Содержание
Известные картины Кандинского
Подборка знаковых работ пионера абстрактных искусств.
Василий Кандинский
Василий Кандинский (1866–1944) — русский художник, пионер абстрактного искусства. Он полагал, что цвет — важнейшее средство передачи эмоций и главный инструмент художника.
В список важнейших работ одного из самых влиятельных художников двадцатого века можно включить следующие картины.
Черные линии
Период с 1910 по 1914 считается пиком творческой активности Кандинского, и эта картина является прекрасной иллюстрацией его личности в то время. В одной из первых по-настоящему абстрактных картин художник использует черные линии и яркие цвета, создавая диссонанс.
Композиция X
Кандинский называл некоторые из своих работ импровизациями — если они создавались спонтанно, а некоторые — композициями, и тогда в число входили более сложные произведения. Для выделения ярких форм используется черный фон. В целом, в картине автор стремится создать в зрителе духовный резонанс, что характерно для позднего этапа карьеры художника.
Несколько кругов
Мастер создавал многочисленные произведения искусства с использованием геометрических форм, в том числе круга, чью важность и символичность художник передает в этой гармоничной картине.
Синий всадник
Данная картина предшествует абстрактному периоду Кандинского и демонстрирует бегущую лошадь. Наездник обозначен не конкретными деталями, а лишь цветом, давая волю воображению зрителя. Методы, примененные при создании этой картины, и позже будут использоваться художником.
Жёлтое-красное-синее
Работу «Жёлтое-красное-синее» можно рассматривать как симфонию идей супрематизма ибаухауза. Условно, композиция разделена на две части. Первая наполнена геометрическими фигурами и яркими красками, а вторая абстрактными формами и темными оттенками.
Первая абстрактная акварель
Данная работа интересна тем, что является первым беспредметным произведением художника и не имеет официального названия. Кандинский впервые сумел создать произведение искусства вне западноевропейских традиций.
Композиция VIII
Произведение, представляющая синтез элементов супрематизма, популярного в то время конструктивизма и баухаусной школы со всей рациональностью геометрических форм, является полной противоположностью предыдущей работы серии.
Квадраты с концентрическими кругами
В основу многих работ художника легли исследования эмоциональных и экспрессионистских свойств цвета. Данная работа представляет один из этих экспериментов. Цветной эскиз можно рассматривать как анализ эффектов восприятия зрителями различных контрастных цветов и форм.
На белом II
Знаковая для современного искусства 20-го века картина изображает геометрические формы в великолепной цветовой гамме. Существует ряд трактовок данного произведения, но самым популярным остается версия, трактующая белый фон как отражение мира и жизни, а черный — небытия.
Композиция VII
Написанная в самый плодотворный период художника, композиция пронизана апокалиптическим и эсхатологическим настроением. Закрученный ураган цветов и форм позволяет считать «седьмую» композицию одной из самых сложных работ Кандинского.
Загрузка …
Презентация на тему “Абстракционизм. В. Кандинский”
Инфоурок › Другое › Презентации › Презентация на тему “Абстракционизм. В. Кандинский”
Описание презентации по отдельным слайдам:
1 слайд Описание слайда:
Василий Кандинский
2 слайд Описание слайда:
Родился в Москве 22 ноября 1866 года. Еще в гимназические годы начал активно заниматься музыкой и живописью. С 1885 Кандинский изучал юриспруденцию в университете в Москве, но в дальнейшем решил посвятить себя искусству. С 1897 года жил в Мюнхене, где занимался в местной Академии художеств. Много путешествовал по Европе и Северной Африке.
В 1910 году Кандинский создал первые абстрактные живописные импровизации и завершил трактат “О духовном в искусстве”. В 1914 Василий Кандинский вернулся в Россию, где жил в основном в Москве. В 1918 Кандинский издал автобиографическую книгу “Ступени”.
Активно включился в общественную и гуманитарно-исследовательскую деятельность, входил в состав Наркомпроса, Института художественной культуры (Инхук) и Российской академии художественных наук (РАХН), преподавал в Высших художественно-технических мастерских (Вхутемас), однако, не приняв коммунистическую идеологию, навсегда покинул Россию в 1921 году. Проживал в Германии.
После прихода нацистов к власти в 1933 году переехал во Францию, где жил в Париже и его пригороде Нёйи-сюр-Сен. Умер Кандинский в Нейи-сюр-Сен 13 декабря 1944 года.
