательный онлайн-журнал. В нем собраны интересные статьи из разных областей жизни: культура и искусство, наука и религия, история и приключения, география и астрономия, рассказы о знаменитых людях.
«ФЖ» является своеобразным путеводителем по интеллектуальной и культурной жизни. Тематический архив статей поможет легко ориентироваться в выборе интересующего материала. Сетевой журнал «Философия Жизни» может быть интересен широкому кругу читателей.
Добавляйте знания
и делитесь ими!
Знаете ли вы …
…что такое «ДЖИП»?
Название этих автомобилей произошло от английской аббревиатуры G.P. (Джи-Пи) — General Purpose, то есть, всего-навсего, «транспортное средство общего назначения». Написание «Jeep» появилось значительно позже.
Пабло Пикассо: «Я — король»
«Каждый раз, когда я меняю женщину, — говорил Пикассо, — я должен сжечь ту, что была последней». Так и случалось. Его бывшие подруги, так или иначе, были сожжены, сломаны или сведены с ума. Устояла лишь Франсуаза Жило, которая сама ушла от Пикассо.
«Пожиратель душ» Пабло родился 25 октября 1881 года в испанской Малаге, его отцом был профессор рисования Хосе Руис. Пикассо с раннего детства обожал рисовать.
«Мне было, наверное, лет шесть или даже меньше, — хвастался как-то он. — Дома в коридоре стоял Геркулес с дубиной. Вот тут я сел и нарисовал этого Геркулеса.
И это не было детским рисунком, это было вполне реалистично».
Правда, на самом деле рисунок датируется 1890 годом, когда Пабло было не 6, а 9 лет. К тому времени он уже успел заполнить бесчисленное множество альбомов академическими рисунками. Его техническое мастерство, строго оттачиваемое отцом, достигло почти совершенства. Когда Пикассо исполнилось 13 лет, Хосе Руис оставил свою профессию, чтобы заняться карьерой сына.
Через несколько лет имя Пабло знала уже вся Испания – его картина «Милосердие» получила премию Мадридской выставки. А родители юного художника просто боготворили сына. «В детстве мать говорила мне: если изберешь путь солдата, быть тебе генералом, если захочешь быть монахом, то станешь папой, — говорил потом Пабло.
— Вместо этого я избрал путь художника и стал Пикассо».
Он поступил в Мадридскую королевскую академию Сан-Фернандо, но обозвал там всех преподавателей глупцами и стал проводить время не на лекциях, а в кафе и борделях города, изучая настоящую жизнь. Вскоре вместе с дружком Карлосом Касагемасом Пикассо отправился завоевывать Париж.
Самым важным приобретением этого периода юноши оказалось знакомство с философией Ницше. Он почувствовал, что это именно то, что ему нужно, и решил адаптировать «волю к власти» к своей живописи. Оставляя родину, Пикассо подарил родителям свой автопортрет, подписанный «Я король».
Он постоянно думал о живописи, ежедневно Пабло «выдавал» по законченному полотну. Продавая свое искусство за бесценок, чтобы не умереть с голоду, он медленно, но неотступно двигался к новому стилю. И успех пришел, как всегда, внезапно.
Его «Девушки из Авиньона», написанные в двадцать шесть лет, открыли путь кубизму. А Пикассо, вместо того, чтобы витать в облаках успеха, еще больше углубился в работу.
Этот отъявленный маньяк живописи создавал за год более трехсот полотен, а его ежегодный доход после сорока лет составлял около полутора миллиона франков.
«Пабло озабочен только собой»
Его первой серьезной любовью и музой была Фернанда Оливье. Но девушка мечтала о ребенке и семейном очаге, а Пикассо все реже стал приходить домой. В 1911 году Пабло отдыхал в кафе «Эрмитаж» с польским художником Маркуссисом и его подружкой Евой Гуэль.
Она сразу же поразила воображение Пикассо, и тот за рекордно короткий срок создал картину «Моя красавица», выполненную в стиле кубизма. Ева ответила взаимностью на скрытое признание в любви.
Она и Пабло отправились путешествовать по Европе и весной 1915 года решили пожениться, но здесь художник пережил свое самое серьезное любовное разочарование за всю жизнь — Ева заболела раком и умерла.
26-летнюю русскую балерину Ольгу Хохлову Пабло впервые увидел на сцене танцующей, и счел её верхом совершенства. Сергей Дягилев, организатор «Русских сезонов» в Париже и труппы «Русский балет», посчитал своим долгом предупредить, что русские девушки непростые, на них надо жениться. И Пикассо, похоже, был уже готов к этому.
Во время гастролей труппы в Барселоне Пикассо познакомил девушку со своей семьей. Мать хотела, чтобы невестка была испанкой, но безупречное воспитание и здесь сослужило Ольге добрую службу. А когда Пабло написал её портрет в испанском наряде, мама растрогалась. Только сказала: «Бедная девочка, ты не знаешь, на что обрекаешь себя. Пабло озабочен только собой».
Но кого останавливают такие слова, даже если они сказаны будущей свекровью? Ольга уже приняла решение. Труппа Дягилева собиралась на гастроли в Южную Америку. Ольга понимала, что пик её балетной карьеры уже пройден. Возвращаться в революционную Россию, ей, дочери полковника царской армии, было некуда и незачем.
Кажется, у неё не было другого выхода – только замуж за Пикассо.
Они обвенчались 18 июня в Париже в соборе Александра Невского. Гостями были Дягилев, Гертруда Стайн, Макс Жакоб, Жан Кокто и Гийом Апполинер. Все были удивлены, как сильно любит Пикассо свою русскую балерину. А он, похоже, действительно думал, что это любовь на всю жизнь. Доказательством тому стал брачный контракт, в котором все его картины принадлежат ему и ей поровну.
Хохловой очень хотелось, чтобы муж забросил своих сомнительных дружков и вел светскую жизнь, а Пикассо поступал по-своему. Позднее Ольга забеременела и родила 40-летнему мастеру его единственного законного сына Поля.
Художник писал портреты своей супруги, но та сказала, что хочет «узнавать своё лицо». Что ж, пожалуйста! Оно узнаваемо: большие задумчивые глаза, безукоризненно прямой нос и никогда ни одной улыбки. Всегда какая-то сдержанность и даже скованность.
Словно на ней всё ещё тяжёлый кубистический костюм, придуманный Пикассо для балета «Парад».
Пабло стал тяготиться своей размеренной жизнью и ролью признанного салонного художника, которую пыталась навязать ему Ольга. Картин в неоклассическом стиле он написал уже предостаточно. Видя его охлаждение, Ольга мучила его и себя ревностью. И, что особенно грустно, поначалу безосновательно.
«Солнце не желает, чтобы его беспокоили»
В 1927 году Пабло Пикассо встретил 17-летнюю Мари-Терез Вальтер — спортсменку, красавицу, ничего не смыслящую в искусстве. Но Пикассо не искал искусствоведа. Ему нужны были новые формы. Вернее, как он сам говорил, он не искал, а находил.
Ольга была в отчаянии. Пабло не скрывал своих отношений с юной Мари-Терез, сначала сняв ей квартиру в доме напротив, а затем и вовсе поселив её в своей мастерской. Так прошло 7 лет, пока Мари-Терез Вальтер не надоело быть просто любовницей. Она появилась на пороге Ольгиного дома с маленькой девочкой на руках и заявила, что это «произведение Пикассо».
Такого унижения Хохлова стерпеть не смогла и удалилась в Канны с сыном Полем. Развод? Но в этом случае Пикассо должен был отдать ей половину своих картин. А такого художник допустить не мог, так что Мари-Терез Вальтер жестоко просчиталась. Но и Ольга не осталась в выигрыше.
Она писала мужу письма, полные отчаяния, проклятий, называла его творчество деградацией и присылала портреты Бетховена и Рембрандта, намекая на то, что до таких высот в искусстве ему никогда не подняться.
А Пикассо изображал Ольгу в виде лошади или быка на своих картинах из цикла «Коррида». Впрочем, это уже было неважно. Период, когда Ольга «узнавала своё лицо» в творчестве Пикассо давно закончился. Он разъял на куски некогда любимое им тело и превратил его в груды мяса.
Называл жену «полным ничтожеством» и говорил, что жизнь с ней была «худшим периодом в его биографии».
Единственной отрадой Ольги был сын Поль и внуки Марина и Паблито. Но Поль вырос слабым и безвольным, Пикассо заботился о нём, но, весьма своеобразно: тот до конца своих дней полностью зависел от отца материально и ничего не мог с этим поделать. В 1955 году у Ольги Хохловой обнаружили рак, и она легла в клинику неподалёку от города Гольф-Жуан.
Внучка Марина в своих воспоминаниях называла её волшебницей, говорила, что только от неё они с братом Паблито слышали в детстве ласковое слово. Марина запомнила её сидящей в кресле с ногами, укрытыми норковым манто, подаренным когда-то Пабло. Сам Пикассо ни разу не навестил свою жену.
Он даже не пришел на её похороны в 1955 году, потому что занят был новой картиной.
Расставшись с Мари-Терез, Пабло начал появляться на людях с югославской художницей и фотографом Дорой Маар, которая стала главным источником его вдохновения в предвоенные годы.
Она любила широкополые шляпы и длинные перчатки, курила сигареты с мундштуком длиной не менее 25 сантиметров и красила заостренные ногти в пурпурный цвет.
Но главное – Дора стала не только свидетелем, но и соавтором «Герники», одного из самых известных полотен мастера, о чем говорят сотни негативов и контактных отпечатков, обнаруженных в ее личном архиве после ее смерти.
Роман с Дорой продлился семь лет, а потом Пикассо познакомился в парижском ресторане недалеко от его мастерской с молоденькой художницей Франсуазой Жило. Живая, энергичная, она покорила Пикассо и очень быстро появилась на его полотнах. Пикассо устроил мастерскую в замке Гримальди и обрел вторую молодость.
Франсуаза весьма скоро забеременела и в мае 1947 года подарила любимому сына Клода, а через два года — дочь Палому. Но счастье было недолговечным.
В своей скандальной книге «Жизнь с Пикассо» Жило писала, что художник постоянно издевался над ней, и когда она заболела, продолжал добивать ее, повторяя: «Ненавижу больных женщин».
В 73 года Пабло встречает Жаклин Рок. Она запретила всем его детям и бывшим женщинам видеться с маэстро. Те называли Жаклин «суровой хранительницей храма, жрицей, несговорчивой и высокомерной», обычно говорившей приезжавшим навестить Пикассо детям и внукам: «Его Величество отсутствует» или «Солнце не желает, чтобы его беспокоили».
Он был болен, не слышал, не видел, а Жаклин ухаживала за ним. Пикассо умер 7 апреля 1973 года в возрасте 92 лет, оставив после себя около 80 тысяч работ. Он стал легендой, мифологизированным героем, почти богом авангарда, называвшим себя в шутку чертом.
На что Эренбург возражал ему в своих мемуарах, говоря, что если он и черт, то добрый, поспоривший с Богом насчет мироздания, восставший и неуступивший.
«Заложники гения»
Пикассо без стеснения называл своих любовниц то «богинями», то «подстилками», заботился, чтобы они в равной степени чувствовали себя и теми, и другими. «Пожиратель душ» — так порой называли художника.
Думал ли он о тех, кого любил, мучил и обессмертил в своих шедеврах? Многие из возлюбленных Пикассо страдали нервными расстройствами, совершали самоубийство либо сходили с ума. Повесилась Мария-Тереза Вальтер, ушла в монастырь, а затем застрелилась Жаклин Рок.
Дора Маар попала в парижскую психиатрическую лечебницу святой Анны, где ее лечили электрошоком. А после этого она замкнулась в себе, став для многих символом женщины, жизнь которой разбита любовью к жестокому гению.