3 слайд Описание слайда:
Пара, едущая верхом на коне 1906-1907, Ленбаххаус, Мюнхен
4 слайд Описание слайда:
Пестрая жизнь 1907, Ленбаххаус, Мюнхен
5 слайд Описание слайда:
«Осень в Мурнау», 1908 год Постепенный переход к абстракции отмечен экспрессионизмом в пейзаже.
6 слайд Описание слайда:
«Дома в Мюнхене» были написаны В. Кандинским в 1908 году тем живым цветом, который впоследствии стал его «визитной карточкой»
7 слайд Описание слайда:
«Первая абстрактная акварель», 1910 год Эта работа имеет историческую ценность, как первая полностью абстрактная акварель Кандинского.
8 слайд Описание слайда:
К 1912 году художник начал писать абстрактные картины наподобие «Импровизации №26» («Гребля»). Резкие черные линии изображают весла и являются ключом к картине.
9 слайд Описание слайда:
«Композиция VI», 1913 год После обширной подготовки к написанию этой картины, Кандинский закончил её в течение трех дней, повторяя как мантру для вдохновения немецкое слово «uberflut», что означает наводнение.
10 слайд Описание слайда:
«Москва», 1916 год Кандинский говорил, что Москва – это сложный и подвижный город. Он называл её путаницей, где переплетаются события, судьбы и люди. Но при этом для него Москва – это самый красивый город на планете Земля.
11 слайд Описание слайда:
«На белом II», 1923 год Визуальное представление на двух основных нюансах – черном и белом. Две противоположности создают сильный контраст, сохраняя напряжение в живописи, которая имитирует борьбу между жизнью и смертью.
12 слайд Описание слайда:
«Черный и фиолетовый», 1923 год Одна из картин, написанных после возвращения в Германию. По-прежнему богатые цвета в композиции, но отчетливо острый геометрический поворот оттесняет лирические мазки.
13 слайд Описание слайда:
«Желтый, красный, синий», 1925 год Как следует из названия, это в первую очередь изучение потенциала основных цветов, которые украшают геометрическую композицию.
14 слайд Описание слайда:
«Композиция X», 1939 год Эта картина написана под влиянием музыки. Визуальные элементы пропорциональны музыкальным составляющим идеальной симфонии. Кандинский полагал, что это и есть секрет истинной живописи.
15 слайд Описание слайда:
org/kandinskij-vasilij-vasilevich–kazaki/ Кандинский Василий Васильевич. http://www.kandinsky-art.ru/ Cameralabs . http://cameralabs.org/5418-znamenitye-kartiny-vasiliya-kandinskogo Кандинский. http://www.wassilykandinsky.ru/ Музей-онлайн. http://www.museum-online.
ru/Abstract_art/Wassily_Kandinsky/ и другие
16 слайд Описание слайда:
Презентацию подготовила Шавыркина Н.Ю. 2016 г.
Общая информация
Оставьте свой комментарий
Авторизуйтесь, чтобы задавать вопросы.
ТОП-5 художников в стиле абстракционизм
Содержание:
В прошлом веке абстрактное направление стало настоящим прорывом в истории искусства, но вполне закономерным — человек всегда находился в поиске новых форм, свойств и идей. Но и в нашем веке этот стиль искусства вызывает немало вопросов. Что же такое абстракционизм? Поговорим об этом далее.
Абстракционизм в живописи и искусстве
В стиле абстракционизм художник использует визуальный язык форм, контуров, линий и цветов, чтобы интерпретировать предмет.
Это контрастирует с традиционными формами искусства, которые получают более литературную интерпретацию предмета – передают «реальность».
Абстракционизм же уходит как можно дальше от классического изобразительного искусства, насколько это возможно; представляет предметный мир совсем не так, как в реальной жизни.
Абстракционизм в искусстве бросает вызов уму наблюдателя, точно так же, как и его эмоциям – чтобы полностью оценить произведение искусства, наблюдатель должен избавиться от необходимости понять, что художник пытается сказать, а должен сам почувствовать ответную эмоцию. Все аспекты жизни поддаются интерпретации через абстракционизм — вера, страхи, страсти, реакция на музыку или природу, научные и математические вычисления, и т. д.