Садизм и безразличие, жестокость, нищета и бесконечные унижения — так описывала внучка Пабло атмосферу, царившую в семье великого художника. Марина Пикассо опубликовала книгу воспоминаний «Пикассо. Мой дедушка».
«В наших бутылочках с соской было не молоко, а яд», — говорила она и сравнивала Пикассо с компьютерным вирусом, тонким и губительным, описывала его как «существо дьявольское и снобистское; как деспота, разрушителя, вампира, жившего в золотой клетке, как человека, неспособного любить.
Он, как человек, страдающий булимией, поглощал жизнь, вещи и людей».
Сын Пабло, отец Марины, умер «обманутым, разочарованным, приниженным, уничтоженным». Для Пикассо он был ничтожеством.
Марина вспоминала, как ее дед кричал своему сыну: «Ты посредственность и всегда таким будешь!» Больше всего страдали двое внуков великого художника. Брат Марины был человеком чувствительным.
Возможно, он страдал даже больше, чем сестра, переживал из-за того, что дед унижал его родителей. Двое молодых людей испытывали чувство вины, полагая, что они в тягость старому художнику.
Марина заболела анорексией, а судьба брата была еще страшнее. Через четыре дня после смерти деда он выпил большое количество отбеливателя и сжег себе внутренности. «Его сердце и душа уже были сожжены», — пишет сестра, вспоминая об исповеди своего брата сразу же после попытки самоубийства.
«Это мое последнее бегство, — сказал он. — Чтобы спасти тебя. Я хотел взорвать, уничтожить изнутри все наши страдания». После агонии, длившейся три месяца, Пабло скончался. Он весил 28 килограммов. «Мой брат стал жертвой садизма и безразличия Пикассо, — утверждает Марина и добавляет. — Ни один член моей семьи не мог избежать издевательств со стороны гения».
Родственники и жены были жертвами, которые, по словам Марины, «должны были быть принесены на алтарь его искусства. Ему требовалась кровь, чтобы писать свои произведения. Все были заложниками его гения. Никому не удавалось вырваться из рук Пикассо, лично мне это так и не удалось никогда».
Подготовила Лина Лисицына,
по материалам «Зеркало недели», «Суперстиль», «Инопресса», «Спроси Алену»
«Коррида Пабло Пикассо»
Талант, опыт, мастерство — три составляющие абсолютного успеха Светланы Викторовны Виноградовой — выдающегося музыканта-просветителя, главного музыкального «сталкера» нашей страны, на протяжении многих десятилетий ведущего сотни, тысячи слушателей в мир музыки — загадочный и прекрасный.
Просветителя, по В. Далю, «дарующего свет умственный, научный и нравственный, поучающий истинам и добру, образовывающий ум и сердце». Этот путь был избран смолоду.
Выпускница Московской консерватории по классу композиции профессора Анатолия Александровича Александрова, яркого представителя Серебряного века в отечественном музыкальном искусстве, она вышла на филармоническую сцену и сразу завоевала авторитет и симпатии многочисленной аудитории Большого зала Московской консерватории и Концертного зала имени Чайковского, Большого театра, Колонного зала Дома Союзов и Кремлевского дворца съездов.
Способность к свободному общению с публикой со сцены концертного зала — особый дар, основанный на блестящей эрудиции и несомненном актерском мастерстве, которым в полной мере обладает С. Виноградова. С середины 1970-х годов слушательская аудитория музыканта во сто крат увеличилась благодаря ее сотрудничеству с Центральным телевидением.
Светлана Викторовна стала первым музыкальным комментатором на первом канале телевидения. Она представляла трансляции оперных спектаклей из ведущих театров мира — из Италии и Великобритании, Чехословакии, Болгарии и еще многих стран Европы, Америки…
Здесь она получила известность как автор многочисленных сценариев к документальным музыкальным фильмам, монографических и тематических программ и циклов.
Более чем полувековая деятельность С. Виноградовой в филармонии связана с таким количеством интереснейших проектов, что даже простое их перечисление заняло бы не одну страницу. Упомянем лишь о некоторых.
Концерты абонемента «Сказки для всех» адресованы как юным слушателям, так и их родителям. Абонемент «О прекрасном» объединил музыку, поэзию и живопись, на перекрестке которых встречаются древнегреческие боги и сказочные герои, отраженные в зеркале оперы и балета.
На протяжении многих лет С. Виноградова составляла «Красную книгу».
Этот абонемент представлял собой не привычную форму концерта с комментариями, а некий диалог со слушателями, приглашение к совместному размышлению об эстетических категориях музыкального искусства, разнообразных национальных традициях и об историческом контексте.
Совершенно новым жанром в филармонической практике стал абонементный цикл «Третьяковская галерея» в Концертном зале имени П. И. Чайковского.
Первоначально его концерты сопровождались видеопоказом на экранах художественных полотен из уникальных собраний «Третьяковки» – отсюда цикл получил свое название.
Сегодня Светлана Виноградова знакомит публику с шедеврами и из других знаменитых музеев — от парадных портретов крепостных художников до исторических полотен передвижников, от портретного искусства художников Серебряного века до сценографии участников знаменитого кружка «Мир искусства», а также с редкими фотографиями композиторов и их окружения из семейных архивов, представая как безусловный знаток и тонкий ценитель изобразительного искусства. Параллельно идет прослушивание музыкальных произведений, которые являются ровесниками живописных работ.
Одним из новых проектов Светланы Виноградовой является абонементный цикл литературно-музыкальных концертов «Впередсмотрящий».
Он проходит в Камерном зале Московской филармонии, особая атмосфера которого способствует исчезновению грани между исполнителями и публикой, — при этом слушатель ощущает себя вовлеченным в происходящее на сцене.
В цикле «Впередсмотрящий» Светлана Виноградова представляет широкий диапазон сюжетов и жанров, знакомя с произведениями современной литературы — сочинениями Р. Баха, Х. Мураками, М. Павича, Р. Брэдбери, С. Лема, А. де Сент-Экзюпери, а также включая русскую литературную классику, литературу средневековой Европы и др.
Музыкальный диапазон, к которому апеллирует С. Виноградова в своих концертах, кажется поистине необъятным. Если попытаться представить себе образ некоего гипотетического слушателя всех абонементов С.
Виноградовой, получится, что он познакомился едва ли не со всем многовековым опытом музыкального искусства — от духовных песнопений и фольклора народов мира до сложнейших оркестровых и хоровых партитур композиторов XX столетия. В программах, которые предлагала С. Виноградова аудитории, участвовали многие ведущие оркестры и известные солисты.
Среди композиторов и исполнителей, с которыми Светлана Викторовна сотрудничала в разные годы, — Д. Шостакович и Г. Свиридов, Т. Хренников и К. Караев, Д. Кабалевский и А. Пахмутова, А. Эшпай и В. Гаврилин, Р. Щедрин и Э. Артемьев, К. Кондрашин и В. Дударова, Д. Ойстрах и Е. Светланов, Э. Гилельс и Р. Баршай, И. Архипова и В. Атлантов, Е.
Образцова и Е. Нестеренко, А. Ведерников и Ю. Темирканов, А. Рудин и многие другие замечательные артисты — гордость отечественной музыкальной культуры.
За свою многолетнюю плодотворную музыкально-просветительскую деятельность С. Виноградова неоднократно удостаивалась почетных премий и высоких наград. Она — заслуженный деятель искусств России, лауреат Премии Правительства Москвы, обладатель Ордена Дружбы и ордена «Знак Почета», в 2006 году газетой «Музыкальное обозрение» объявлена «Музыкантом года».
Родился 3 августа 1979 года. Детство и юность провёл в подмосковном Загорске (ныне Сергиев-Посад).
После окончания средней школы поступил в Школу-Студию МХАТ на курс Евгения Лазарева и Дмитрия Брусникина. На четвёртом курсе дебютировал на малой сцене МХАТа имени А. П. Чехова в спектакле Аллы Покровской «Бабье Царство».
В этом же году состоялся дебют Ивана в кинематографе. Он снялся в эпизодической роли в культовом кинофильме Алексея Балабанова «Брат 2».
Окончив Школу-Студию МХАТ, был призван в ряды Вооруженных Сил. Находясь на службе в армии, Ивану удалось сняться в двух картинах: «Звезда» режиссёра Николая Лебедева и «Займёмся любовью» Дениса Евстигнеева.
Вернувшись из армии, Иван сыграл одну из главных ролей (Немого) в фильме режиссёра Бахтиера Худойназаров «Шик», который получил два приза на Международном кинофестивале в Токио.
Поворотным моментом в творческой карьере актёра стал 2005 год. Именно тогда в прокат вышел фильм Фёдора Бондарчука «9 рота», где Иван сыграл одну из главных ролей – рядового Чугайнова. Эта кинолента получила много различных призов и наград.
Ивану Кокорину посчастливилось работать с такими режиссёрами, как Михаил Козаков, Зиновий Ройзман, Алла Сурикова, Светлана Дружинина, Владимир Наумов. В фильмографии актёра более 60 работ, среди них особо важные для Ивана (кроме указанных выше): «Джокеръ» режиссёра М.
Козакова; «Последний бронепоезд» З. Ройзмана; «От любви до кохання» Н. Гейко; «Карамазовы» Ю. Мороза; «Судьбы загадочное завтра» В. Москаленко; «Дом Солнца» Г. Сукачёва; «Я дождусь» И. Соловова; «Откровения» А. Красовского; «Чкалов» И. Зайцева; «Упакованные» П.
Гладилина; «Истребители 2» З. Ройзмана.
В творческой работе Ивану помогают занятия спортом. Монологи для спектаклей, тексты для чтецких программ, роли в кино – учатся и хорошо запоминаются им на бегу. Родители с ранних лет привили любовь к спорту: горные лыжи, большой теннис, бег. Иван участник телевизионных проектов Первого канала: «Большие гонки», «Король ринга». Факелоносец эстафеты Олимпийского огня Сочи 2014.
В 2012 году прошёл по конкурсу в Литературную дирекцию Московской филармонии и начинает выступать с чтецкими программами для детей.
Причём ему действительно нравится выступать именно для школьников от 7 до 13 лет! Для них он подготовил и с удовольствием читает сказки Сергея Козлова в программе «Берегите погоду» и рассказ Юрия Сотника «Кинохроника».
На эту программу он приезжает с настоящим старым киноаппаратом и после концерта разрешает маленьким зрителям потрогать его и даже покрутить ручку.
Иван Кокорин принимает участие в литературных абонементах Московской филармонии и в концертах музыковеда Светланы Виноградовой, где читает Хэмингуэя, Пушкина, Олешу, Чуковского, Некрасова.
Хироко Иноуэ родилась в г. Осака (Япония). Училась в Университете искусств в Киото. Окончила с отличием Московскую консерваторию и аспирантуру как пианистка (класс профессора Н. Штаркмана) и органистка (класс профессора А. Паршина). Стажировалась в Консерватории Принца Клауса (Голландия) по классу игры на исторических инструментах (профессор Тео Йеллема).
Удостоена первых премий на Японском конкурсе пианистов в г. Саккаи, III Международном конкурсе пианистов им. М. Юдиной в Санкт-Петербурге. Лауреат и дипломант органных конкурсов имени Марчелло Галанти в Италии, конкурса Валерия Кикты в Москве и IV Международного конкурса органистов имени Микаэла Таривердиева в Калининграде.
С 2006 года – солистка-органистка Калининградской областной филармонии. Параллельно ведет активную концертную деятельность в Москве, городах России и за рубежом.
Хироко Иноуэ – серьезный, вдумчивый, тонкий музыкант. Ее репертуар поражает необычайной широтой исполнительского кругозора и разнообразием жанров.
Она подготовила несколько фундаментальных сольных программ (монографические концерты из произведений И. С. Баха, органная музыка Франции и др.