Это направление в искусстве возникло в XX веке, наряду с кубизмом, сюрреализмом, дадаизмом и другими, хотя точное время неизвестно. Основными представителями стиля абстракционизм в живописи принято считать таких художников, как Василий Кандинский, Робер Делоне, Казимир Малевич, Франтишек Купка и Пит Мондриан. Об их творчестве и важных картинах речь и пойдет дальше.
Картины известных художников: абстракционизм
Василий Кандинский
Кандинский был одним из пионеров абстрактного искусства. Свои поиски он начинал в импрессионизме, а уже потом пришел к стилю абстракционизм.
В своем творчестве он эксплуатировал взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, который бы охватывал одновременно и видение, и эмоции зрителей.
Он считал, что полная абстракция дает простор для глубокого, трансцендентного выражения, а копирование реальности только мешает этому процессу.
Живопись была глубоко духовной для Кандинского. Он стремился передать глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, который превзошел бы физические и культурные границы.
Он видел абстракционизм как идеальный визуальный режим, который может выразить «внутреннюю необходимость» художника и передать человеческие идеи и эмоции.
Он считал себя пророком, чья миссия – делиться этими идеалами с миром, на благо общества.
«Композиция IV» (1911)
Скрытые в ярких цветах и четкие черные линии изображают несколько казаков с копьями, а также лодки, цифры и замок на вершине холма. Как и во многих картинах этого периода, она представляет собой апокалиптическое сражение, которое приведет к вечному миру.
Для того, чтобы облегчить разработку беспредметного стиля живописи, как описано в его работе «О духовном в искусстве» (1912), Кандинский уменьшает объекты до пиктографических символов.
Благодаря удалению большинства отсылок ко внешнему миру, Кандинский выразил свое видение более универсальным образом, переведя духовную сущность предмета через все эти формы в визуальный язык.
Многие из этих символических фигур были повторены и уточнены в его поздних работах, став еще более абстрактными.
Казимир Малевич
Идеи Малевича о форме и значении в искусстве так или иначе приводят к концентрации на теории стиля абстракционизм. Малевич работал с разными стилями в живописи, но больше всего был сосредоточен на исследовании чистых геометрических форм (квадраты, треугольники, круги) и их отношении друг к другу в изобразительном пространстве.
Благодаря своим контактам на Западе Малевич был в состоянии передать свои идеи о живописи друзьям-художникам в Европе и Соединенных Штатах, и таким образом глубоко воздействовать на эволюцию современного искусства.
«Черный квадрат» (1915)
Культовая картина «Черный квадрат» была впервые показана Малевичем на выставке в Петрограде в 1915 году. Эта работа воплощает в себя теоретические принципы супрематизма, разработанные Малевичем в его эссе «От кубизма и футуризма к супрематизму: новый реализм в живописи».
На полотне перед зрителем находится нарисованная на белом фоне абстрактная форма в виде черного квадрата – она является единственным элементом композиции. Несмотря на то, что картина кажется простой, на ней присутствуют такие элементы, как отпечатки пальцев, мазки кистью, проглядывающие через черные слои краски.
Для Малевича квадрат обозначает чувства, а белый – пустоту, ничто. Он видел черный квадрат как богоподобное присутствие, икону, словно она могла стать новым священным образом для беспредметного искусства. Даже на выставке эта картина была размещена на том месте, где в русском доме обычно располагают икону.
Пит Мондриан
Пита Мондриана, являющегося одним из основателей голландского движения «Де стиль», признают за чистоту его абстракций и методичную практику. Он довольно радикально упрощал элементы своих картин, чтобы отображать то, что он видел, не напрямую, а образно, и создавать четкий и универсальный эстетический язык в своих полотнах.
В своих наиболее известных картинах с 1920-х годов Мондриан сводит формы к линиям и прямоугольникам, а палитру – к самой простой. Использование асимметричного баланса стало основополагающим в развитии современного искусства, а его культовые абстрактные работы сохраняют свое влияние в дизайне и знакомы популярной культуре и в наши дни.
«Серое дерево» (1912)
«Серое дерево» является примером раннего перехода Мондриана к стилю абстракционизм. Трехмерное дерево сокращается до простейших линий и плоскостей, с использованием всего лишь только серых и черных оттенков.
Эта картина является одной из серии работ Мондриана, созданных с более реалистичным подходом, где, к примеру, деревья представлены натуралистично.
В то время как более поздние произведения становились все более абстрактными, например, линии дерева уменьшаются до тех пор, пока форма дерева не станет едва заметной и вторичной по отношению к общей композиции вертикальных и горизонтальных линий.