), регулярно выступает в формате «Орган плюс…», работая с Камерным оркестром Калининградской филармонии (концерты Баха, Генделя, Гайдна, Пуленка, Респиги), в ансамблях с инструменталистами (фортепиано, скрипка, саксофон), исполнителями на народных инструментах (цимбалы, домра) и вокалистами (концертные программы «Ave Maria», «Приглашение в оперу» и др.). Сотрудничает также с мастерами художественного слова (сценические композиции с московскими артистами театра и кино Ч. Хаматовой – «Куда ведет нас сладкий путь любви?», В. Карякиным – «Чайка по имени Джонатан Ливингстон» и др.). В этих проектах, требующих умения стилистически точно подобрать музыкальную ткань спектакля, ярко проявились профессионализм, высокая культура и эрудиция молодой органистки.
В афишах концертов Хироко Иноуэ встречаются имена композиторов разных эпох и стран, причем, не только европейских. Начиная с 2007 года она регулярно знакомит поклонников органного искусства с практически не известной российскому слушателю музыкой Японии (Косаку Ямада, Иссеи Цукамото, Мичио Мияги) – в сольных программах и в ансамблях с музыкантами из Юго-Восточной Азии.
В этом цикле концертов органично соединились Восток и Запад. Произведения Чайковского, Рахманинова, Таривердиева звучат рядом шедеврами европейского барокко и экзотической музыкой Страны Восходящего Солнца.
Так, именно сочинения Таривердиева оказались созвучными трагедии, произошедшей на родине органистки, в Японии – катастрофе на атомной станции. Годовщине этого события Хироко Иноуэ посвятила тематическую концертную программу «Quo Vadis?», в которой исполнила фрагменты из органной симфонии Таривердиева «Кассандра».
Владимир Колесников — московский гитарист-виртуоз, композитор, импровизатор и аранжировщик, получивший признание у испанских экспертов в области гитары фламенко. Участник международных фестивалей гитары фламенко и инструментальной музыки, финалист конкурсов фламенко Viva Espana в 2011 и 2012 годах.
Музыкант исполняет как произведения, ставшие классикой гитарной музыки (с сохранением традиций лучших испанских мастеров гитары), так и авторские композиции в различных жанрах фламенко, классической, эстрадной, народной и современной музыки.
Владимир Колесников является создателем уникальных концертных программ, можно сказать, своего собственного концертного стиля, в основу которого помимо фламенко легло исполнение абсолютно разной музыки, с использованием всего богатства технических приемов и всей палитры красок гитары фламенко. С 2013 года Владимир, пожалуй, единственный гитарист фламенко в Москве, дающий сольные концерты подобного масштаба.
Испанцы о нем говорили: «Виртуоз, который играет с душой!». Он открыл московской и российской публике многие, широко известные за границей (от Испании до США) произведения, сделав свои вариации и интерпретации, переложив, обработав и исполнив их абсолютно по-новому. А авторские композиции Колесникова получили самую высокую оценку зарубежных и российских музыкальных коллег.
Алексей Холодов родился в 1978 году в Бишкеке (Киргизия). Его первым педагогом была Г. Н. Колесникова, которая способствовала всестороннему раскрытию потенциала своего одаренного ученика.
В Бишкеке Алексей окончил Музыкальное училище имени Куренкеева в классе Т. К. Карелиной. Во время учебы дважды становился лауреатом Республиканских конкурсов. Продолжил обучение в Российской академии музыки имени Гнесиных и ассистентуре-стажировке в классе профессора Аркадия Севидова. В настоящее время стажируется в его классе в Московской консерватории.
Алексей Холодов с успехом участвовал во многих международных конкурсах в Великобритании, Австрии, Италии, Сербии и Украине. Среди его наград — диплом Международного конкурса молодых пианистов памяти В.
Горовица в Киеве (2001), специальный приз Bösendorfer на Международном конкурсе имени И.
Брамса в Пёртшахе (Австрия, 2001), Первая премия на Международном музыкальном конкурсе Euterpe в Бари-Корато (Италия, 2010) и Третья премия на Международном конкурсе пианистов PremioEuterpe в Корато (Италия, 2012).
Алексей Холодов часто выступает с сольными и камерными концертами в городах России, Украины, Киргизии, Германии, Австрии и Италии.
Неоднократно играл с Государственным академическим симфоническим оркестром национальной телерадиокомпании Кыргызской Республики. Награжден дипломами различных музыкальных фестивалей.
Сотрудничает с Московской филармонией, участвует в авторском цикле концертов Светланы Виноградовой «Впередсмотрящий». Также принимает участие в проектах фонда «Бельканто».
Пабло Пикассо: “Я – лишь клоун. Будущее в искусстве за теми, кто сумеет кривляться”
Подробнее
Кто же он такой? Гений или авантюрист? Художник или продавец своего имени?.. “Пикадор” – так назвал свою первую работу восьмилетний Пабло Пикассо. В 16 лет он поступил в Академию искусств, но жил с мадридскими друзьями по местным правилам: “утром – церковь, днём – коррида, вечером – бордель”. В 19 лет он написал на автопортрете “Я – король” и отправился покорять Париж.
“Мама сказала: “Если ты изберёшь путь солдата, быть тебе генералом, захочешь быть монахом – станешь Папой”. Но я стал Пикассо”.
ПиккассО, на французский манер. Маленький вспыльчивый андалузец буквально распугал Монмартр своей одарённостью. Однако денег она не приносила, и зимними вечерами Пабло топил камин своими работами. Эмоциональными, гармоничными, никому не нужными. И тогда он придумал кубизм.
“Прощай, сходство!” – воскликнул художник. Глядя на жуткие маски вместо лиц, друзья шутили, что скоро Пабло заставит людей есть паклю и пить керосин. Тем не менее дело пошло быстрее. Однажды какая-то дама пришла покупать его работу: “Маэстро, лошадь не похожа на лошадь”. – “Дорогая, я же вам не лошадь продаю, а картину”. – ответил Пикассо.
Своим успехом Пикассо обязан русскому миллионеру Сергею Щукину, который, шарахаясь от его картин, всё же купил одну. Когда он к ней привык, все художники мира вмиг показались ему пресными. После этого Щукин купил ещё 50 его произведений.
“Для меня существует лишь два типа женщин – богини и тряпки для вытирания ног”.
Его богиней стала русская балерина Ольга Хохлова – их познакомил Сергей Дягилев. Они обвенчались и зажили как буржуа, которых раньше терпеть не мог Пикассо. Он выходил в свет, носил смокинг и золотые часы в кармане жилета, пока вдруг всё это ему не надоело. И тогда он превратил Богиню в тряпку.
“Каждый раз, когда я меняю женщин, я должен сжечь последнюю. Так я продлеваю молодость”.
Ольга не давала Пабло развод, несмотря на бесконечных любовниц. Обезумев от горя, она атаковала его письмами, но ни разу не получила ответа. Он даже не приехал на её похороны.
На женщинах демонического испанца было словно проклятье: Мария Тереза Вальтер повесилась, Дора Маар сошла с ума, Жаклин Рок застрелилась. Страшной участи избежала лишь Франсуаза Жило. Она успела уйти сама, не в силах жить со “всемирно известным памятником”.
“Мир сегодня не имеет смысла. Так почему я должен рисовать картины, в которых смысл есть?”
Русский философ Бердяев сказал, что на картинах Пикассо видно, что с миром что-то не то. Взять хотя бы знаменитую “Гернику”, на которой изображена бомбардировка баскского городка во время гражданской войны в Испании.
В 1940 году через некоторое время после вступления германских войск в Париж к Пабло Пикассо пришли из гестапо. На столе художника находились открытки с репродукцией “Герники”. “Это Вы сделали?” – задали мастеру риторический вопрос о картине. “Нет, – ответил он, – это сделали вы”.
“Настоящие художники – Рембрандт, Джотто. А я – лишь клоун. Будущее в искусстве за теми, кто сумеет кривляться”.
Кем же он был, Пабло ПикассО, он же ПикАссо? Пикадором? Или Быком? А может, красной тряпкой для коллег и публики?.. Художником, который одной рукой рисовал голубку, а другой – взрывал сознание своим кубизмом? Мир будет спорить ещё долго.
«Бык» Пикассо, или Быстрый способ наполнить жизнь радостью
Признаюсь, меня до сих пор привлекают быстрые способы чего-то достичь. Конечно, за пять минут мало что можно успеть. Но если вкладывать каждый день всего лишь пять минут во что-то интересное — такая копилка может эффективно заработать. Особенно, если предмет приложения усилий — один и тот же.
Начало
А началось все так. Однажды на четвертой неделе участия в проекте Стодневка – экспедиция к новому Я, когда запал энергии уже не такой как в начале — мне стало интересно, чтобы такого сделать или изучить стоящего, но при этом не вкладывать чрезмерные усилия.
Буквально из воздуха пришла идея научиться карандашом рисовать что-то одно. И появилась идея — почему бы не взять известное изображение «Бык» Пабло Пикассо — и не научиться рисовать только и именно его, чтобы проще и быстрее. Как минимум — просто научусь его копировать, максимально — пойму его суть, как это сделал Пикассо.
Постановка задачи
Рука давно не бралась за карандаш, да и не учился я этому нигде. Без навыков, в общем. Решил до конца стодневки, каждый день срисовывать быка карандашом на лист А4. Чтобы в итоге получилось 20-30 листов. Интересно было, насколько хорошо получится последний бык.
Это довольно показательное упражнение на эффективность. Всего пять минут в день. Очень понятная фокусировка и достижимая цель. Одно и то же животное. Должно же оно эволюционировать, вместе с навыком. Первый бык был смешной, с непонятной физиономией, но все равно мой. А как образ упорства — он сам подобрался.
Каждый следующий нарисованный бык становился на черточку лучше. Каждый день я видел и в оригинале картины на черточку больше. Мой бык немного менялся и мне это нравилось. И нравилось, что я почти не затрачиваю усилий — рисовал обычно вечером, после чашки чая, несколько минут.
В конце образовалась целая стопка изрисованной бумаги:
История повторяется
В своей серии литографий Пикассо сначала изобразил быка в максимальных подробностях, реалистично, а в следующих не останавливался и убирал лишнее.
В итоге последней литографией стало изображение всего из нескольких линий —«иероглиф быка».
Несмотря на пятиминутный объем задачи, меня захватил интерес и делая каждый день что-то небольшое и новое, я невольно реализовал какую-то свою логику прогресса.
- Прочитал историю этой литографии
- Затем начал размышлять, как рисовать, чтобы получилось лучше — сверху ли, снизу ли, какие линии важны, а какие второстепенны.
- Как-то раз загорелся соревноваться с собой и рисовать быка по памяти
- Когда уже более-менее освоил копирование оригинала, решил его развернуть зеркально в другую сторону. Надо сказать, что для моих нейронов это оказалось очень оживляющим упражнением. Рисовал как заново.
- Эксперементировал с размерами изображения, рисовал отдельные части быка —голову, торс, копыто.
Описание картины Пабло Пикассо «Смерть тореадора». Пикассо описание картины
Главная » Пикассо картины » Пикассо описание картины
Практически весь 1903 год Пабло Пикассо провел в Барселоне, где обзавелся множеством друзей. Для некоторых из них, очень молодой на то время художник написал портреты. Среди числа счастливчиков оказался и Солер, модный портной того времени, помогающий молодым художникам.
Известно, что Солер отдавал одежду в обмен на картины, ведь Пабло Пикассо, как и большинство художников, вел полу нищенский образ жизни. “Портрет Солера” стал не единственной работой, написанной для друга. В течении всей дружбы, которая длилась не один год, художник работал над картинами, посвященными Солеру, также изображая на них семью известного портного.