Здесь еще можно увидеть интерес Мондриана к отказу от структурированной организации линий. Этот шаг был значительным для развития чистой абстракции Мондриана.
Робер Делоне
Делоне был одним из самых ранних художников стиля абстракционизм. Его творчество повлияло на развитие этого направления, основываясь на композиционном напряжении, которое было обусловлено противопоставлением цветов.
Он довольно быстро попал под нео-импрессионистское колористическое влияние и очень внимательно следил за цветовым строем работ в стиле абстракционизм.
Цвет и свет он считал главными инструментами, с помощью которых можно повлиять на предметность мира.
К 1910 году Делоне сделал собственный вклад в кубизм в виде двух серий картин, изображающих соборы и Эйфелеву башню, которые соединили в себе кубические формы, динамику движения и яркие цвета.
Этот новый способ использования цветовой гармонии помог отделить данный стиль от ортодоксального кубизма, получив название орфизм, и сразу же повлиял на европейских художников.
В этом же стиле продолжила писать картины жена Делоне, художница Соня Терк-Делоне.
«Эйфелева башня» (1911)
Главная работа Делоне посвящена Эйфелевой башне — знаменитому символу Франции. Это одна из самых внушительных из серии одиннадцати картин, посвященных Эйфелевой башне между 1909 и 1911 гг.
Она окрашена в ярко-красный цвет, что сразу отличает ее от серости окружающего города. Внушительный размер холста дополнительно усиливает величие этой постройки.
Как привидение, башня возвышается над окружающими домами, в переносном смысле потрясая сами основы старого порядка.
Картина Делоне передает это чувство безграничного оптимизма, невинности и свежести времени, которое еще не стало свидетелем двух мировых войн.
Франтишек Купка
Франтишек Купка – чехословацкий художник, рисующий в стиле абстракционизм, окончивший Пражскую академию искусств. Будучи студентом, он, прежде всего, рисовал на патриотические темы и писал исторические композиции.
Его ранние произведения были более академическими, однако, его стиль развивался на протяжении многих лет и в итоге перешел в абстракционизм.
Написанные в очень реалистической манере, даже его ранние произведения, содержали мистические сюрреалистические темы и символы, что сохранилось и при написании абстракций.
Купка верил, что художник и его творчество принимают участие в продолжительной созидательной деятельности, природа которой не ограничена, как абсолют.
«Аморфа. Фуга в двух цветах» (1907-1908)
Начиная с 1907-1908 гг., Купка стал рисовать серию портретов девушки, держащей шар в руке, как будто она собиралась играть или танцевать с ним. Затем он разработал все более схематические ее изображения, а в конечном счете, получил серию полностью абстрактных рисунков. Выполнены они были в ограниченной палитре красного, синего, черного и белого цветов.
В 1912 году, в Осеннем салоне, одна из таких абстрактных работ была впервые публично выставлена в Париже.
Стиль абстракционизм не теряет своей популярности и в живописи XXI века – любители современного искусства не прочь украсить таким шедевром свой дом, и работы в этом стиле улетают с молотка на всевозможных аукционах за баснословные суммы.
Узнать еще больше об абстракционизме в искусстве вам поможет следующее видео:
Журнал “PostKlau”
Нина Ломоносова
“Описание и анализ «Композиция VII» В.В. Кандинского”
(искусствоведческая рецензия)
Художник: Василий Васильевич Кандинский (1866 – 1944гг.) Произведение: «Композиция VII»
Дата завершения: .
Место создания: Munich / Monaco, Germany. Стиль: Абстракционизм Серии: Композиции (было создано 10 композиций) Жанр: абстрактная живопись (Абстракционизм или беспредметное искусство, сложилось на почве логического завершения тенденций кубизма и футуризма. Эти два направления модернистского искусства абстрагировали творческий процесс от предметного мира.
Беспредметное искусство (абстракционизм) было занято выявлением тайн мировой жизни и человеческого познания. Сокровенная истина об окружающем нас мире, о природе его форм, пропорций неизменно оставалась в центре внимания мастеров изобразительного искусства начала XX столетия.
) Техника: масло (цветовая гамма, насыщенность и соотношение цветов, характерно художника) Материал: холст
Размеры: 200 x (монументальное полотно)
Сохранность: идеальная
Провенанс: «Композиция VII» была написана Кандинским в Мюнхене, в период его пребывания в Германии. Сразу же после того, как она была закончена, она попала на выставку в Кёльне. Уже в апреле месяце она была в Одессе, на весенней выставке и экспонировалась там.