На данном портрете Солер изображён одиноко сидящим за столиком в кафе. Лицо выполнено в жёлтых оттенках с четкой прорисовкой всех мелких деталей. Художник изобразил его выражение меланхоличным и печальным, что было поистине присуще другу.
Фон изображен очень темными тонами, даже выглядывающие кисти рук из-под одежды выглядят бледно и приглушённо, весь акцент картины заключен непосредственно в лице, которое выглядит ярким пятном, среди глубокого полумрака.Пабло Пикассо в своей работе стремился обозначить элегантность и артистизм, присущую Солеру.
Показать всю красоту худощавого лица с аккуратной бородкой и приподнятыми кончиками тонких усов. Оно у портного бледное и призрачное, с присутствующим лёгким нервным напряжением.
Глядя на “Портрет Солера”, выполненный в темных сине-зеленых тонах, мы видим, сидящего перед нами человека, глаза которого полны печали и одиночества, заключенного среди людей. Именно эти чувства посещали и самого Пикассо в определенный период жизни. Возможно, в изображении друга, близкого художнику по духу, молодой Пикассо отразил и свой внутренний мир, с присущими ему эмоциями.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Акробаты мать и сын»
В период 1904г.-1906г. у известного итальянского художника Пабло Пикассо выдался особый этап в творческой жизни, в котором он наносил на холст только образы артистов, акробатов и циркачей. Именно в этот период Пикассо создаёт свой знаменитый шедевр “Акробаты (мать и сын)”.
Мы видим, как за столом расположились мать с сыном, одетые в обтягивающую цирковую одежду. Перед ними стоит практически пустая тарелка, одна на двоих. Мать задумчиво опустила голову на руку, но в глазах прослеживается глубокая печаль и безысходности, а сын, отвернувшись от матери, с любопытством смотрит в противоположную сторону.
Это был очень сложный период в семье цирковых артистов. Люди все время были в пути, вынужденные постоянно гастролировать, чтобы хоть как-то прокормить себя.
Глядя на пустую одинокую тарелку на столе, в которой должен был быть вкусный обед, понимаешь, на сколько, бедны были артисты, ведь заработанных денег катастрофически не хватало на нормальное существование.
Несмотря на отвергнутое лицо мальчика, также не сложно догадаться, какие эмоции присущи юному акробату, вынужденному уже с малых лет трудиться, чтоб заработать хоть какую-то копейку для своей семьи.
Период, в который была написана картина “Акробаты (мать и сын)” условно получил название “розовый”, ведь для большинства работ Пабло Пикассо использовал сочетание именно розового оттенка, разбавляя его золотыми и серыми тонами. Данная картина не является исключением.
Весь задний план заполнен теплой гаммой нежного розового оттенка, приближенного к нежному красному цвету. Костю мальчика для выступления художник изобразил в контрастном синем цвете с белоснежным жабо на шее и рукавах.
Примечательно, что для своих работ данного периода, Пикассо использовал реальных персонажей из цирка Медрано.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Петух»
В довоенный период, когда Пабло Пикассо увлекся сюрреализмом, воплощая в нем свою бурную, не поддающуюся описанию фантазию, появилось цветное графическое изображение под простым названием “Петух”. Картина написана в стиле экспрессионизма, притягивая взгляд к грубому графическому изображению домашней птицы яркими красками, показав необыкновенную красоту и в то же время присущую ей тупость.
Картина выполнена в сочных, красочных тонах, где тщательно прорисована каждая часть петуха. Более детально изучив картину, стоит обратить внимание, что художник прибегнул ещё к одному жанру, используя кубизм в определенных элементах. Петух стоит, открыв клюв, в котором виднеется длинный язык. Насыщенной алой краской прорисованы детали головы петуха и гребешок.
Крупными мазками яркой контрастной друг другу краски выделены перья птицы, покрывающие все маленькое тельце. На ногах петуха выделяются острые шпоры, которые он с гордостью демонстрирует зрителю.
Фон обозначен достаточно просто и незамысловато, художник решил оформить его плавными бежевыми разводами, которые своей невзрачностью и блеклостью позволяют ещё больше выделить красоту главного образа голосистой птицы.
Работая над картиной “Петух” Пабло Пикассо стремился показать всю роскошь и в то же время абсолютную дурость и агрессию, присущую данной птице. Художник изобразил его без лишних деталей и сложных мазков, также, не используя игру света и тени, однако, картина настолько притягивает взгляд, что стала одной из самых узнаваемых работ именитого автора.
Пабло Пикассо создал целую серию картин, главным героем которых был непосредственно петух. Эти работы привлекательны своей ненавязчивой простотой и в то же время яркой современной оригинальностью, присущей только работам Пикассо.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Смерть тореадора»
Коррида была излюбленным зрелищем Пабло Пикассо с самого детства. Он регулярно приходил на арену, где видел не только победы тореадора, но и их полнейшие поражения. Художник много раз изображал бой быков в своих картинах, но самой популярной из них стала “Смерть тореадора”, написанная в стиле излюбленного автором сюрреализма в 1933 году.
На картине “Смерть тореадора” художник изображает одновременно быка, который для него служил олицетворением мужского начала, и лошадь – женского. Если посмотреть на картину глазами автора, то мы видим, что в этих образах присутствует вечное столкновение полов, борьба мужчины с женщиной.
Далее перед нами раскрывается тревожный сюжет, в котором огромный бык тащит на своих мощных рогах беспощадного тореадора, предчувствующего свою приближающуюся погибель. Его лицо мы видим выглядывающим из-под красного куска ткани, в котором Пикассо оставил некую загадку.
Если тореадор сможет одолеть своего рогатого соперника, то это будет просто его красной накидкой, если произойдет все наоборот, приобретя печальный исход, это красное пятно означает кровь, струящуюся из тела умирающего человека.
Судя по названию картины нужно склоняться ближе ко второму варианту, однако, зная непредсказуемость и неординарность мысли художника можно найти и другой тайный смысл этого действия.
Пабло Пикассо зачастую изображал образы героев с двойственным смыслом. Даже на картине “Смерть тореадора”, бык представлен не только как убийца, но и такой же жертвой, как и побежденный им человек.
Если всмотреться, то мы видим, что на морде зверя присутствует вовсе не дикая ярость, а всего лишь необычайное удивление.
Картина пропитана экспрессией и мотивами сюрреализма, которые способны до конца понять только истинные ценители искусства Пабло Пикассо.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Пьеро»
Испанский художник и декоратор Пабло Пикассо был основоположником кубизма в жанре живописи. Его работы были пронизаны эпохой классицизма. Эта направленность сопровождалась строгими канонами, которые придавали изображениям формы, соответствующие мирозданию. Художник любил кубический стиль, так как картины отличались своей тонкостью передачи чувств.
Работа «Пьеро» была создана в период классического начала ровных форм. Актёрская игра для Пикассо стала значимой стороной в изображении кубических образов.
Грустный кукольный герой изображён на стуле, с опущенной головой. Его задумчивый взгляд напоминает чувства, когда нужно выходить на сцену, а ты боишься и теряешься.
Пьеро, по сути, всегда выступает печальным и трагическим героем театральной игры.
При написании картины художник отчётливо выражает белый костюм актёра, с некоторыми разноцветными линиями. Непосредственность и угрюмость актёра, заставляет наблюдателей замирать. Пьеро не смог использовать время для счастливой жизни.
Его удел играть на сцене, и развлекать зрителей. Поток красок театральной комнаты, больше напоминает кабинет мыслителя, об этом свидетельствует книга на столе.
В целом картина составлена композиционно и правильно, что подчёркивает профессионализм художника.
Гигантская сила труда показывает не только восприимчивость живописца к творческой проблематике, но и говорит о его личности. Полное перечисление циклов жизни художника встречается в каждой его работе. Воплощение многих парадоксов увлекает зрителя, и втягивает в мир вдохновений.
Традиционный стиль живописи присутствовал в шедеврах Пикассо всегда, он умело воссоздавал изображения, как вызов прошлому, так и реальности. Пабло Пикассо – успешный деятель, творчество, которого практически никогда не поддавалось критике.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Дриада»
Великолепную габаритную картину «Дриада» или «Обнаженная в лесу», Пабло Пикассо написал маслом на холсте в свой африканский период.
Искусство Африки всегда привлекало художника. Он восхищался выставочными экспонатами в музеях, восторгался необычной притягательной силой магии скульптур, которые часто были грубыми, однако очень притягательными.
Картины была написана в 1908 году. Живописец изобразил на картине не то женщину, не то идола из дерева. Создается впечатление, что он просто вытолкнул из чащи древний лесной дух-божество – дриаду.
Мастер кисти считал, что магию матушки-природы можно с легкостью передать магией красок.
В раннем кубизме картина «Дриада» выгодно выделяется тем, что она наполнена энергией жизни, ведь деревянный истукан – не застывшая фигура, а жестикулирующая Галатея.
О том, что к написанию «Дриады» Пикассо подошел по-особенному, свидетельствует размер полотна. Тщательно продуманную композицию художник перенес на большой холст. Это говорит о том, что картина довольно значима.
Фон полотна своеобразен. Скульптурная фигура обрамлена двумя стволами мертвенных деревьев, которые образуют нишу. Сама же дриада выдвинута вперед. Цветовое решение тоже специфическое: лицо затемненное, а во всем образе преобладает оттенок желтой охры.Главное, что впечатляет зрителя при рассматривании «Дриады», – упрощенная манера написания и огрубление при изображении женского тела.
К подобным действиям живописца побуждал эпатаж, ведь Пикассо стремился с помощью самых простых методов передать реальность. Его произведение не свелось к геометризации, оно имеет собственный смысл.
Таинственный мир «Дриады» мрачный, открыт для темных сил, его не озаряет свет солнца. Силуэт женщины, исполненный в коричневых оттенках (от светлого до темного) немного вульгарен, со скрытой энергией. Это свидетельство того, что художник часто размышлял над противоречивостью человеческой природы.
opisanie-kartin.com
Описание картины Пабло Пикассо «Семья вместе»
Творческую жизнь Пабло Пикассо можно четко разграничить по так называемым периодам: увлечение кубизмом, активная работа в стиле сюрреализма, постимпрессионизм, загадочные «голубой» и «розовый» художественные периоды.
Рассматриваемая работа «Семья вместе» 1903 года относится к периоду «голубому». А все потому что с 1902 до 1905 год испанский живописец творил в мрачных, холодных тонах синего оттенка. В это время он обращался к пугающим и больным темам: старость, нужда, разного рода страдания.
Искусствоведы считают, что толчком к подобным проявлениям в художестве было трагическое самоубийство друга Пикассо. Сам автор в эти годы тоже мало радовался солнцу, находясь в большой нужде.
Спасением для юного художника были любые заказы. В 1903 году к живописцу обратился товарищ Солер – успешный портной из Барселоны. Клиент пожелал получить собственный портрет, его жены и семейное изображение. В картине «Семья вместе» воплощено третье пожелание заказчика.
«Семья вместе» написана в жанре, популярном у французских импрессионистов, – «завтрак на траве». Мы видим позирующих членов большой семьи: муж с женой, их четверо маленьких детей, домашний питомец. Каждое лицо изображено с индивидуальными чертами, но общая схематика лиц однотипная, что очень характерно для Пикассо.
В центре холста – смятая белая скатерть с фруктами, пустой тарелкой, упавшей бутылкой и тушей кролика на ней; сбоку – охотничье ружье.
Хотя в семейном портрете соблюдена голубоватая гамма того периода творчества Пикассо, все же изображение лишено налета трагизма. Парадоксально, но синий на этой картине кажется теплым цветом, уютным, дружественным и располагающим.
Пикассо, как всегда, оказался на высоте: полотно прославилось в мире и попало в Музей современного искусства в бельгийском городе Льеже.
opisanie-kartin.com