Художник считал эту картину одной из основных своих работ, неоднократно выставлял ее и хранил у себя до самого отъезда из России (затем передал в Музей нового западного искусства). Сейчас “Композиция VII” хранится в Третьяковской галерее. Подпись: в левом углу, внизу.
Галерея: Государственной Третьяковской галерея
10. (9 зал, Инв. 13230) “Композиция VII” поражает виртуозным сочетанием эмоционально-чувственного выражения с продуманностью структуры в целом. Художник мечтал раскрыть своим искусством новый “дух времени”, который должен воплотиться в наступающей эпохе “Великой Духовности”. Он считал, что задача искусства – отскабливать с души человека покровы материального. “С самого начала, – писал художник, – уже одно слово “композиция” звучало для меня, как молитва”. Это монументальное полотно, одно из самых известных художественных произведений Кандинского. Первая его композиция датируется 1910 годом, последняя – 1939. “Композиции” прошли через все творчество автора, от первых его шагов на пути к абстракции, до последнего «биоморфного» парижского периода. К сожалению, первые три были уничтожены во время Второй мировой войны, сохранились только их фотографии. Предварительно Кандинский сделал более тридцати карандашных набросков, прежде чем приступить к чистовому изображению. Акварелью и маслом, в которых отработал отдельные детали и общий замысел будущего произведения. Подобно старым мастерам, он переносит композицию на холст с помощью подмалевка, предварительного рисунка в цвете на холсте. Удивительно, но после того, как художник завершил длительную предварительную работу, сама композиция была написана всего за четыре дня, что подтверждено фотографиями, сделанными между 25 и 28 ноября 1913 года. Построение изображения на плоскости у Кандинского представляется цельным и взвешенным, но при этом имеет сложную структуру. Четкие черные линии окружают участки интенсивного цвета. Такие линии начиная с 1911 года будут характерны для творчества художника и на протяжении последующих двух десятилетий. В период работы в “Баухаузе”, они являются непременным атрибутом большинства работ. Кандинский по-своему трактует законы перспективы. Мгновенно притягивает внимание центральная часть композиции, смещенная с середины холста не много влево. Здесь появляется главный мотив – овальная форма, пересекаемая неправильным прямоугольником, безусловно воспринимается как центр, окруженный вихрем цветовых пятен и форм, соблюдая правила академического построения, когда «центр изображения» не должен совпадать с центром полотна). Вся картина пронизывается белым сиянием, создается эффект внутреннего освещения. Белая краска играет роль фона, основы всей композиции. Черная же подчеркивает отдельные элементы, очерчивая их и выступая отдельными, самостоятельными линейными объектами. Низший край композиции зрительно выдвигается вперед за счет утяжеляющих его элементов. Левый угол четко очерчивается. Правая часть изображения напротив наполнена вязкими переходящими друг в друга цветовыми пятнами. Один цвет растворяясь переходит в другой. Преобладают светлые краски в сочетании с контрастными цветами и энергичными четкими линиями. Желтый и синий цвета, выступая отдельными чистыми цветами, создают контраст. Смешиваясь между собой дают дополнительные, более сложные цвета. В картине присутствует несколько композиционных осей, делящих полотно на взаимосвязанные части, образуя сложную геометрическую фигуру, угол которой направлен вниз полотна. Плоскость превращена в пространство, наполненное движением, особенно это видно по композиционному центру. Ближе к краям художник меньше использует резких, черных линий. Верхняя часть разбита на более мелкие цветовые пятна, без очерчивающих их черных линий. Это дает определенную мягкость, характерную для заднего плана. Черный присутствует, но не как подчеркивающий и резкий, а как глубокий и дальний. Сам же Кандинский рассматривал свои композиции, как главные заявления своих художественных идей. Они имеют ряд характеристик, выражающих эту монументальность: это впечатляюще большой формат, сознательное планирование композиции и трансцендентность представления, выраженная нарастанием абстрактного образа. Подобно тому, как симфонии являются вехами в карьере композитора, так композиции Кандинского представляют кульминацию его художественного видения в каждый конкретный момент его творческого пути. Цвет в его работе предстает мягким, громким, колючим, тихим. Как музыкальная композиция немыслима без движения, так и работа Кандинского не застывшее изображение, а наполненное жизнью и движением творение. “Композиция VII”, по праву считается вершиной художественного творчества В.В. Кандинского. Представляя абсолютное произведение – вырастающее само собой, как живое существо. Литература
Сайт ГТГ / http://www.tretyakovgallery.ru/ru/collection/_show/im..
Copyright PostKlau © 2014
Описание картины Василия Кандинского «Черный аккомпанемент». Знак василия кандинского картина
Главная » Кандинский картины » Знак василия кандинского картина
Картина написана маслом на холсте в 1919 году, в период рассвета творческого пути Василия Кандинского. Искусствоведы сравнивают «Белый овал» с воплощенной в картину музыкой, проникнутой состоянием души автора, его глубокими чувствами.
Такое мнение обоснованно, ведь художник, действительно, рассматривал своё творчество, как тандем цвета и музыки.
Каждым своим произведением, Кандинский пытался вызвать у зрителя чувство, соразмерное чувствам, возникшим от прослушивания музыкального произведения.
Данное изображение является ключевым в творчестве художника, как наглядное отражение перехода от абстрактного импрессионизма к систематизированному рациональному абстрактному искусству.
На черном, будто мраморном фоне, изображен овал несовершенной формы. Фон играет особую роль, выделяя и дополняя сюжет. Если взглянуть с другой стороны, то создаётся образ некого экрана, в котором сформирована композиция.
Каждая форма композиции представлена, как пространственная перспектива. Создан эффект «картины в картине». В основе композиции лежит черная ось, вокруг которой сгруппированы другие компоненты картины.
Ось словно перекрывая остальные элементы, выходит на первостепенный план.
Черные линии, располагающиеся по диагонали, придают баланс всем элементам, которые противоположно направлены.
Если окинуть «Белый овал» общим взглядом, то возникает ассоциация с очертаниями, похожими на человеческое сердце. Элемент композиции, находящийся в левом нижнем углу, вытянутый вверх, похож на фалангу пальца руки, которым кто-то хочет коснуться жизненно важного органа.
Формы произведения Кандинского имеют символический характер. Мастер открывает миру объективно-интеллектуальное положение, выражая свое отношение к революции и гражданской войне в стране.
opisanie-kartin.com
Описание картины Василия Кандинского «Картина с зелёным центром»
Картина написана маслом по холсту в 1913 году. Произведение с зелёным центром Василия Кандинского имеет традиционное композиционное построение. Художник выстраивает изображаемую композицию от центра. Именно таким образом написано изображение многих работ мастера. В представленной работе центральное место занимает фигура зелёного цвета. Фигура не неопределённой формы, не сомкнутая.
Картина написана в духе символизма. Каждый применённый цвет, использовался мастером, как определённый символ, который вызывает у зрителя определённые чувства.
Например: холодный синий оттенок символизирует прохладу, вызывает ассоциацию с морем, льдом, лунным светом или с освещенной темнотой; зелёный цвет имеет много оттенков, благодаря чему получает особую глубину звучания в произведении, символизирует спокойствие, играет роль нейтрализатора между жёлтым и синим оттенками; красный ассоциируется с огнём и кровью, символизирует внутренне движение; обилие жёлтого цвета в картине, придаёт работе художника динамизм и символизирует непреодолимое стремление к чему-либо.
Немало важную роль в картине имеет сочетание цветовой композиции. Содержание картины дополняет противопоставление цвета: красного и зелёного, синего и жёлтого, чёрного и белого.
Игра цветом выполнена мастером гениально и очень гармонично. Каждый оттенок имеет своё выражение в замысловатой форме.
Сочетание форм и цвета, порождает у зрителя иллюзию вибрирующих переливов, которые при рассматривании ощущаются даже физически.
Мастерское построение элементов изображения, идеально подобранное цветовое сочетание, делает произведение шедевральным. Глядя на картину с зелёным центром, можно сделать вывод о том, что её автор гениален, потому, как никто из последователей не смог написать подобный шедевр.
opisanie-kartin.com
Василий Кандинский: как понять творчество художника
Поговорили с искусствоведом Кириллом Алексеевым о том, как современному зрителю понять Кандинского.
— Почему Кандинский все еще важен сегодня?
— В начале ХХ века два художника — Кандинский и Малевич — заложили основы современного искусства. Малевич создал геометрическую абстракцию, Кандинский — органическую. Влияние этих концепций современный человек ощущает все время.
Причем если раньше преобладало в основном наследие Малевича (геометричность — в архитектуре, в дизайне), то сейчас начинает доминировать органика. Например, творчество недавно скончавшейся Захи Хадид тоже растет из этого корня.
— В чем Кандинский был новатор?
— Он выступал за идею смешивать все со всем, за синтез искусств. Кандинский соединял живопись и музыку.
Он не только писал полотна, в которых будто оживала музыка, но и создавал сценические композиции с танцами и пантомимой, в либретто которых была подробно записана световая партитура. Эти как бы театральные постановки и названия имели говорящие — «Зеленый звук», «Желтый звук».
То же — в его картинах: он использовал энергичные цвета и пастозные мазки (с явно выраженным направлением), чтобы создать ощущение движения, кипящей направленной энергии.
Василий Кандинский. Секущая линия, 1923 год
Василий Кандинский. Цветной эскиз. Квадраты с концентрическими кругами. 1913 год
— Насколько сильно было влияние Кандинского?
— В тот период Россия с точки зрения искусства была крайне передовой страной. Покинув ее, Кандинский поселился в Германии и дал ее искусству прививку этого новаторства, встряхнул его. Он создал ключевую немецкую художественную группу «Синий всадник». Вокруг него собирались не десятки, а сотни людей — подражателей, учеников. Импульс, который он задал, огромен.
— Рисовать «как Кандинский» легко любому?
— Кандинский на аукционах — весьма дорогой художник, и некоторым бы, конечно, хотелось, чтобы подделывать его было легко, однако это не так. Уж не говоря о том, что он чуть ли не единственный русский художник-авангардист, у которого есть свой каталог-резоне.
И все появляющиеся ниоткуда картины, которых в этом каталоге нет, крайне подозрительны. Главное — то, что кажущаяся беспорядочность абстракций Кандинского на самом деле весьма логична и продуманна (например, абсолютно зеленый цвет у него равен средним тонам скрипки, а светло-красный — фанфарам с призвуком трубы).
И воспроизвести это, не будучи самим Кандинским, невозможно.
www.culture.ru
Описание картины Василия Кандинского «Черный аккомпанемент»
Василий Васильевич Кандинский — русский живописец, основоположник абстракционизма. Талант к рисованию у него открылся лишь в 30 лет после знакомства с работой Моне «Стог сена». До этого момента Василий, получив юридическое образование, становится преподавателем. Немного позже Дерптский университет приглашает его на работу в качестве доцента, но Кандинский отказывается.
Будущий художник несколько раз менял место жительства, выбирая между Россией, Германией и Францией. В итоге Кандинский получил французское гражданство и перевез с собой жену.
В качестве художника Василий Васильевич посещает множество выставок по всему миру, преподает уроки живописи и совершенствует свои навыки под началом лучших мастеров своего времени.
Впоследствии Кандинский вырабатывает новаторскую концепцию ритмического использования цвета в живописи.
В своем творчестве он выделил основную линию для создания абстракционных работ, которые имели широкую популярность среди публики.
Картина «Черный аккомпанемент» была написана в 1924 году. В ней присутствуют различного рода геометрические фигуры, «наложенные» друг на друга. Работа наполнена необычным сочетанием ярких и броских цветов на черном размытом фоне.
Художник любил играть с воображением зрителя, подбирая самые разные формы изображения и цвета. Таким образом он знакомил общество со своим необычным видением окружающего, что стало настоящей сенсацией среди критиков-эстетов, которые сумели найти некий смысл в его работах.
Кандинский оперирует на сочетание не сочетаемого. В его полотнах можно рассмотреть обилие резких форм и вычурных цветов. Конкретная работа художника не стала одной из популярных картин, однако своего зрителя она нашла в серии полотен, посвященных эстетике геометрии.
opisanie-kartin.com
Василий Кандинский, Василий Кандинский искусство
«Вплоть до тридцатого года своей жизни я мечтал стать живописцем, потому что любил живопись больше всего, и бороться с этим стремлением было нелегко… В возрасте тридцати лет мне явилась мысль – теперь или никогда», – именно так Василий Кандинский (1866-1944) говорил о своём вступлении на путь художника и теоретика искусства.
Ведь с самого его детства эти два начала преобладали в нём – стремление к живописи и желание абсолютного познания её сущности. Впервые душа живописца пробудилась в Кандинском, вероятно, когда после переезда его семьи в Одессу в 1871 г.
мальчик стал получать художественное и музыкальное образование, симбиоз которых впоследствии сыграл важную роль в его теории искусства.
Но путь к искусству тогда для Кандинского был ещё неблизким, ведь ему ещё предстояло окончить гимназию в Одессе, юридический факультет в Московском университете, и даже стать преподавателем юриспруденции. Но в возрасте 30 лет он решил оставить занятия наукой, ссылаясь на отсутствие веры в науку как таковую, и безраздельно углубился в изучение тайн искусства.
И Кандинский выбрал для обучения живописи один из признанных центров европейского искусства – Мюнхен. Там он попал в частную школу югославского художника Антона Ашбе, которая, впрочем, не удовлетворила его потребности в новых знания. Потому он решил поступить в Мюнхенскую академию художеств, и со второго раза ему это удалось.
Именно там он начал свои эксперименты с формой и цветом. Конечно, сначала это были по большей части пейзажи, но даже в них он стремился вытеснить реальные объекты игрой линий и цветовых пятен. Так, постепенно в процессе художественного и интеллектуального поиска Кандинский пришёл к абстрактному искусству, которое он в последующие годы продолжил проповедовать.
В 1911 году он вместе со своим товарищем Францем Марком основал группу «Синий всадник», участники которой стремились выявить «ассоциативные свойства цвета, линии и композиции».
Это, собственно, и стало отправной точкой для абстракционизма Кандинского, но полное теоретическое обоснование это новое течение в изобразительном искусстве получило в 1912 году, когда свет увидела его книга «О духовном в искусстве», которая абсолютно перевернула все представления об искусстве.
Сам Кандинский довольно просто объяснял свой поворот к абстрактному искусству: «Сегодня я люблю круг, так как раньше любил коня, а может быть и больше, так как нахожу в круге больше внутренних возможностей, отчего он и занял место коня».
И в действительности для него это было так, ведь он было окружён миром явлений, которым не требовался никакой предмет, а форма лишь была выражением внутреннего содержания. Но для создания чисто художественной композиции необходима была не только форма, но и цвет, который призван создавать особое силовое напряжение с точки зрения абстрактной живописи.
Цвет был именно тем абстрактным компонентом, что воплощал своё звучание в материальной форме. Кандинский даже говорил о том, что определённые формы на плоскости имеют соответствующее цветовой воплощение. Так, треугольнику соответствовал жёлтый, квадрату – красный, а кругу – синий.
Но, конечно, же в своих полотнах художник не ограничивал себя подобными условными обозначениями и продолжал художественные поиски. По его мнению, даже использование, казалось бы, противоположных форм и цветов создавало лишь новую гармонию, которую он часто сравнивал с музыкальной.
Каждый цвет для Кандинского звучал по-особому, вызывая вполне определённые эмоциональные реакции. Жёлтый для него был очень динамичным и означал всё резкое, взрывное, агрессивное.
В то же время, противоположностью ему был синий, который должен был вызывать ощущение холода, покоя, вечера, моря и лунного света и всегда был самоуглублён. Красный стал для художника цветом огня и крови, проявляющим движение лишь внутри себя.
Самым спокойным из всех цветов оказался зелёный, который имел наибольшее количество оттенков и благодаря этому приобретал неповторимую глубину звучания. Отдельно от всего Кандинский определил чёрное и белое, которые обозначали все цвета сразу или же полное уничтожение цвета. Это были молчащие цвета.
Белый обозначал активное, а чёрный – пассивное сопротивление. Именно под таким углом Кандинский в своих литературных трудах и полотнах рассматривал цвет взаимодействующий с формой.
Для восприятия зрителя картины Василия Кандинского были очень сложны первоначально и отчасти такими и остаются по сей день. Сам же автор, чтобы облегчить понимание своих произведений объяснял, что воспринимать их нужно не в качестве стороннего наблюдателя, а как бы изнутри самой картины. Полотна должны были вызывать ощущение отхода от действительности.
Так, он говорил: «Абстрактное искусство создаёт рядом с «реальным» новый мир, с виду ничего общего не имеющий с действительностью». Но на самом деле, новый «мир искусства» Кандинского подчинялся вполне конкретным законам существования, а потому создавал очень живую и определённую реальность.
И в сущности, её единственно возможным средством выражения стал язык формы и цвета.
Василий Кандинский, Автопортрет
